Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

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Wholeon
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Jose Berserker escribió:Bueno, al lío, ¿no?
King Crimson - Red

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Año: 1974

Géneros: Rock progresivo, art rock, jazz rock, hard rock, heavy metal

Duración: 39:54
Si se me permite triplepostear (espero que al ser posts con tanto contenido no se considere spam xd) voy a comentar una película que vi ayer, que tiene una íntima relación con este disco.

Ayer vi la película Mandy, de Panos Cosmatos y la verdad... una pasada. De verdad Jose y a cualquiera que le haya gustado el disco Red de King Crimson, tenéis que ver esta película. Básicamente, es la película de este disco, tal cual. Y la relación es evidente, pues esta película es un espectáculo de iluminación (hasta yo que no tengo ni idea de cine lo he notado) y de fotografia, de un mundo alienígena y carmesí que desconocemos y como guindilla, el protagonista (Nicolas Cage, que actua un poco meh ya lo sabemos todos) se llama Red y la película empieza con una narrativa visual excelente de la mano sonora de Starless, canción estrella del álbum.

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Parafraseando al post de este buen señor:
evoca ese paisaje alienígena e incómodo en el que no te sientes seguro pero a la vez no quieres desprenderte de él. Y así continúa hasta el final: es oscuro y crudo, pero a la vez cautivador e hipnótico. Y ojo, que sea crudo (sobre todo para los estándares del prog rock) no quiere decir que no sea técnico o variado
Esta película es ese paisaje alienígena, es esa película incómoda, es esa película oscura y cruda, pero a la vez luminosa y cautivadora. He estado pegado a la pantalla durante las dos horas, y eso que tiene un ritmo relativamente lento. Y no voy a decir nada más que explicar cosas de la película no mola, mola más descubrirla. Miradla, es la polla.
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Vamos allá con un nuevo post, esta vez intentaré que haya más música que palabras.

A principios de año, cuando creé este tema, ya hice un post dedicado a Debussy, llamado Debussy – Libro 1 de Preludios: I. Danseuses de Delphes. Este post es una continuación directa de este, pues teniendo ya presentados el impresionismo musical y a Debussy, podemos darle más caña a la música.

[center]Debussy – Libro 1 de Preludios:
II. Voiles, III. Le vent dans la plaine & IV. Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir[/center]



Decir que me sorprende la cantidad de material y análisis de estos preludios que hay en internet, sin duda son de un valor incalculable musicalmente hablando. Por desgracia para acceder a mucho de este material tendría que pagar o dar según que datos y no es plan, así que voy a hacer un pequeño acercamiento a mi nivel e intentando no extenderme mucho.

En resumen, hoy os traigo los tres siguientes preludios:


Preludio II – Voiles Velas



Empecemos con una cita a Debussy, una cita que ya puse en el primer post que hice a Debussy pero que quiero que la tengamos presente:
En el fondo quisiera que la acción nunca terminara, que fuera continuada, ininterrumpida. Quisiera deshacerme de frases musicales parasitarias. Llegaré a una música sin motivos, o consistente en un solo motivo continuado, que no es interrumpida por nada y nunca vuelve sobre sí misma. Así habrá un desarrollo lógico, urgente, deductivo: entre dos repeticiones de un mismo motivo característico y típico de la obra no habrá relleno precipitado y superfluo
IDEA E INSPIRACIÓN
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Es curioso porque de joven cuando toqué este preludio, creía que el nombre se refería a velas y no a velos, lo que hace la ignorancia. Cuando tocaba esta obra, la imagen que se construía en mi cabeza era la de un cuarto oscuro iluminado por una sola vela en el centro, la llama de la cual iba fluctuando con movimientos bruscos, al final apagándose y dejando el ambiente sumergido en el más absoluto silencio de la negrura, algo que me cuadraba totalmente.

Realmente el título de la obra hace alusión a velos, paños, pequeñas cortinas de tela que ondean con el aire y que ocultan algo, normalmente ocultan un rostro. Al principio me llevé una decepción, todo sobre lo que había construido mi interpretación (la que pudiese hacer por aquel entonces, ni que fuese yo un virtuoso) era una mentira. ¿Pero realmente son tan distintas las impresiones emocionales que deja una vela de un velo? Ambos ondean de forma caótica ante la brisa, son volátiles e incluso podemos asociarlos a una temática oscura similar. Al final estamos escuchando música, y transmite una emoción, dibuja un sentimiento en nosotros, no un concepto.

PD: Estoy leyendo por ahí algunos documentos que dicen que se basa en veleros. (Llanto). Uno ya no sabe que pensar, interpretad lo que queráis xddd
ESTRUCTURA Y ARMONÍA
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No me voy a enrollar mucho, he prometido que habría más música que texto y de momento no lo he cumplido demasiado. Solo algunas cosas:

-Hay una serie de motivos cortos que van apareciendo, no son más de 4 o 5, y se van intercalando y superponiendo. Esto se contradice a la cita que he puesto de Debussy, pero realmente no lo hace. Debussy usa ideas y las va dibujando y desdibujando, no hay un inicio y un fin claros, hay una superposición de sensaciones sinérgicas. Dejo un enlace a un análisis detallado de la Federación de Enseñanza de CC.OO. de Andalucía, aviso que es medianamente avanzado aunque creo que cualquiera puede entender bastantes cosas leyéndolo y mirándolo un poco.

-El motivo principal (esta bajada misteriosa con la que empieza la obra) está hecha con la escala de tonos enteros o escala hexatónica, deja un tono de distancia entre todas las notas.

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-El motivo que hace este movimiento rápido y ascendente en el minuto 2:03 (y que posteriormente va fusionándose con otros motivos) está hecho con la escala pentatónica, la cual tiene diversas variantes dentro de cada tonalidad, es básicamente una escala de 5 notas dentro de una octava. Esta escala es “menos misteriosa” que la hexatónica, pero más disonante y de mayor tensión, por eso la emplea hacia el clímax de la obra.

Preludio III – Le vent dans la plaine El viento en la llanura



IDEA E INSPIRACIÓN
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En este caso el nombre no me da lugar a confusión xd, efectivamente es putísimo viento en una llanura. ¿Como reproduce esto Debussy? Movimientos ondulantes rápidos, el viento no tiene barreras físicas para correr todo lo que quiera y por lo tanto, la música es precipitada. Mantiene ese color misterioso, en mi cabeza vienen imágenes poco claras de una llanura, hace Sol pero está bastante nublado, extensiones y extensiones de prados verdes que se van tornando ocasionalmente grises.
ESTRUCTURA Y ARMONÍA
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-Sobre una textura base, ondeante y bastante disonante (está hecha con Do y Si bemol) se abre paso una melodía elegante, que junto a la textura base crea una sensación muy afín a una ventisca moderada. En el minuto 0:21 se intercalan unos acordes ascendentes, son fundamentalmente el mismo acorde (Ebm7), pero la séptima se va alternando entre menor (Db) y disminuida (C natural). Muy chula esta segunda textura que da una sensación de precipitación, como si el viento cayera por un pequeño valle.

-De nuevo usa bastante la escala hexatónica (de forma menos evidente) para conseguir misterio durante los pasajes intermedios, misterio que rompe con unos acordes fortísimos descendentes (1:05), podríamos considerarlos una “evolución motívica” de los del anterior párrafo, esta vez mucho más estridentes que misteriosos.

Preludio IV – Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir Los sonidos y perfumes se arremolinan en el aire de la tarde

Si alguien que sepa francés puede traducirlo mejor se lo agradeceré jeje



IDEA E INSPIRACIÓN
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De nuevo, el nombre es extremadamente descriptivo de la idea en la que se inspira. También toqué este preludio (junto a Voiles son los dos únicos que he tocado) y personalmente no me evocaba tampoco exactamente la idea del título: en mi cabeza y entendiendo el significado del título, la idea del perfume se convertía en un humo rosado que salía de una chimenea durante la noche en una ciudad victoriana, y este gas purpúreo, este perfume, iría invadiendo poco a poco las calles y callejones de esta ciudad.
ESTRUCTURA Y ARMONÍA
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-En este caso, a diferencia de Voiles, el desarrollo de la idea es mucho más progresivo (podríamos hablar de motivos más largos, incluso de temas, no tanto de motivos cortos que se van intercalando). De hecho hasta el 1:08 no volvemos a oír el principio de la obra que enseguida toma un rumbo totalmente distinto al anterior (en este segundo rumbo hace mucho más hincapié en el motivo principal). Quizás el hecho de que sea tan progresivo hace que tenga yo esta sensación de “invasión”, algo que lentamente va ocupando el espacio, que va intercalando.

-Por lo que leo, parece que para este preludio Debussy juega mucho con la diatonicidad-octatonicidad. Por desgracia no encuentro un análisis profundo que lo detalle y soy incapaz de verlo yo por mi cuenta (tengo la partitura delante y nada), así que tendremos que creérnoslo. La escala octatónica tendría 8 notas en la escala (cuando la diatónica tiene 7, do re mi fa sol la si, en el orden y alteración que queráis) y juega con ello.

Dejo el enlace a Wikipedia sobre la escala octatónica, aunque si no se está entrado mínimamente en teoría musical y tal es difícil de entender.
Para acabar el post, dejo una música muy curiosa. Art of Noise es un grupo synth pop bastante experimental y tienen un disco basado en Debussy (The Seduction of Claude Debussy, 1999). Os dejo uno de sus temas, ¿os suena el motivo del minuto 0:55?

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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Ya va tocando repertorio más actual.


[center]Yair Klartag – Nothing to Express[/center]

Recientemente le estoy dando bastante caña a la música contemporánea (la que se compone en la “actualidad”) y como siempre en música y también en la historia de la música, es difícil definir épocas, estilos y demases, y cuanto más cercana nos es la historia, con peor perspectiva se ve.

BREVE O NO TAN BREVE REFLEXIÓN SOBRE LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA

Como ya he dicho, contemporánea se refiere a la música de la actualidad (contemporáneo quiere decir “al mismo tiempo” o “perteneciente a la misma época”). ¿Pero que es la actualidad? o mejor dicho, ¿en qué época musical vivimos?

Para empezar el pautar épocas ya supone crear una serie discreta a partir de una serie que en la realidad es continua, para que nos entendamos; los saltos de época no son ni claros, ni súbitos, ni si quiera reales. Igualmente, podría decir que nos es fácil determinar cuándo fue el clasicismo, el romanticismo o el barroco, al quedarnos lejano vemos claramente la evolución de las tendencias y podemos marcar puntos de inflexión; pero sin el poder de la perspectiva, no hay nada claro. Y como todo lo que no está claro, genera opiniones y sobre todo, controversias.

Una vertiente defiende que la “época contemporánea” empieza cuando termina el modernismo musical, y más o menos el consenso es que este termina sobre los 70s (El Modernismo musical pues, duraría desde 1910 a 1970 y su fundamento seria la constante innovación y el adoptar los cambios sociales y tecnológicos como principio estético). Otros autores consideran música contemporánea a partir del fin de la segunda guerra mundial (supuso un cambio radical del lenguaje musical en muchos ámbitos, la gran guerra dejó también a los artistas hechos un fiasco) y otros, consideran música contemporánea únicamente la que se ha escrito en el siglo XXI.

Pero la controversia no termina aquí: muchos consideran música contemporánea a TODA la música que se ha creado durante nuestra época, y otros que solo consideran música contemporánea la vertiente vanguardista (que evidentemente sigue a pie de cañón actualmente) académica. ¿Cuál es mi opinión? No se aclaran los expertos voy a tener yo puta idea, ni si quiera tengo clara la barrera estilística entre música modernista y “posmoderna”. El honorable Capitan Tragedias nos puede dar su visión mucho mejor que la mía sobre las épocas artísticas más recientes.
oscario escribió:...
Algo que más o menos podemos definir en la historia del arte es el fenómeno de la globalización, quizás el “punto de inflexión” (más que punto, manchurrón) más importante de las últimas décadas. En todos los ámbitos, el ser humano se está alejando de la concepción ombliguista de su casa y tiene acceso a cualquier tipo de información, arte, cultura o ideología. En cuanto a la música se refiere, el alejarse de la concepción más puramente academicista occidental está costando lo suyo y va algo tarde, aunque estos últimos años se está tirando mucho del carro hacia el estudio y la inclusión de formas distintas de hacer música, formas tan respetables como la clásica occidental. Si alguien tiene curiosidad por este tema que pregunte o le puedo recomendar algún libro o cosas así guays, que me estoy desviando un poco del tema.

La cuestión es que probablemente lo que más destaque de la música contemporánea, más allá de los estilos y formas de componer que predominan y evolucionan actualmente, sea esta destrucción del canon occidental y sobre todo más académico, el deshacerse de las normas tan rígidas que han imperado siempre en el desarrollo de la música y abrazar todo el universo de posibilidades que tenemos al alcance, posibilidades que con la globalización surgen de absolutamente cualquier parte. Dejarse de modelos, dejarse normas que solo sirven para hacer un tipo de música, romper el lenguaje musical y deformarlo todo lo necesario para componer tu obra.

Todos los compositores vanguardistas (insisto en lo de vanguardistas, con la mentalidad de buscar algo nuevo, algo que no se haya hecho antes al máximo de niveles posibles) actuales desarrollan su propio lenguaje, tanto sonoro como escrito como en la obra que os presento hoy. No es algo que se haga de la noche a la mañana, se hace a base de currar y componer, y al final te acabas dando cuenta de que coño, tienes tu propia forma de hacer las cosas y nadie más la tiene. El compositor actual tiene tal universo de posibilidades y tan abrumador que es prácticamente imposible que dos hagan lo mismo (a no ser que sea un superplagio). Y con toda esta reflexión, creo que ya puedo poner la obra de este post:

NOTHING TO EXPRESS



El compositor de esta obra es Yair Klartag, israelí, nacido en 1985 (es joven el tio), con un currículum de la hostia y con su propia página web que podéis visitar, tiene un catálogo con todas sus obras y un poco una presentación de quién es él. Es habitual actualmente que un compositor tenga su propia web como este buen hombre, cosa que esta muy guay.

Se trata de una obra para guitarra eléctrica y cuarteto de cuerda formado por dos violines, viola y violoncelo, escrita y estrenada en 2014 y… ¿quien mejor que las palabras del propio compositor para conocer la intención de la obra? (sacado literalmente de su página web)
“B. -- […] The only thing disturbed by the revolutionaries Matisse and Tal Coat is a certain order on the plane of the feasible.
D. -- What other plane can there be for the maker?
B. -- Logically none. Yet I speak of an art turning from it in disgust, weary of puny exploits, weary of pretending to be able, of being able, of doing a little better the same old thing, of going a little further along a dreary road.
D. -- And preferring what?
B. -- The expression that there is nothing to express, nothing with which to express, nothing from which to express, no power to express, no desire to express, together with the obligation to express.
D. -- But that is a violently extreme and personal point of view, of no help to us in the matter of Tal Coat.
B. --
D. -- Perhaps that is enough for to-day.”
(Samuel Beckett, Three Dialogues - I. Tal Coat, 1949)

The search for my personal understanding of the term “Expression” has been occupying my thoughts in the last few years. I have tried to dismantle my urge for expression and find the concrete processes it implied for me. What am I “pushing out”? Is my natural thought process reflected in my musical structures? Is there a concrete sound world that exists in my inner world and wishes to be realized? How big is the discrepancy between these potential inner sounds and the resulting musical scores?

In this piece I have tried to compose music that corresponds to neither my thought process nor my inner sound world. The “drama” is based on the abstract relations between the sounds. A constant pulse lies in the center of the piece and is repeatedly destructed and reconstructed. The entire piece can be heard as waves of de-pulsation/re-pulsation.
Y ahora voy a centrarme en aquellos aspectos que me parecen más interesantes:

-Primero de todo, aquí no hay nada hecho con sintetizadores, es sonido sacado de los instrumentos tal cual. La guitarra es eléctrica sí, pero ni esta sampleado ni hay ningún tipo de alteración del sonido tras la grabación de los instrumentos.

-Me resulta harto complicado definir el estilo de la obra (como con cualquier obra contemporánea). Si tengo que mojarme diría que se englobaría dentro de lo que se conoce como Nueva Complejidad (el nombre es atroz, almenos a mi me lo parece). En palabras de Wikipedia:
Es muy abstracta, disonante y atonal, caracterizada por el uso de técnicas que llevan hasta el límite las posibilidades de la escritura musical. Esto incluye el uso de técnicas extendidas, texturas complejas e inestables, microtonalidad, contorno melódico altamente discontinuo y complejos ritmos de capas, cambios bruscos en la textura, y así sucesivamente.
Esta obra usa un montón de técnicas extendidas. No sé si habéis intentado mirar la partitura (sale en el video), pero hacedlo, aunque no sepáis nada de música y veréis lo puto rara que es. Hay un montón de técnicas extendidas escritas. Las técnicas extendidas son todas las formas no convencionales de tocar los instrumentos musicales e incluso aprovechar cualquier tipo de ruido que puedan generar como recurso musical. Existen los armónicos de los instrumentos de cuerda (muy utilizados en esta obra), dar “golpes” a los instrumentos de diversas maneras (sin maltratarlos oigan) o tocar con objetos varios. No voy a entrar en detalles, cualquier cosa podéis preguntar o comentar ya sabéis, pero si que si paráis el video en el minuto 3:00 y os dejáis un poco la vista podéis ver en la partitura de guitarra eléctrica “disconnect cable from guitar”. Si lo paráis unos segundos más tarde, en el 3:05, veréis la indicación “toach cable head to produce noise”. Si escucháis este fragmento y tenéis un poco de oído, podréis oir que está usando musicalmente el sonido que hace el Jack (cable) de una guitarra eléctrica cuando va mal o no está bien conectado. Así de frikis son.

-Sobre la partitura: si veis los primeros segundos del vídeo veréis un montón de símbolos, texto y demás, antes de que empiece la partitura en sí. Esto es una “leyenda musical”, aquí explica a los intérpretes lo que quiere decir todas las indicaciones, figuras y cosas extrañas que se van a encontrar en la partitura, es un traductor partitura-música. Gracias a esto, los intérpretes saben que han de hacer y como lo han de hacer para generar el sonido que quiere el compositor, porque esta claro que poniendo solo figuras y do-re-mis, no basta, los recursos y los sonidos van mucho más allá de eso (de ahí que wikipedia diga llevar al límite la escritura musical, es una puta sobrada esta partitura).

Esto es importante, porque sustenta lo que os comentaba antes de que cada compositor crea su propio lenguaje y por eso es necesaria crear esta leyenda al principio de la partitura: la forma de escribir las cosas de uno difiere totalmente de la de otro y los resultados serán totalmente distintos. Por supuesto hay ciertas convenciones para les técnicas más usadas, también de extendidas como los armónicos que os decia, pero el universo de posibilidades del mundo musical contemporáneo y las particularidades de cada sonido que se puede generar con el instrumento es tan basto que es imposible definir una notación convencional para todo ello. O muy valiente será el que lo intente. A mi parecer tampoco es necesaria esta convención para según qué, pues gracias a esta falta de convención es precisamente por lo que los compositores tienen esta libertad creativa.

-Finalmente, algo más simple: el conjunto de cambra de esta obra. ¿Guitarra eléctrica y cuarteto de cuerda? ¿Rock más clásico así tal cual? Así es amigos, y no es lo más raro que se puede ver, de hecho, por la forma en la que tocan y se usan los instrumentos, en ocasiones es difícil diferenciar la guitarra de los demás instrumentos, es increible lo cercanos que pueden llegar a ser.

Esta obra y como conclusión, no sé si será la más reconocida de esta época de aquí a unos años o la que menos, pero yo la veo como un claro reflejo de ya no solo las vertientes estilísticas contemporáneas (la ruptura y mezcla de esquemas y la creación de un lenguaje propio) sino de la sociedad actual: una en la que ya no nos aferramos a una concepción cerrada, puramente occidental y culturalmente local, sino una puricultural, crítica y globalizada en que cada vez las barreras están más difuminadas.
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Jmena
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Mensaje por Jmena »

[center]La Serie de los Mil y Un Temas Principales!
LUPIN III[/center]

La serie de Lupin III es una de las pocas series que a lo largo de sus 50 años de vida, ha permanecido 43 años reciclando y mejorando viejas composiciones propias para la serie, y ampliando repertorio.

Para no meter mucha chapa sobre la serie, empezaré hablando de su:
PRIMERA OST
La Ost que amenizó la primera serie de Lupin III, no difiere mucho en estilo de la futura ronda de temas que acompañarán a Lupin III por los siguientes 43 años, pero si que difiere en popularidad y personificación de los temas que envuelven a los personajes.

Este fué el primer Opening de la serie, Opening que dista de ser el actuál opening nacido en el 1977, y que afortunadamente para futuras entregas, no sobrevivió.


Sin embargo, la idea de emplear la melodía del Opening como Latemotiv o submelodías y subtemas propios de la OST, ya comenzó a verse en su primera entrega.

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

La OST de Lupin III, nació en una época dorada para las OSt's, las bandas sonoras del anime heredaron del cine su romántico aire, y nunca llegó a popularizarse un estilo plenamente impresionista, con la aparición del Disco-Funk las bandas sonoras complementaron el clásico uso de Latemotivs y Movimientos individuales ya visto en el Romanticismo (tanto clásico como del cine) y lo mezclaron con las importantes mejoras comerciales en sonido que se habían dado por parte de la industria musical por aquel entonces.
Esto transformó la visión de las Ost's en el anime, por lo menos temporalmente.

La primera banda sonora de Lupin estaba compuesta por composiciones muy muy alegres y ritmos Dance-Disco.
Esto permanecerá así los próximos 40 años dónde la banda sonora muy poco se moverá del Funk-DIsco.
La banda sonora inicial se esforzaba en personificar distintos estilos musicales de otros países, como por ejemplo la samba, pero el producto inicial de su primera banda sonora estaba muy limitado por el concepto de samba y mambo provenientes del rock.
Temas de esta Primera Banda Sonora:


Seguiré actualizándolo poco a poco con el resto de Bandas sonoras de la serie, dada la extensión de esta, un saludo.
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Oowada
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Mensaje por Oowada »

Mini Thin


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Mini Thin es un artista de hip hop country originario de "Almost Heaven" West Virginia. Nacido y criado en Weirton, WV Mini, también conocido como Malice, irrumpió en la escena musical con importantes victorias en batallas de MC nacionales con artistas como Roc-A-Fella Records, BET & Big Tigger, Def Jam y Sprite's Summer Jam.

Ha conseguido una cantidad asombrosa de reproducciones y descargas de canciones en línea y ha generado un gran revuelo. No es tímido cuando se trata de orgullo estatal y su principal objetivo no es la fama o la fortuna, ¡es estampar a West Virginia en el mapa nacional del hip hop de forma permanente!

Con su estilo único de lirismo mezclado con temas country y un pasado que se lee como el guión de una película, tiene a los sellos discográficos desconcertados, su ingenio irónico, carisma, vestimenta, sonido, voz y temas son lo primero. Una vez le preguntaron a dónde pertenecía en la industria de la música, respondió: "Soy mitad Waylon Jennings y Half 2pac y si tuvieras que incluirme en algún lugar, ¡sería entre Colt Ford y Yelawolf!"



Letra
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t's a redneck life for us
It's a redneck life for us
we drive trucks
Kick sticks 'til we get stuck
It's a redneck life

From standing in the counter dreamin'
To driving some of the biggest trucks you suckers ever seen
Chromed out some of the loudest pipes you ever heard
35's on the rims, we don't ever swerve
I'm country hail city bitch, wind got it popping
So now they asking, damn it boy when is Mini dropping
Yee Yee, for them trucks with the big stacks
Bangin' in the sticks with the riffraff, uh-uh
Console coolers with the six packs
And country girls shaking ass with the big racks, baby
Stars and bars next to old glory
Screaming hillbilly hustle is a country story


It's a redneck life for us
It's a redneck life for us
we drive trucks
Kick sticks 'til we get stuck
It's a redneck life

Goin' from Luke Bryan to Nas, sleeping on rhymes
That's hot, country music's not supposed to be pop
I'd rather hang out with cops, hit the sticks, empty clips
From a Glock, I drop a buck running just one shot
Six shooter in my waistline, moonshine
At noon time I keep my boots shined, they messing up
The youth mind, now that's a true crime, y'all been begging
For this joint but in due time, yee-yee
Ring the cowbell Rick Rubin, flip your anthem
Damn chicken man now who's stupid, uh-uh
'Cause when my situation ain't improvin'
I'm hissing up to your trailer, get this trailer movin'

It's a redneck life for us
It's a redneck life for us
we drive trucks
Kick sticks 'til we get stuck
It's a redneck life


While you're arguin' 'bout who's the nicest
I got this sniper rifle, crosshairs aimed at ISIS
But anyway country girls are screaming Mini, Mini (Forget it boy)
I'm in the candy store like gimme gimme, uh-uh
A country rapper who's finally skinny
Ford or Chevy, bang your girl in the back of a Jimmy
You can't feel these shoes, I'm like cool socks
Just representing for the school of the boondocks
If you're puffing blue grass you better hand some
'Cause the struggle was real like Randell's grandson

It's a redneck life for us
It's a redneck life for us
we drive trucks
Kick sticks 'til we get stuck
It's a redneck life

It's a redneck life for us
It's a redneck life for us
we drive trucks
Kick sticks 'til we get stuck
It's a redneck life


Mini Thin ha cumplido una sentencia de cárcel de 3 años, ha luchado contra el alcoholismo y problemas de ansiedad graves. Con su actitud de negativa a dejar de fumar, ahora lleva 10 años sobrio, es un cristiano temeroso de Dios y entretiene a multitudes a un nivel enérgico que pocas veces se ve.
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No hace falta valor para apretar un gatillo, pero sí para madrugar cada día y vivir de tu trabajo.
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trafalgar ha muerto
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por trafalgar ha muerto »

*Nota a quien lea esto: Sugiero que pongas solo unos pocos segundos de cada video si quieres enterarte de qué va la canción. Si te mola y quieres escucharla entera, maravilloso. Pero creo que es mala idea escuchar la primera y pasar del resto. La idea no es que cada uno de los temas sea un temazo que merece ser escuchado enteramente, si no que cada uno representa una faceta de la banda sonora, y de la historia que va detrás de ella. Dicho esto, haz lo que te apetezca, soy un random de internet, no la poli.

Una pasada rápida por la OST de Umineko


¿A qué suena una joven sin padres que mira al mar con la esperanza de salir algún día de la isla en la que se encuentra encerrada? Pues a esto:
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¿La crecientemente ominosa presencia de una bruja, dueña verdadera mansión en la que se ha reunido una familia de ricos?
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¿Y a qué suena la frenética agitación de una madre que intenta proteger a su hija de un peligro inexorable, que sabe en el fondo inevitable pero del que trata de escapar a toda costa?
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Personalmente, cuando la banda sonora de un anime es buena, a veces tengo la duda de si estoy viendo una serie reforzada por la música o estoy escuchando música reforzada por el mensaje. Decir esto en este tema es un sacrilegio, pero me cuesta apreciar la música a palo seco; para mi funciona mucho mejor cuando hay un contexto detrás. Mi mente es muy literal y necesita de una historia. De la misma forma, pasé de leer libros a ver series en gran parte porque la música es un catalizador gigantesco para cualquier clase de emoción. La evocación que provoca una sola frase de una melodía puede ser inimitable con libros enteros de palabras. Umineko son 120 horas de una mezcla de texto, música e imágenes. Pero si tuviese que elegir que quitar, si el texto o la música, quedaría dudando.

Y es que la música en Umineko cumple la función de dar vida a las profundas emociones que surgen en los personajes que la pueblan. Y Umineko entre otras muchas cosas es un dramón gigantesco y polifacético, en el que entre otras cosas la mayoría de personajes muere de diversas maneras y con diversas frustraciones, arrepentimientos o desidia, en cada capítulo. Y hay ocho. Umineko tiene la intención explícita por parte de su creador de ser "una montaña rusa de emociones". Y la cosa se va poniendo más caliente según se acerca el final de cada capítulo. La curva euforia/se va todo a la mierda haría algo tal que:
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Ejemplos de música vinculada a puntos altos/bajos de la historia:

(Una de mis favoritas, la melodía es preciosa) Sintiendo... nada, cansada de luchar en innumerables fragmentos que han destrozado tus frágiles esperanzas:
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(Los temas de esta parte de la historia hicieron dificil soportar esta) Tu rival yace derrotado ante ti, atado por una cadena de argumentos que no puede debatir, y una miriada de seres del cielo y el inframundo acuden en sus mejores galas a celebrar tu victoria:
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Por otra parte, Umineko es un misterio. Y como tal, la música tiene temas en los que entra en juego la deducción.

Tras una acalorada discusión en las que tus tíos, cada vez más nerviosos y sospechando del resto, han abandonado el salón. Afuera llueve y el resto de familiares, cansados y en voz baja, repasan los acontecimientos:
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Tras horas viendo morir a familiares, te das cuenta de algo y por fin algunos puntos empiezan a unirse. Corres afuera a comprobar que tu teoría tiene sentido:
(Banger)
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Para mi, la parte más interesante de Umineko no es que sea un dramón, si no las herramientas que desarrolla para que siendo un dramón sea interesante. Para ello, crea un metamundo, en el que algunos personajes discuten lo que ha pasado sin estar ligados por, bueno, el hecho de que tu prima haya aparecido con una estaca clavada en el pecho. Esta faceta de la historia se va ampliando y complicando enormemente durante el curso de los capítulos, y centraliza durante los últimos el mensaje, y hace catarsis de la historia en su conjunto. ¿Cómo representas la abstracción de una historia? ¿Cómo representas personajes que representan conceptos como... los milagros, el amor o la literatura?

Con música trippy por supuesto. Esta parte de la OST, que supone un descanso escaso y valioso del constante sufrimiento en la isla, es mi parte favorita:

(Con esta canción me he sacado la carrera) Eres una bruja que vive en un mundo donde conceptos como el destino o la probabilidad son comprensibles.
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(En realidad no recuerdo donde salía esta, pero me encanta)
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He tratado de evitar tracks verdaderamente emblemáticas, porque si algo tiene Umineko de mágico es que te entre un temazo en un momento en el que estás desequilibrado por la historia y el cerebro te regale un chute de endorfinas. Esto incluye a muchas de las OSTs de tecno hardcore que suenan en momentos clave de la historia, y también muchas de las cantadas, que casi invariablemente se situan como endings o en momentos verdaderamente emocionales. Hay una excepción, sin embargo, y la incluyo para terminar. Es el OP del anime. No conozco a mucha gente a la que le haya gustado el anime de Umineko como adaptación, pero desde luego no conozco a ninguno al que no le encante el OP. Es un tema lleno de fuerza, que contrasta y complementa el tono más tristón con el que comienzan los primeros capítulos. Además, sirve como "introducción" si a alguno le ha picado la curiosidad.
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He hecho una pequeña selección de música que puede ser algo representativa de lo que es la banda sonora, pero ni mucho menos es siquiera un cachito de lo que contiene. Hay, en esta lista de reproducción, 196 videos, y no están todas incluidas.

Musicalmente, ¿hay algo más que pueda añadir? Bueno, el modus operandi. La banda sonora está compuesta por varios músicos (¿seis, siete? ni idea, pero muchos), cada uno de los cuales escribe y trabaja de forma pseudo-independiente. El autor, Ryukishi07, describe en lineas generales que quiere para determinados segmentos de la historia, y según las canciones disponibles va decidiendo cuál le encaja en cada fragmento, pero reconoce que de música no tiene ni puta idea.

Para Umineko, que bebe de inspiraciones góticas y de la Divina Comedia entre otras muchas fuentes, se eligió música de órgano y de cámara, pretendiendo representar la elegancia europea, y se combinó en muchos temas con influencias de la música tecno y trance. El resultado es el que escuchais, mucho piano, mucho órgano, mucho modo menor y una sensación general de tristeza subyacente que marca y refuerza el tono de la historia, pero con una dosis indudable de tensión y una gran diversidad de tonos y matices.

Si a alguien le interesa Umineko, por supuesto por mi parte recomendadísimo.
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Wholeon
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Grandes aportes chavales, no sabéis cuanto os quiero ahora mismo. Empieza a estar jugoso el índice del primer post
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[center]Edvard Grieg – Peer Gynt (Música incidental & Suites nº1 y 2)[/center]
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Peer Gynt es un poema dramático noruego escrito por Henrik Ibsen. Más tarde el propio autor lo adaptó, y aquí es donde entra en acción esta música, compuesta por Edvard Grieg.

Tanto en el ámbito literario como musical, Peer Gynt es uno de los mayores exponentes del nacionalismo noruego del siglo XIX. Aviso de que este post va a ser largo, así que para los que solo tenéis curiosidad por la música, dejo los enlaces a ambas suites orquestales que salieron de esta extensa obra:




Estas suites son ese tipo de suites que son un “resumen” de una obra más larga. En este caso, la música de la obra de teatro dura una hora y media, y entre las dos suites hacen media hora. Se seleccionan una serie de movimientos, los que el autor considere destacados, y se convierten en suite. Quizás el movimiento más famoso de esta obra sea In the Hall of the Mountain King:



BREVE INTRODUCCIÓN AL ROMANTICISMO

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El romanticismo es ese gran período de la historia de la música que dura desde el 1810 hasta 1910 aproximadamente (las últimas décadas ya está más en decadencia). Las ideas del romanticismo como más o menos todo el mundo debe saber/intuir:

-Reclama la consciencia del Yo como entidad autónoma y el arte ha de ser un reflejo de los sentimientos humanos.

-Prima la creatividad, la originalidad y la libertad, se rompe con los cánones clásicos. Cada artista ha de buscar su propia identidad, su propio estilo, ha de buscar ser auténtico. Esta búsqueda de hacer algo nuevo, auténtico y propio sigue a pie de cañón hoy en día. Antes del siglo XIX esto no era importante, pero hoy en dia, cuanto más original, distinta a las demás y humana sea una obra, más buena se considera. Y por muy distinto que sea el rock de la música romántica, la filosofía es la misma: busca ser auténtico, de hecho reclama que su música sale del alma, no como la “música clásica”. A dia de hoy, en muchos aspectos, seguimos siendo románticos y bueno termino ya la reflexión.

-Se siente una gran nostalgia por épocas pretéritas, se da un enfoque fantástico a la historia y se alaban paraísos perdidos. Una generalización de la búsqueda de originalidad y autenticidad que hablaba en el segundo punto se manifiesta a gran escala en la reivindicación de un sentimiento patriótico. Así como Yo soy distinto a los demás, mi país también es distinto a los demás. Y así chavales surgen los nacionalismos, en que los artistas de cada nación buscan en su cultura, tradiciones y folklore, un estilo y un arte propios.
NACIONALISMO NORUEGO

Sin entrar mucho al turrón, durante la Edad Media, Noruega estuvo ocupada por los daneses, pero en 1814 como castigo por haber apoyado a Francia durante las guerras napoleónicas, Dinamarca tuvo que ceder Noruega a la Corona Sueca. Esta anexión fue en gran parte el despertar del sentimiento patriótico noruego. Algunos personajes importantes del nacionalismo artístico noruego són Henrik Wegeland (glorificaba la vida de los antiguos vikingos en sus obras), Ole Bull (impulsó la creación de un idioma musical noruego pues improvisaba en el estilo de las danzas folklóricas con su violín), Henrik Ibsen y Edvard Grieg (de quienes va este post).

En este post también vamos a hacer un tour por Noruega. Pondré fotos de los sitios que vaya mencionando y todo eso porque bien bonico es ese país.

EL AUTOR DE PEER GYNT, HENRIK IBSEN
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Lo organizaré en puntos esquemáticos:

-Nació en 1828 en Skien:

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-Se considera uno de los fundadores del drama moderno. Fue de los primeros en acoger la realidad dramática de la clase media y transformarlo a un lenguaje literario universal.

-Su visión de la humanidad, la sociedad y de su propia patria era muy pesimista y por supuesto sus obras lo reflejaban.

-Su obra más famosa es un poema dramático, Peer Gynt, dividido en cinco actos. Narra las aventuras, tanto en Noruega como en parajes exóticos lejanos de un hombre (Peer Gynt) que su principio vital es saciar sus superficiales deseos, normalmente a costa de aquellos que le rodean, huyendo de la realidad y sus responsabilidades i solapándose con hechos fantásticos.

El crítico danés Georg Brandes dijo que “Peer Gynt es la encarnación del egoísmo cobarde bajo la apariencia del autoengaño y falsedad. Cada vez cae más y más bajo y al final siempre obtiene la salvación a través del amor de una mujer honesta que sigue esperanzada en él pese a toda su vileza”. Me parece una muy buena descripción del personaje.

-La obra tiene una interpretación romántica y nacionalista. Es super romántico solapar el mundo real con el fantástico (en el caso de Peer Gynt hay un mundo fantástico oculto en las montañas) y además, pese a la crítica y la rabia que siente hacia la ciudadanía noruega de la época por ser tan “sencilla”, se aprecia mucho amor y nostalgia hacia sus tierras.

-Por otro lado, Peer Gynt también es una representación cómica del propio Ibsen. Henrik Ibsen dejó su país para siempre a los 36 años para irse a vivir a Italia, mientras que Peer Gynt hace un viaje por Marreucos y el norte de África en el cuarto y quinto acto. Lo curioso, es que al final Peer Gynt regresa a casa y “sienta la cabeza”. La familia de Peer Gynt tiene muchos paralelismos además, confirmado en su momento por el propio Ibsen, con su familia.
SOBRE EDVARD GRIEG
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Nació en 1843 en Bergen, ciudad cercana al Mar del Norte y actualmente la segunda ciudad más grande del país
Foto de Bergen

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Como para no hacerse nacionalista noruego, es el país más bonito del mundo me cago en dios.

-De chiquito le regalaron un piano y le encantaba improvisar en el (estudiar técnica no tanto, normal es un coñazo). Conoció a Ole Bull (violinista mencionado antes) y este animó a sus padres a llevarlo al conservatorio de Leipzig, el más prestigioso de la época, en Alemania. Actualmente Leipzig sigue siendo una capital cultural de lo más destacada. Imagen de Leipzig.

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-Cuando acabó sus estudios en Leipzig (allí pasó la tuberculosis, de hecho desde entonces hubo un pulmón que no le funcionaba y acarreó problemas de salud de por vida) regresó a Bergen, pero la ciudad se le quedó demasiado chiquita cultural e intelectualmente hablando, así que se mudó a Copenhague, capital artística del norte d’Europa de aquella época. Su idea era hacer contactos con grandes compositores escandinavos (escan… spam…) pero al final se creó un grupito de compositores jovenzuelos y alocados que decian que los mayores clásicos y caca. Este grupo de compositores tenia como propósito crear un lenguaje musical noruego.

-Decidió regresar a Noruega a poner en práctica su idea de crear una cultura musical en el país, se estableció en Christiania (actualmente Oslo):

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Oslo en 1895 arriba y actualmente abajo

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-Se casó con Nina Hagerup, una gran soprano. Eran primos hermanos, se llevaba en la época, y sus familias no querían que se casaran. La familia de Nina decía que Edvard era un pardillo, que a nadie le importaba su música y tal. Así que se casaron contra la voluntad de sus familias y un poco peleados. Tuvieron una hija y murió a los 13 meses. El matrimonio totalmente apenado, no volvió a tener hijos. Además, ese mismo año su sociedad filarmónica se fue a la puta por problemas económicos. Vaya que el hombre tenia dramaturgia romántica por un tubo.

-En 1870 ya era bastante famosete internacionalmente y Franz Liszt quiso conocerle, así que viajó a Italia. Allí conoció por segunda vez a Ibsen, que ya lo conoció anteriormente, y estrecharon su amistad. Cuando regresó a Noruega continuó desarrollando sus habilidades musicales y acabó convirtiéndose en un compositor muy reconocido en todo el mundo. Fue entonces cuando creo una institución, esta vez si que perdudaria, pues es la actual Orquesta Filarmónica de Oslo.

-En 1874 Ibsen contactó con Grieg porque tenia planes chungos de pasar su poema dramático Peer Gynt a obra de teatro. ¡Y qué obra de teatro! Ibsen era quisquilloso y exigente a niveles enfermizos. Basicamente el tio se cargó todos los límites del teatro de aquella época, puso música por un tubo, escenarios por un tubo, personajes por un tubo. Grieg pensó que seria un trabajillo de un par de meses y le llevó dos años, acabó hasta los santísimos cojones de Peer Gynt. No disfrutó del proceso creativo y abandonó el proyecto varias veces, sintiéndose superado por las exigencias de Ibsen. Como curiosidad, Ibsen le pidió a Gynt que para un fragmento fusionase los himnos nacionales de Noruega, Suecia, Alemania, Francia e Inglaterra. Grieg le dijo que por aquí. Pero bueno, al final salió algo chulo, y madre mia que chulo. Así que gente, pies a tierra, la mayoría de veces el proceso compositivo es terrible y dan ganas de pegarse un tiro, pero también es cierto que si no te llevan más allá de tu propio límite, no va a salir nada grande. Si siempre haces lo que ya sabes hacer y no vas más allá, no hay nada brillante ni original. Peer Gynt tiene mucha música, una hora y media que es mucho para aquella época: danzas, canciones, acompañamientos dramáticos… sentó cátedra y revolucionó el mundo del teatro.
Ahora viene la parte más pesada, en que voy a analizar movimiento musical a movimiento musical, poniendo fragmentos de la obra y explicando la historia de Peer Gynt que crea oportuna. Por desgracia, me ha llevado muchísimo hacerlo de los dos primeros actos y por ahora se queda ahí, porque pasarme ya me he pasado 7 pueblos. Dejamos en pendientes los actos 3, 4 y 5, porque la verdad, he disfrutado mucho haciendolo de los dos primeros.
Decir también antes de meterme al lío que podeis encontrar muy fácilmente la obra de teatro en pdf, se lee bastante rápido y son unas 70 páginas, por si hay interesados. Yyyy aquí esta la horita y media de vídeo de youtube que recopila todos los movimientos de Peer Gynt. Me voy a basar en este video para el minutaje:


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La acción comienza a principios del siglo XIX y termina casi al final. Transcurre parte en el valle de Gudbrandsdal y en las montañas vecinas, parte en la costa de Marruecos, en el desierto del Sahara, en el Manicomio de El Cairo, en el mar, etc.
Valle del Gudbrandsdalen (provincia noruega de Innlandet):

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Si algo hemos de tener claro para entender la historia que os voy a ir resumiendo es que Peer Gynt es un mentiroso compulsivo, un descerebrado, un borracho y un salido, en definitiva, tengamos en cuenta que “Peer Gynt es la encarnación del egoísmo cobarde bajo la apariencia del autoengaño y falsedad. Cada vez cae más y más bajo y al final siempre obtiene la salvación a través del amor de una mujer honesta que sigue esperanzada en él pese a toda su vileza”.
ACTO 1
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Delante de la casa de Aase. Abajo hay un río, un molino en el otro extremo. Día caluroso de verano. Peer Gynt, mozo de unos veinte años, fuerte y sano, baja por un sendero. Aase, su madre, pequeña y flaca, le sigue; está colérica y riñe.
La historia empieza con una discusión entre Peer Gynt y su madre, Aase. Aase está muy disgustada con su hijo, porque cree (y podemos creerlo nosotros también) que la está engañando, pues el bueno de Peer se va meses enteros de “viaje” por las montañas afirmando que va a cazar renos. Aase lamenta que la casa y las cuadras están hechas girones por la ausencia de su hijo, la tierra está sin labrar desde hace años, además de la mala fama que tiene su hijo, algunos rumores más manipulados que otros. Peer se justifica ante todo y promete a su madre que algún día será emperador.

Aase le dice entonces a Peer que con otro modo de ser podría llegar a algo, sin ir más lejos la hija del dueño de Hágstad* estaba prendada de él y por culpa de su TDA básicamente va a acabar casándose con otro al día siguiente. A Peer le da un arrebato de estupidez y decide ir a Hágstad a irrumpir en la boda, en este caso no tanto por estar salido sino para que su madre esté contenta.

*Poblado con el nombre de “Hagstad” existe, pero esta en Suecia y a tomar por culo, así que no creo que sea al que se refiere la obra.

Del viaje a la boda en Hágstad solo voy a destacar la dependencia que tiene Aase de su hijo, pues es una señora mayor que apenas puede moverse (cosa que hace aún más triste la situación, siendo habitualmente abandonada por su hijo) y que se van encontrando a gente y toda ella o amenaza a Peer, o insulta a Peer, o pega a Peer, llama a Peer borracho, a su madre loca y se ríe de las historias sin sentido de Peer. Vaya, que la mala fama va más en el sentido de ser el hazmerreír de las montañas y no de ser temido. Llegamos a la boda, y con ello al primer movimiento.

00:00:04 - Prelude: At the Wedding (I brudlaupsgarden)

Empieza con una gran abertura, música más festiva para enseguida irrumpir una música mucho más pausada y melancólica. Esta música es más triste se va alternando con un solo de Viola que parece que intenta retomar algo de esa festividad. Finalmente es retomada por toda la orquesta. Quedaros con el principio porque será un tema que irá apareciendo a lo largo de la obra: lo llamaremos sencillamente tema Abertura. Recordemos que estamos ante música incidental (hecha para obra de teatro), y por lo tanto hay una serie de Leitmotivs, más o menos camuflados.
Personalmente interpreto esta música como representación de la alegría de la boda en contraposición al rechazo que padece Peer en todo momento por sus invitados. Al igual que en el camino, la gente se burla de él y se aleja y ninguna mujer quiere ser su pareja de baile.


00:05:23 - The Bridal Procession (Brudföljet dreg forbi)


Este movimiento empieza con un motivo que se va repitiendo y desarrollando, un motivo también alegre y festivo. Es un constante crescendo hasta el tutti orquestal que se va disolviendo poco a poco hasta desaparecer. Como bien indica el nombre, se asocia al baile de bodas.

00:08:49 - Halling (Halling) y 00:10:12 - Springar (Springdans)

Dos fragmentos de música totalmente tradicional hecha por violines. Aquí es donde podemos apreciar el acercamiento de la gran forma clásica a la tradicional de la reivindicación nacionalista de la época romántica.

Pues bien, tras múltiples rechazos Peer conoce a Solveig a quien invita a bailar. Sorprendentemente esta muchacha no rechaza fulminantemente a Peer y siente algo de curiosidad por las tonterías que dice, e incluso su madre le deja bailar un ratito. En seguida se ha de marchar corriendo por un contratiempo con su vestido. Peer se queda bastante pillado de ella; quiero decir, Peer está pillado de todas, pero de esta chica especialmente.
Mientras tanto, la novia (Ingrid) está encerrada en su habitación porque no quiere casarse, y el novio (Mats) y su familia están histéricos.

Peer, borracho, les cuenta una historia totalmente falsa sobre invocaciones del demonio a unos chavales cual Usopp. Mats se acerca a Peer Gynt y le pide ayuda para convencer a Ingrid de que se case (en palabras suyas, “tu lo conseguirías”), a la vez que vuelve a aparecer Solveig con su hermana, por lo que Peer ignora a Mats y sale corriendo a pedir bailar de nuevo a Solveig. Esta de golpe lo rechaza fulminantemente, le llama borracho (en este caso lo está) y tal. Peer se da cuenta de que el padre de Solveig le ha prohibido bailar con él por su mala fama, se cabrea y cuando Mats le vuelve a pedir ayuda con el asunto de la novia, Peer acepta.

Mientras la gente de la boda valora por su cuenta que hacer con Peer (si lincharle, escupirle o directamente ahorcarle o degollarle), Aase, que está por ahí escuchando se escandaliza, y se escandaliza aún más cuando el novio llega horrorizado explicando que Peer se ha escapado por la ventana con Ingrid, la novia, hacia las montañas.
Que mal resumo me cago en dios, si os pica la curiosidad leeros la obra de teatro xd
ACTO 2
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Un sendero estrecho de montaña, muy arriba. Por la mañana temprano. Peer Gynt sube aprisa y de mal talante por el sendero. Ingrid, todavía medio vestida de novia, trata de contenerle.
00:12:20 - Prelude: The Abduction of the Bride. Ingrid's Lament (Bruderovet / Ingrids klage)

Empieza el segundo acto con el tema Abertura y de nuevo, este es seguido un tema melancólico, distinto al del acto 1. Este tema melancólico podemos decir con seguridad que ya es el lamento de Ingrid (tema precioso btw). Cuando el lamento de Ingrid llega a su fin, el tema Abertura vuelve a irrumpir un par de veces y mata definitivamente la música.

¿De que se lamenta Ingrid? Pues bien, Peer Gynt la ha “secuestrado” (suponemos que Ingrid se ha ido con él por voluntad propia, incluso quizás fue idea suya que se fugaran), pero ahora Peer quiere abandonarla; básicamente, le rompe el corazón. Puede ser interesante que os ponga un fragmento de la obra, así os hacéis una idea de como está escrito y tal, creo que lo iré haciendo con las escenas que me parezca interesante.
Peer Gynt: Apártate de mí!
Ingrid (llorando): ¡Oye mis súplicas! ¿Adonde voy a ir?
Peer Gynt: ¡Me es igual!
Ingrid (retorciéndose las manos): ¡Ay de mí!
Peer Gynt: El camino es libre; pero tienes que apartarte de mí.
Ingrid: La culpa nos liga.
Peer Gynt: Precisamente eso enciende el odio. ¡Que el diablo se lleve a todas las mujeres!... ¡Menos una!
Ingrid: ¿Quién es esa una?
Peer Gynt: ¡Tú no! Ingrid: ¿Una? ¿Quién es la sola...?
Peer Gynt: ¡Vete por donde has venido! ¡Fuera! ¡Con tu padre!
Ingrid: ¡Querido! ¡Amigo mío!...
Peer Gynt: ¡Calla! Ingrid: No habré entendido bien... ¿Que me vaya?
Peer Gynt: Con tus súplicas no haces más que afirmarme en mi resolución.
Ingrid: ¡Primero seducirme, y después rechazarme!...
Peer Gynt: ¿Qué es lo que puedes ofrecerme tú?
Ingrid: Hágstad, y más todavía. Si...
Peer Gynt: ¿Tienes un pelo dorado y de seda? ¿Tienes un libro de rezos en la mano? ¿Tienes unos ojos como aquellos? ¿Vas agarrada al vestido de tu madre?
Ingrid: No; pero... Peer Gynt: ¿Te confirmaste el año pasado?
Ingrid: Ya sabes que no.
Peer Gynt: ¿Estás libre de toda envidia? ¿Tienes el pudor en la frente? ¿Dices no a mis ruegos? Ingrid: ¡Dios mío, cómo se extravía su mirada!
Peer Gynt: ¿Sale de ti un dulce resplandor? ¿Se hace piadoso el que te ve? ¡Habla!
Ingrid: ¡Oh, Peer!...
Peer Gynt: ¿Qué voy a hacer entonces? (Quiere irse.)
Ingrid (cortándole el camino): ¿Sabes?, ¡si te vas es un crimen!
Peer Gynt: ¡Me es igual!
Ingrid: Puedo prometerte riquezas si te quedas.
Peer Gynt: ¿Qué son las riquezas?
Ingrid (llorando): ¡Me sedujiste!...
Peer Gynt: Viniste de buen grado.
Ingrid: Estaba desconcertada.
Peer Gynt: Yo estaba loco.
Ingrid: Pero pronto estará llena la copa.
Peer Gynt: Si me alcanza el castigo, será justo.
Ingrid: ¿No te conmueves?
Peer Gynt: Como una piedra.
Ingrid: ¡Bien; un día pagarás tu mala acción! (Se va camino abajo.)
Peer Gynt (está un momento en silencio, y luego dice): ¡Que el diablo se lleve a los que me amonestan, a todos esos locos y, sobre todo, a todas las mujeres!
Ingrid (vuelve la cabeza y grita con burla): ¡Menos una!
Peer Gynt: ¡Una sola! (Van cada cual por su camino.)
De este fragmento pueden asaltarnos distintas reflexiones: ¿Por qué cojones Peer se escapa con Ingrid si no le gusta? Es la primera de ellas. Bien, primero de todo, algo que hemos de tener muy claro como decía al principio, es que a Peer le gustan todos las mujeres pero a la vez no, es un gamer de esos. El caso es que borracho y por impulso, quiere fornicar con cualquier cosa que se le cruce pero luego se acuerda de que aimai si está enamorado. Ahí reside en gran parte la crítica de Ibsen, a la superficialidad, a la ambición y al egoísmo. El resto de fetiches, como lo del libro de rezos o ir agarrada al vestido de su madre sencillamente dejémoslo en algo contextual de su época.

Por si alguien está confundido, la mujer que ama Peer es Solveig, del baile, la cual mientras ocurre todo esto, está junto a Aase (madre de Peer) y algunos pueblerinos pacíficos más buscando a Peer por el bosque. Aase, loca pero adorable, está preocupada por su hijo y se martiriza culpándose de todos los males que causa y que le causan, en lo que ha hecho mal educándole y en lo mala madre que es al no poder protegerle, habla de lo buen chico que es (o que ella cree que es) y… Solveig empieza a interesarse y a pedir que le explique más sobre él.

Mientras tanto hay todo un escuadrón de hombres armados buscando por su cuenta a Peer por el bosque para básicamente reventarlo por haber secuestrado a la novia, así que Peer (habiendo abandonado ya a Ingrid) está huyendo por los bosques durante horas, perdido y borracho, hasta que se encuentra con 3 pastoras
A la caída de la tarde, en una altura sin árboles. A lo lejos, montañas nevadas. Las sombras son ya largas.

00:17:08 - Peer Gynt and the Herd-Girls (Peer Gynt og seterjentene)


Literalmente, “las mujeres del rebaño”. Este movimiento empieza con un reclamo por parte de las pastoras (sopranos), a medio paso entre bello y misterioso, intercambiando voces con las flautas. A partir del 19:05 entra la orquesta a todo trapo sin dejar de perder esa belleza y misterio, aunque se vuelve algo más frenético y ansioso.
Tres pastoras (en lo alto, corriendo, gritando y cantando): ¡Enanos! ¡Enanos de la montaña! ¿Queréis bailar? ¡Salid!
Peer Gynt: ¿A quién llamáis con esos gritos?
Las pastoras: A los enanos.
La primera: ¡Enano, ven con violencia!
La segunda: ¡No, ven con engaños!
La tercera: ¡Las habitaciones que estaban tan llenas, están vacías!
La primera: ¡Engaño es violencia!
La segunda: ¡No, engaño es ofensa!
La tercera: ¡En vez de mozos, nos cortejan enanos!
Peer Gynt:' ¿Dónde están los mozos?
Las tres (riendo): ¡No pueden venir!
La primera: El primero me trataba como a una reina, y ahora se casa con una viuda.
La segunda: El mío encontró una mendiga, y andan los dos por el mundo.
La tercera: El mío mató a nuestro hijo.
Las tres: ¡Enanos! ¡Enanos de la montaña! ¿Queréis bailar? ¡Salid!
Peer Gynt (de un salto se pone junto a ellas): ¡Yo soy un enano y tengo tres cabezas!
Las pastoras: ¿Es verdad?
Peer Gynt: ¡Valgo mucho más que vuestros estúpidos amigos!
La primera: Vámonos a la cabaña. 16
La segunda: Hay cerveza.
Peer Gynt: Déjala correr.
La tercera: Somos jóvenes, y queremos gozar de la vida.
La segunda (le besa): Arde y chisporrotea como hierro candente.
La tercera (igualmente): Como ojos de niño.
Peer Gynt (bailando con las tres): Ánimo obstinado, pensamientos alegres, ojos rientes, llanto en la garganta.
Las tres muchachas (sacando la lengua hacia la montaña, gritan y cantan): ¡Enanos! ¡Enanos de la montaña! ¡Vais a ver cómo bailamos! (Bailan con Peer Gynt).
Es interesante este fragmento, de hecho, saco diversas conclusiones.
Por un lado, para darle lógica a todo, Peer primero fornica y luego piensa, esto siempre presente (¿sino por qué abandona a Ingrid por amor a Solveig y luego se va con estas 3?). Por otro lado, precisamente este lado salvaje de Peer es el que empieza a meterle en este mundo fantástico y tétrico.

Estas 3 mozas aparecen buscando a los enanos de la montaña, presupongamos que con objetivos profanos. Hablan de ellos como seres violentos y salvajes (otra cosa es si dicen la verdad), incluso uno de ellos mató al hijo de una. Viendo lo disgustadas que están con sus “parejas”, Peer, quizás seducido de forma extra por el encanto mágico que puedan tener estas damas (o sencillamente porque nuestro amigo es un salido descerebrado) no puede evitar aprovechar la oportunidad de darle caña al pistón y él mismo salta y afirma ser un enano. Esto es más importante de lo que a simple vista puede parecer pues, para mí, es cuando ya ha dado paso dentro de este mundo mágico de los bosques.

Tras leer el fragmento entendemos el porqué de la música, es música bella como seguramente sean las pastoras, pero a la vez misteriosa, siendo el enlace al mundo mágico, y los “bailes” y seducciones de las pastoras explican el que sea algo frenético. Ojo con Edvard Grieg y lo guay que adecua su música a la situación, sin salirse del puro romanticismo logra de forma sobresaliente los matices de esta “banda sonora”.
En medio de Rondane. Puesta de sol. Alrededor relucen las nevadas cumbres.
Imagen de Rondane, parque natural de Noruega. Noruega es jodidamente preciosa:

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Cuando volvemos a saber de Peer Gynt, está solo y delirando, sin recordar que ha pasado. Ve castillos que se alejan cuanto más se acerca, gigantes, sonidos que repiquetean, estrías arco iris en el cielo. Se desploma sobre la nieve y empieza a desear cabalgar entre pastos y montañas, cruzar el mar salado, ser el príncipe de Inglaterra y todas esas cosas.
La ladera de una montaña, con grandes árboles. Las estrellas brillan por entre el follaje. En las copas de los árboles cantan pájaros. Pasa una muchacha con vestido verde. Peer Gynt la sigue, galanteándola.
00:20:54 - Peer Gynt and the Woman in Green (Peer Gynt og den grønkledde)

Movimiento muy corto, una pasada fugaz, un trote alegre de una joven muchacha, gobernado por la sección de cuerda.

Pues eso, una muchacha vestida de verde (la llamaremos La verde) pasa por ahí mientras Peer Gynt está delirando y este empieza a piropearla porque ya conocemos al bueno de Peer. La verde se interesa por él, primero temerosa de que le haga daño, pero Peer es un galán y le dice que es un príncipe (creo que sinceramente en ese momento Peer cree serlo) a lo que La verde responde que es una total coincidencia, pues ella es la hija del rey de los Dovre*. Empiezan a presumir de familia real, Peer afirma totalmente convencido que una riña de su madre es peor que la furia del rey de Dovre que hace temblar montañas.

*Para los curiosos, Dovre es un municipio de Gudbrandsdal.

Siento ser un pesado poniendo fragmentos pero me parece mucho más fácil y rápido de entender la historia:

La verde: ¿No tienes más vestidos que esos harapos?
Peer Gynt: ¡Habrás de verme vestido de domingo!
La verde: Yo voy todos los días vestida de oro y seda.
Peer Gynt: Pues me pareces bastante descuidada.
La verde: Así habla quien no comprende. Pero es que entre nosotros ocurre que tenemos para todas las cosas una doble vista. Si vinieras al palacio de mi padre, puede ser que no vieses más que una mole de rocas como caídas del cielo.
Peer Gynt: También en casa ocurre eso. Mi madre te parecería sucia y asquerosa. Es posible que cada cristal reluciente de las ventanas te pareciera substituido por trapos viejos. La verde: Con frecuencia lo blanco nos parece negro.
Peer Gynt: También lo grande puede parecer pequeño y lo sucio limpio. La verde (arrojándose a su cuello): ¡Oh, Peer, hemos nacido el uno para el otro!
Peer Gynt: Como la pierna para el pantalón y el cabello para el peine. La verde (gritando): ¡Ven, corcel de boda, caballo mío querido! (Llega un jabalí gigantesco, con un lazo al cuello y un saco viejo en vez de silla.)
Peer Gynt: ¡Viva! ¡Pasemos la puerta! ¡Apresúrate pronto, caballo! La verde (cariñosamente): Salí de mal humor del palacio de mi padre... Pero todo se ha trocado en dicha.
Peer Gynt (golpea al jabalí y salen al trote): En el atavío de sus caballos se conocen las gentes finas.

También he puesto el fragmento para que conste el tema de la “doble vista” y todo el rollo de que existe esa realidad oculta de los bosques que solo algunos y a veces pueden ver, algo que más tarde quiero retomar. Nótese como juega a su favor la carta de la doble vista para decir que él solo parece un mendigo y un borracho. Y así como si nada, Peer se ha ligado a la princesa del reino mágico y va directo a ver al rey de la montaña.

La sala del trono de los Dovres. Gran reunión de duendes, espíritus domésticos y enanos. El viejo Dovre está sentado en el trono, con cetro y corona; sus hijos y parientes más próximos, a sus lados. Peer Gynt está ante él. Confusión.


00:21:20 - In the Hall of the fucking Mountain King (I Dovregubbens hall)

Extremadamente conocida y con una estructura muy sencilla de comprender, una melodía misteriosa y lejana que va tomando presencia hasta convertirse en un desenfrenado, caótico e imperial tutti orquestal, con la misma melodia. Es genial el como va cogiendo peso y la propia inercia de la obra te lleva a semejante locura de final, un claro ejemplo de una progresiva evolución de un motivo hasta convertirse en un estallido.

Es un tema que me sugiere un misterio que va siendo substituido por el desenfreno, íntimamente relacionado con su nombre, estamos en la gruta del rey del mundo mágico. Cuando se desata la música, para mi es cuando el Rey de la Montaña hace temblar sus dominios con su furia y poder.


Princesas, brujas y ogros proponen, ante la llegada de Peer al gran salón del Rey Dovre, cortarle los dedos, arrancarle la cabeza, cocerlo y cosas varias, ante lo que el viejo Dovre hace un llamamiento a la calma: aprecia en Peer sangre joven y acepta que se case con su hija, siempre y cuando acepte un seguido de condiciones del mundo mágico: no preocuparse por lo que haya más allá del Róndane, no ver el dia ni la tierra (hago el matiz de que el mundo mágico se encuentra en un seguido de cuevas de las montañas), debe honrar las comidas y las bebidas del reino de los duendes, ponerse un rabo de duende…
El viejo Dovre: Luego tienes que quitarte tus vestidos de cristiano. Los nuestros son magníficos, hilados, tejidos y hechos en casa, excepto el lazo de seda de la punta del rabo.
Peer Gynt (secamente): Yo no tengo rabo.
El viejo Dovre: Eso se arregla pronto. Te ataré mi rabo de gala.
Peer Gynt: ¡No me toques! ¿Crees que soy un bufón?
El viejo Dovre: No será nunca mi hijo quien no tenga un apéndice en la parte posterior.
Peer Gynt (para sí): ¡Bah, el hombre no es más que un soplo! Lo mejor es someterse al uso general. ¡Átamela!
Peer va cediendo a todo lo que le exige El viejo Dovre para casarse con su hija y quedarse con la mitad del reino, hasta que la cosa empieza a torcerse:

00:23:48 - Dance of the Mountain King's Daughter (Dans av Dovregubbens datter)


Un movimiento con un tema que parece de un estilo totalmente tradicional, cosa que cuadra bastante con el hecho de que nos hallamos ante música tocada por las muchachas de este mundo mágico:
Si se me permite opinar, mola el toque tradicional pero en este caso hubiera continuado con esa temática oscura del mundo mágico y le hubiese dado nada, una chispita tétrica. Gusto personal oigan.

El viejo Dovre: ¡Hijo mío, nosotros somos mejores que nuestra fama!... Pero desterremos toda desavenencia y pasemos a satisfacer necesidades espirituales. ¡Salid, muchachas! ¡Haced sonar vuestras arpas! ¡A ver, bailarina! ¡Muévete y salta! (Música y baile.)
El edecán: ¿Te gusta?
Peer Gynt: ¡Hum...!
El edecán: Tocan y cantan con gracia.
Peer Gynt: No sé con qué ojos mirarás tú. Yo veo a una vaca pulsando las cuerdas del arpa, y a un monstruo horrible que baila.
El edecán: ¡Coméoslo!
El viejo Dovre: Todavía ve con ojos humanos.
Las princesas: ¡Le arañaremos, le pellizcaremos, le chuparemos la sangre!
La verde (llorando): ¡Decir eso cuando somos mi hermana y yo las que tocamos y bailamos!
Peer Gynt: ¿Qué más quieres de mí? El viejo Dovre: Quiero cambiar tus ojos; te cortaré el izquierdo y te sacaré por entero el derecho. Así parecerás armónico.
Peer se niega a perder su vista como humano y en definitiva, a perder todo lo que es para pasar a ser parte del mundo mágico. Ante la actitud de abandonar a la princesa y regresar a su hogar tras haberla seducido, el Rey de la Montaña desata su furia.
El viejo Dovre: ¿Cómo? ¡Avergüénzate! ¿No le prometiste tu corazón y tu mano? Peer Gynt: ¿Nada más? ¿Qué importancia tiene una broma semejante? El viejo Dovre: Sois siempre los mismos dondequiera que estéis. Para vosotros sólo vale aquello que la mano toma. ¿Es decir que tu palabra no significa nada? ¿Un juramento es una cosa ligera, bribón?
Peer Gynt: ¡No muerdo yo tales anzuelos!
La verde: ¡Peer mío, no pasará mucho tiempo antes de que seas padre!
Peer Gynt: ¡Abrid la puerta! El viejo Dovre: ¡Tu hijo, semejante a un gato negro, te seguirá!

00:25:45 - Peer Gynt hunted by the trolls (Peer Gynt jages av troll)


Variación del tema de “in the hall of the mountain King”, transforma el misterio original del tema en un movimiento ansioso, con un frenetismo creciente hasta que estalla de una forma análoga a como estalla el tema original, puro caos, puro desenfreno, puro orgasmo auditivo. Ojo a como termina el movimiento, me parece bestial ese movimiento armónico. Creo que con la música y el título ya queda todo dicho de esta parte, así que pasamos a la siguiente directamente, que además musicalmente está totalmente enlazado (no hay pausa)

Los enanos huyen entre gritos y lamentos. La habitación se viene abajo; todo desaparece. Profunda obscuridad. Peer Gynt da golpes al aire con una rama.

00:29:00 - Peer Gynt and the Boyg (Peer Gynt og Bøygen)


Mantiene el mismo toque de ansiedad que el movimiento anterior con algo más pausado, tiene un ligero crescendo que termina con unas campanadas, dejando a solas a las voces. El toque de estas campanadas se indica también en la obra:
Peer Gynt: ¡Caro se paga un poco de vida con una hora de tal dolor desgarrante!... (Cae desfallecido.)
Voz de pájaro: ¡Ahí le tienes! ¡Ya no se escapará! (Se oyen a lo lejos campanas y cantos.)
Os voy a ser sincero, no acabo de entender este pasaje. Peer está luchando inútilmente contra una voz en medio de la oscuridad que se hace llamar “el gran torcido”, cuando aparece una “voz de pájaro” y parece que le rescata a la vez que suenan las campanas.
Peer despierta en la cabaña de su madre Aase, con Solveig y su hermana Helga a su lado.
Peer Gynt: ¿Sabes dónde he estado esta noche? El príncipe de los Dovre viene detrás de mí.
Solveig: Por eso tendrían un sonido tan claro las campanas hoy.
Peer Gynt: A Peer Gynt no se le atrae con esos sones. ('Solveig se va.)
Helga (llorando): ¡Siempre la asustas con tus cosas! ¡Espera! (La sigue.)
Peer Gynt (tomándola del brazo): Mira lo que tengo en mi bolsillo: un botón de plata. Te lo daré si hablas por mí.
Helga: ¡Ay, suéltame!
Peer Gynt: ¡Ahí tienes, toma!
Helga: ¡Déjame!
Peer Gynt: ¡Dios te bendiga si...!
Helga: ¿Quieres comerme?
Peer Gynt: No; dile tan sólo que no me olvide. ('Helga se va corriendo.)
¿Es quizás la conexión con Solveig lo que le ha devuelto al mundo humano y por lo tanto es esta la voz de pájaro que le ha rescatado de la oscuridad? Sinceramente ni idea, pero aquí termina el segundo acto, mi favorito de la obra.
LEGADO CULTURAL DE PEER GYNT
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-Raymond Williams (crítico, novelista, intelectual…etc) inglés afirma que Peer Gynt, junto a Lucky Peter’s Journey, exploran un nuevo tipo de drama que iba mucho más allá de las capacidades teatrales de la época: a nivel de leguaje y composición visual, se acerca más al cine que al propio teatro.

-Peer Gynt es de las obras de teatro más adaptadas y estrenadas en el mundo. Tiene 4 adaptaciones al cine, un cortometraje y su música ha sido inspiración de muchas obras y canciones (la canción del Inspector Gadget, por ejemplo, es una “cover” de In the Hall of the Mountain King). También se hizo un ballet de Peer Gynt.

-Des de 1928, en Vinstra (Gudbrandsdalen) hay un festival anual de Henrik Ibsen y Peer Gynt. Es de los hitos culturales más importantes de Noruega y cada verano reúne unas 17.000 personas (no es como un partido del Barça, pero coño, para ser cultura es mucha gente). En ese festival cada año se estrena la obra de teatro de Peer Gynt a la orilla del lago Gala, donde Henrik Ibsen se inspiró para partes de la obra (de hecho, la casa de Peer Gynt está junto a un lago). Imagen de Vinstra primero y del festival segundo. Que puta pasada, ojalá algún día pueda viajar a Noruega e ir a ese festival.

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-En 2006 se fundó un parque de esculturas de Peer Gynt, el Peer Gynt-parken, en Oslo. Es una representación monumental de la obra escena a escena y la mayoría de esculturas del parque son resultado de un concurso internacional de escultura.

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Vaya, que Edvard Grieg y Henrik Ibsen pueden estar bien felices: su romántico y nacionalista objetivo de lograr llevar la cultura Noruega a un campo internacional está más que logrado, y está claro que Peer Gynt es un patrimonio importantísimo en todos los aspectos.
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Jmena
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Mensaje por Jmena »

[center]LUPIN III - TEMA PRINCIPAL[/center]
Muchas Series habrá con temas principales buenos, pero que con el paso del tiempo no han sabido dar la talla ni atualizarse junto a su serie...
SIN EMBARGO!!! El tema principal de Lupin III ha sabido conservarse e incluso adaptarse a lo largo de los casi 50 años de vida que tiene su tema principal.
Su primer tema oficial se remonta al 1978, y desde entonces, no ha hecho más que evolucionar y adaptarse con el paso del tiempo.
Las adaptaciones que tienen los temas de Lupin a lo largo de sus casi 50 años no son melódicas ni armónicas en la mayoría de sus situaciones, sino sonoras...Esto le aporta a la banda sonora no una calidad cuantitativa sino cierta calidad sonora e incluso idiosincrática que le ha permitido seguir viva y potente durante tanto tiempo.
PRIMER TEMA (1978):

Poco hay que hablar de esta versión del tema, comienza con las bases (Estructura, Armonía, Tema, y ESTILO), pero es un Opening del que poco hay que hablar, debido a que por el momento era una simple canción Opening, pero que asentaba las bases de la melodía y estructura que acompañaría al tema a lo largo del tiempo.

[center]SEGUNDO TEMA (1979):[/center]

Aquí comienza la mágia latemotivesca de LUPIN y su curiosa sonoridad.
El tema principal, conserva la estructura, la armonía...LO CONSERVA CASI TODO!!! Podría decirse incluso que es el mismo tema, sin embargo hay algo que lo hace especial respecto al anterior...LA AMBIENTACIÓN y la INSTRUMENTALIZACIÓN.
Venimos de un Opening normal donde el tema lo canta una persona y el medio que le da valor lírico es el cantante... Sin embargo, con esta nueva versión, son los instrumentos los que conforman al tema, Las distintas caracterísiticas personales y conflictos que pueden llegar a abarcar la trama de la serie, pueden verse reflejados en el propio Opening...
Empezamos con una Intro, donde hay cuerdas sostenidas en trémolo, para darle intriga y emoción al comienzo (Es La serie de un Ladrón, este comienzo es idóneo ya que las cuerdas atremoladas se han visto repetidamente en multitud de series con circunstancias parecidas (Inicio de Misión Imposible Por Ejemplo)...)
Mientras los instrumentos de Viento y los coros junto al bajo y la batería construyen un cierre a la intro (De forma Limpia y Perfecta, como si de un ATRACO se tratase)...Podría decirse que el inicio es dónde te roban...
Pasamos al tema principal o parte A , donde en esta ocasión, lo efectúa un Sintetizador resonante dónde la frecuencia se va cortando , creando esa especie de sonido ""Ranoso"" (Dado que en frecuencias bajas, obtendríamos un sonido similar al Croar de una Rana), el cese de esta primera parte, se da con la aparición de unos pads de cuerdas que dan pie a la siguiente parte...
El Amor o la Amistad Es la parte B de la canción (este segmento puede cambiar enormemente con la instrumentación), en este Opening en concreto, este segmento va más orientado a representar a los amigos de Lupin con una instrumentación más seca y firme, dónde parece dar a entender que es una mera melodía de acompañamiento hasta volver a llegar a la parte final del Tema ( ES LA COMPAÑIA QUE AYUDA DURANTE EL ATRACO EN LA HUIDA).
Parte Final A' es una repetición del tema principal pero con una mayor instrumentación (Compañía), donde la Banda (LOS AMIGOS) se unen al prota (SIntetizador).
TERCER TEMA (1980):

Este es el famoso track que se usa durante la persecución a coche que se da en el Film "LUPIN III Y El Castillo de Cagliostro"
Podemos ver como en este track (ALargado) la pista comienza con acción, pero no una acción creciente, sino más bien como una irruptiva acción ... Algo frenético y de golpe, algo que no te esperas ( Algo que vivirías en una persecución).
La orquestación es más moderada con el prota (Vibráfono, para un Jazz-Swing cálido), y se centra más en los instrumentos secundarios, la banda es ampliamente extendida, y el sonido es más inmersivo, (YA NO SE CENTRA TODO EN EL PROTA), la parte de los amigos, aumenta y no contentos con ello, la sensación de persecución y de aventuras es también mayor... Podría decirse que es un Opening más enérgico.
La estructura en la versión extendida contiene 1 puente donde el vibráfono efectúa un solo.
A destacar, el final de esta pieza no es conclusivo, su cadencia es inconclusa...Es un final abierto, y no tan épico como el anterior.
CUARTO TEMA: (2015)

VOLVEMOS AL FRENÉTICO INICIO DEL SEGUNDO TEMA, ¿¿Pero?? HAY ALGO DISTINTO.
La instrumentación ha cambiado, ahora ya no emplea instrumentos genéricos del Pop-Funk ni sintetizadores, ahora ha heredado una ambientación ITALIANA con CLAVINCÉMBALOS Y MANDOLINES, e incluso ha ganado en calidad de sonido (¿¿¿Y SIN PERDER PERSONALIDAD!!!!)
Un detalle a destacar de su parte B, es que es el primer Opening (DE SERIE SIN CONTAR PELÍCULAS) en el que le atribuyen la parte al completo al personaje de FUJIKO MINE, quién es el amor de Lupin, por lo que la parte de la amistad ha sido reemplazada, y su nueva ambientación instrumental se basa en coros femeninos y un movimiento más suave y fluido de la melodía (Podría decirse que su sonido es más Ligero y llevadero) al emplear Mandolines trémolantes como carro de la melodía, y unos coros ambientales como carriles hacia la estación del prota (Tema Principal).
Y esto va sincronizado con la trama, que curiosamente trata temas como el amor (Entre otros, aunque esto siempre ha sido tópico en Lupin, en esta serie comienzan a tratarlo de forma más madura y seria).

[center]QUINTO TEMA (2018)[/center]
Como si de un Deja vú se tratase, este track VUELVE A COPIAR LA FÓRMULA DE UNO DE SUS ANTECESORES, en concreto del Tercer Track de la serie, sin embargo...
TODO VUELVE A CAMBIAR.
En este caso, la ambientación es Parisina, Francesa pero sobre todo... Romántica.
YA NO HAY EXCUSAS; ESTAMOS EN LA CIUDAD DEL AMOR...SIN EMBARGO, vuelve a sorprender...
Y nos trae la OST más delicada y rítmica de toda la saga.
El romanticismo de la OST se puede ver en la delicadeza de la melodía, que pese a ser la misma, es tratada de forma distinta por los elementos que la rodean... Las cuerdas de fondo son cuerdas más suave y ligadas, cuerdas lentas y armónicas cuya función se limita a acompañar. La melodía principal está acentuada por eventos que se van dando a lo largo de la parte A, elementos como fills de batería, o Downs de los vientos. Las FLAUTAS TRAVESERAS, cobran una relevancia significativa en la OST de esta serie, pese a quedarse en segundo plano en este Opening.
La batería es la esencia de esta banda sonora, hay ciertos percusionistas que consideran el Jazz con sus variantes como la cúspide musical a la que se puede aspirar con la percusión/Batería, y pues este Swing Francés es una prueba de lo tremendamente ambiental y rítmica que puede llegar a ser una batería sin ser abrupta ni ruidosa.
PERO LO MÁS IMPORTANTE, La parte B es totalmente magnificada por un bajo con frecuentes SLAPS y ritmo fijo que amortiguan los choques constantes de la melodía de la amistad (PORQUE CURIOSAMENTE EN ESTA PARTE, HAY UNA GRAN CANTIDAD DE CONFLICTOS ENTRE LOS PROTAS), y todo esto, sin llegar a perder el romanticismo que una amista trae consigo... Porque Cómo no, están en "La ciudad y el país el amor".
Desde luego, si hay algo bien logrado en las Ost's de Lupin es su ambientación, una OST a cargo de Yuji Ohno & Lupintic Six que ha sido Capaz de captar las emociones y las intenciones argumentales y ambientales de los lugares a los que LUPIN se ha desplazado...

COMO NO VOY A PONER NI COMENTAR TODAS SUS VERSIONES DADA LA EXTENSIÓN DE ESTAS, COMENTAR QUE HAY UNA VERSIÓN MÁS CORAL ACAPELLA, UNA VERSIÓN POP (1992), Y UNA VERSIÓN AGRESIVA QUE PUEDEN ESTAR INTERESANTES DE ESCUCHAR, por no mencionar las infinitas versiones del tema que han sacado de sus temas para las Ost's de la serie (Tema a Cuerdas, Tema a Sintetizadores, Temas Rearmonizados, temas a orquesta...).
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Capitan Pillo »

Y aun así siempre suena a peli de Alfredo Landa, cuando van con coche por Madrid.
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Ozymandias »

Aprovecho para dejar aquí una de mis canciones favoritas.
[center]The Seven Angels[/center]

Autor: Avantasia
Año de creación: 2001-2002
Género: Power metal, metal sinfónico, metal progresivo

¿Qué es Avantasia?
Spoiler: Mostrar
Avantasia es un supergrupo alemán de power metal creado por Tobias Sammet en 1999. ¿Y porqué lo llamo supergrupo? Bien, lo que diferencia a Avantasia de otros grupos es que, si bien tiene una alineación (por así llamarla) oficial, eso no impide que en sus canciones haya multitud de vocalistas y cantantes de otros grupos de metal, que contribuyen con ellos en algunas canciones. De hecho, esto es algo de lo que para mí la hace tan especial, ya que permite que siempre haya cantidad de sonidos y voces nuevas, siempre cambiantes.
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El nombre Avantasia viene de la unión de Avalon (Una isla legendaria de la tradición artúrica) y fantasia (fantasía) y describe “Un mundo más allá de la imaginación humana.”
The Metal Opera Part II
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“The Metal Opera Part II” es el nombre que recibe el segundo disco del grupo (Que viene después de, obviamente, The Metal Opera), y es donde se encuentra esta canción, que es, a mi parecer, la mejor del disco, y de la banda en general. Junto con el disco anterior, cuenta la historia de Gabriel, un novicio dominicano de Mainz en 1602. Un día descubre que han secuestrado a su hermanastra Anna, y que va a ser juzgada por bruja. A leer un libro prohibido, le encarcelan, y en prisión conoce a Lugaid Vandroy, un anciano que será su guía espiritual, y que le promete liberar a Anna si este le ayuda a liberar un lugar llamado Avantasia.

Como curiosidad, destacar que en este disco a modo de “invitados” tomaron parte el bajista Markus Grosskopf, de Helloween, y el batería Alex Holzwarth, de Rhapsody of Fire.
The Seven Angels
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The Seven Angels es la primera canción de este disco, y como ya he dicho, la mejor a mi parecer, además de ser una de las más conocidas de este grupo. Eso sí, reconozco que no es para todo el mundo. En primer lugar, porque dura 14 minutazos, y en segundo lugar, porque a lo largo de esos 14 minutos, cambia radicalmente de ritmo y género varias veces. Como ejemplo, decir que empieza con unos cánticos casi religiosos, que pasa luego a puro power metal, y que, entre otras cosas, tiene una balada de piano en medio…

Aún así, esta canción me encanta, y se la recomiendo totalmente a todo aquel al que le guste el metal, o incluso al que no le guste pero quiera probar. A pesar de su duración, no se hace pesada en ningún momento, y creo que tiene algo muy especial, que no puedo definir bien, pero que hace que se diferencie inmediatamente de todas las demás. Simplemente no puedo hacer más que recomendarlas.
Letra
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https://genius.com/Avantasia-the-seven-angels-lyrics
(Iba a ponerla aquí pero es demasiado larga)
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Antón G. Abril – Preludios de Mirambel
Que pasa chavales, hoy os traigo un poco de música más contemporánea y, además, española, que ya va tocando. Post no muy largo, btw.

ANTÓN GARCIA ABRIL

Este buen hombre es de los compositores españoles más importantes del siglo XX y sobretodo, es de la mejor provincia del mundo: Teruel. Entre 1973 y 2003 fue catedrático de Composición y Formas Musicales del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y bueno, tiene como 40 trillones de premios de música y arte y compuso canciones tan conocidas como el Himno de Aragón o la musiquilla del Hombre y la Tierra, entre muchísimas bandas sonoras de películas españolas que podéis encontrar con una rápida búsqueda en Google.
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PRELUDIOS DE MIRAMBEL

Compuestos entre 1985 y 1996, estos 6 preludios para piano forman parte del legado más tardío que nos deja Antón. Siguiendo la estela de los preludios de Debussy o Mompou, estos preludios son obras “cortas” (aunque algunas son muy largas para ser preludios, casi que podrían llegar a ser obras con cara y ojos, más con lo virtuosas que llegan a ser) que buscan jugar con motivos, explorar ciertas sonoridades o plasmar ciertas imágenes en nuestra cabeza. Estos preludios para mí, son impresionistas… aunque claro, combinados con una muy fuerte influencia de todo el conjunto de estilos vanguardistas que se sucedieron durante la primera mitad del siglo XX y con el estilo propio de Antón, que intenta continuar con la tradición musical española y las armonías que le asociamos.

Todo esto hace que estos preludios (impresionistas, virtuosos, vanguardistas, musicalmente españoles también), además de ser bastante complicado de clasificar en un solo género, sean muy interesantes. Aquí os los voy dejando con algún que otro comentario.

Preludio nº1 – 1985
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Este primer preludio es probablemente mi favorito (y por el que me he animado a hacer el post). Fijaros que sonidos, cerrad los ojos y soñad con el mundo neblinoso y tormentoso con espontáneos haces de luz que nos presenta. Fijaros en la obsesión, en el remolino que tiene lugar a partir del 1:10. A la altura de las mejores obras de Debussy.
Preludio nº2 – 1996
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A este segundo preludio (curiosamente es el nº2 pero junto al tercero, son los últimos que compuso), por algunos pasajes en concreto, como genera la tensión y la resuelve, le noto bastante influencia del jazz… aunque es una afirmación que hago bastante al aire. También he de decir que no veo tanta diferencia del jazz más juguetón con la armonía y el impresionismo y es que realmente no son tan distintos. He de decir que, pese a que está muy bien, no me acaba de molar especialmente este segundo preludio, muy largo. Quizás fui con otra idea al escucharlo igualmente.
Preludio nº3 – 1996
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Compuesto el mismo año que el 2, pese a que me gusta más que este, pues tiene un aire más místico como el primero, más neblinoso y temperamental, también se me hace un poquillo largo. Fijaros en el minuto 6 como juega con ese motivo tan español y que bonito es.
Preludio nº4 – 1993
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A partir del minuto 7 se vuelve orgásmico. Me gusta mucho como mezcla melodías y sonoridades asociadas a la tradición española (escalas derivadas del modo Frigio (https://es.wikipedia.org/wiki/Modo_frigio), similar a las escalas usadas en el flamenco) con un impresionismo de lo más épico.
Preludio nº5 – 1987
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Mi segundo preludio favorito, más corto que los anteriores y a mi gusto, más eficaz. Me evoca un bello mal tiempo, nubes, agua chispeando sobre prados verdes, quizás una danza entre un ser humano y un ser místico, sabio y claroscuro.
Preludio nº6 – 1986
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Me gusta mucho el principio y el final, pero demasiado virtuosa la parte del medio a mi gusto, pierde un poco la esencia mística que generaba. Aún así consigue mezclarlo eficientemente con unas melodias y tonadas de lo más españolas.
Es curioso porque así como muchos estilos pasan de moda o "ya estan muy escuchados", parece que en ningún momento se ha dejado de hacer música impresionista. Esto asienta aún más la idea de que el impresionismo (así como el romanticismo que inició con Beethoven un siglo antes) más que un estilo, es una forma de hacer música, un principio estético que sienta las nuevas bases para el modernismo musical y que sigue a pie de cañón hoy en dia, con toda la evolución inherente a 120 o 130 años de historia. Así que por mis huevos morenos, esto queda clasificado dentro de impresionismo. A no ser que alguien esté en contra claro y me argumente por qué claro está.
------------------------------------------------------------------------
Ozymandias escribió:...The Seven Angels...
Is this un forero nuevo por estos lares? :o :o gracias por el post mi pana, me ha entrado el gusanillo de escucharme los dos álbumes de Metal Opera de los que hablas jeje.
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Aizen20 »

Que interesante, muchas gracias por este tipo de temas, que más que todo educan.
Cuando uno extraña un lugar, lo que realmente extraña es la época que corresponde a ese lugar; no se extrañan los sitios, sino los tiempos". Marcel Proust
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Oowada »

MC VIRGINS
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MC Vírgenes es un grupo de rap formado por 5 miembros: MC Profeta, MC Dios, MC Wasian, MC Kudge, y MC Gibby. Todo comenzó como una broma a principios de 2018, cuando lanzan su primer canción 'Minecraft Dios' y que nunca esperaba MC Vírgenes volar o ganancia de cualquier atención. Sin embargo, todo eso cambió cuando su más reciente éxito 'Ender la Polla' liberada, que llegaría a alcanzar más de 100.000 puntos de vista. Desde entonces, se han publicado un montón más pistas y han lanzado un puñado más éxitos incluyendo 'yo no puedo Dejar de lluvia dorada' y 'Gay Minecraft'.


Hola nena
Hola Nena quiero Saber
Tienes juegos en tu telefóno?
Por qué no vienes aquí conmigo?
No quiero jugar solo

Hey puta, dime cuál es
tu juego favorito

Juguemos a super smash
Seré Samus

O Juguemos a Legend of Zelda
Lo que sea mejor para ti
Podemos jugarlo

Juegos nuevos para
Mi Playstation

Que conseguí con MC Waisan
Bebé lo siento
No tengo Mario Bros

Pondremos Pokemon
Acabo de obtener a Lucario
Necesito un Audio

Solo necesito el sonido
de tu voz
No se cual elegir

Que tal si digo a la mierda
No necesitamos jugar
Solo quiero probar ese cuerpo

Puedo ser tu Sonic
Y podrías ser mi Amy Rose

Nena, quiero enseñarte
No quiero que te vayas
Pero antes de que tengas que irte
Quiero saber

Hola nena
Quiero saber, tienes juegos en tu teléfono
Por qué no vienes aquí conmigo
No quiero jugar solo
Última edición por Oowada el Lun Dic 14, 2020 7:21 pm, editado 1 vez en total.
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No hace falta valor para apretar un gatillo, pero sí para madrugar cada día y vivir de tu trabajo.
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Ozymandias »

[center]Seventh Son of a Seventh Son[/center]
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Autor: Iron Maiden
Año de creación: 1988
Género: Heavy Metal, Metal Progresivo

Iron Maiden
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Sinceramente, no creo que haga falta presentar a Iron Maiden, ya que estoy seguro de que aunque no sea fan, a todo el mundo le suenan un poco, pero aún así, allá vamos, para los despistados. Iron Maiden es una banda británica de Heavy Metal fundada en 1975. A pesar de contar con poco apoyo por parte de los medios de comunicación durante su carrera, ha llegado a vender más de 100 millones de discos y se ha convertido con el tiempo en una de las bandas de Metal más importantes de la historia.
Como curiosidad se puede mencionar una de sus controversias más famosas. Con el estreno de su tercer disco (The Number of the Beast) muchas organizaciones cristianas se sintieron ofendidas por las referencias satánicas que había en el disco, y compraron multitud de copias para quemarlas, y así evitar “Que esta música maligna corrompa las mentes de los jóvenes”.
La verdad es que la jugada no les salió muy bien, porque de la noche a la mañana todo el mundo hablaba de Iron Maiden, y las ventas de sus discos se multiplicaron. Así fue como, debido a esa gran controversia, dieron el salto definitivo a la fama. Lo que son las cosas. :lol:
A lo largo de los años han tenido varios miembros, pero los más importantes sin duda son el bajista Steve Harris, el guitarrista Dave Murray, y el vocalista Bruce Dickinson.
Seventh Son of a Seventh Son
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Seventh Son of a Seventh Son es su (casualmente) séptimo disco, y se trata de un disco conceptual. La verdad es que este disco me encanta, ya que tiene algo que me parece muy original: Todo el disco narra una sola historia, a lo largo de 8 canciones. A este sentimiento contribuye el que todas las canciones comiencen y acaben desvaneciéndose, ya que, si lo escuchas al completo, da la sensación de que estás escuchando una canción de algo más de 50 minutos, en lugar de ocho canciones cortas.
La historia que este disco narra es la de la vida del séptimo hijo de un séptimo hijo que nace con poderes psíquicos como la clarividencia o los poderes psíquicos. A lo largo del disco se nos va relatando toda su vida, a través de las canciones. Por ejemplo, se nos narra su nacimiento "Moonchild", el descubrimiento de sus poderes y su destino en "Can I Play with Madness" y su inminente muerte en "Only The Good Die Young".
Opinión personal
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Este disco me encanta, y con el tiempo, se ha convertido en uno de mis favoritos indiscutibles. Me parece un disco no sólo muy original, sino también de una calidad indiscutible, y un primer paso perfecto para aquellos que quieran empezar a escuchar a Iron Maiden, o simplemente Heavy Metal. 10/10. :ok:
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Ígor Stravinsky – Sinfonia de los Salmos
La “Symphonie des Psaumes” en francés (idioma predilecto de Stravinsky en aquel momento) es una Sinfonía Coral compuesta en 1930.
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¿QUÉ ES UNA SINFONÍA, REALMENTE?
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Las sinfonías es un tipo de composición musical para orquesta, pese a que actualmente las hay para grupos más reducidos de cambra. Básicamente, la sinfonía en el pasado representaba la forma musical más “grande y extensa”, sobre todo en cuanto a música instrumental se refiere (por supuesto, las óperas y ballets son incluso más grandes, pero combinan diversos artes escénicos y tampoco cumplen el mismo objetivo). En el romanticismo musical, la sinfonía probablemente alcanzó su auge, para su público eran auténticos viajes emocionales a través de la música, una experiencia de lo más trascendental. De hecho, la sinfonía alcanzó su madurez con Beethoven, instaurador del romanticismo musical y de una nueva forma de ver y hacer música que perdura actualmente, aunque ya me estoy saliendo del tema.

Las sinfonías era habitual que tuviesen 4 movimientos, cada uno con unos temas y estructuras diferentes, pero que tenían continuidad dentro del “viaje musical” que representaba la sinfonía en conjunto. Durante el siglo XX se puso más de moda que fuesen de 3 movimientos, como es el caso de esta sinfonía de Stravinsky.
El termino Sinfonía coral no es más que el nombre que tienen las sinfonías compuestas para orquesta y coro; en el caso de esta obra, el coro es totalmente protagonista.
¿QUIÉN ES ÍGOR STRAVINSKY?
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Este señor

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Como no quiero alargarme mucho con el post, intentaré resumir en unos breves puntos quien es Stravinsky:

-Nació en 1882 en el antiguo Imperio Ruso y murió en 1971, en Nueva York. Es uno de los músicos más trascendentales del Siglo XX, reinventó e innovó a niveles espectaculares la música académica.

-En 1910 viajó a Francia, donde estrenó su primer ballet, El Pájaro de Fuego, y compuso sus otros dos ballets, Petrushka (donde explora la bitonalidad) y La Consagración de la Primavera (donde explora la disonancia polifónica). Estas 3 obras son las más famosas, y con razón, son la hostia, sobre todo la Consagración de la Primavera. A partir de ahí fue viajando y viviendo en montón de ciudades europeas y estadounidenses: nunca fue capaz de regresar a Rusia debido a que para ello debía someterse a un régimen que coartaba totalmente su libertad artística (ya sabéis, lo típico de demonizar y perseguir ciertas vertientes artísticas propio de las dictaduras). Otros compositores, como Prokofiev, sí que fue capaz de (o más bien, necesitó) regresar a la URSS y hacer la música que dejaba hacerse allí, la cual por supuesto, no era para nada mala, al contrario.

Regresando a la carrera musical de Stravinsky es larga y llena de sorpresas. Se divide en 3 períodos estilísticos (se reinventa dos veces), los cuales explicaré un poco y así conocemos algunas de las vertientes estilísticas del siglo XX:

-Período “ruso” o Primitivista (1910-1920): estrenado por los 3 ballets mencionados arriba. El primitivismo es un movimiento vanguardista de principios del siglo XX que se basa estilísticamente, en cuanto a música se refiere, en evocar al pasado, normalmente salvaje, caótico y mitológico.

-Período Neoclásico, que atañe a esta obra (1920-1951). De hecho, se considera a Stravinsky el padre del Neoclasicimo, este “empieza” oficialmente cuando compone el ballet Pulcinella, en 1920 y se considera que el movimiento tiene su auge en el período de entreguerras (1918-1945 para los despistados). El Neoclasicismo supone una reinvención para Stravinsky, él mismo dijo que se había encontrado a él mismo espiritualmente cuando compuso Pulcinella. El Neoclasicismo musical, estilísticamente hablando, es una vuelta atrás, vuelve a coger los elementos formales y contrapuntísticos de la música barroca y clasicista y lo mezcla con armonías disonantes y más experimentales de la época, pero siempre con cierta moderación y cierto recorrido lógico. Es una vuelta a Bach y Mozart, se les vuelve a tener como referentes sobre los cuales volver a crear. En el caso de esta obra, por su carácter religioso, mama más del estilo barroco y de Bach, sobretodo.

-Período Serialista (1951-1971): tras la Segunda Guerra Mundial y con un Stravinsky ya anciano, su espíritu y con él su estilo, se rompe. Busca nuevas formas de expresarse. Para muchos artistas, la segunda guerra mundial fue una destrucción tal de la humanidad y su cultura que necesitan crear un nuevo lenguaje, la nueva forma, totalmente destructiva y pesimista de ver el mundo, se ve reflejada en sus obras (de hecho, la Segunda Guerra Mundial en muchos casos se considera el punto de inflexión, el cambio de época musical a la actual: del modernismo al posmodernismo). Stravinsky es uno de ellos y se rige bajo el principio serial, que no me extenderé en explicarlo ahora, pero que deriva del dodecafonismo que inventó Schoenberg y que es el padre de los estilos más contemporáneos que buscan los límites expresivos de la música en todos sus aspectos.
SYMPHONIE DES PSAUMES
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Como he dicho al principio, es una obra compuesta en 1930, dentro del estilo neoclásico y es una sinfonía de 3 movimientos. El nombre de la obra se debe a que la obra usa los textos (sin traducir, directamente en latín) del Libro de los Salmos (poesía religiosa hebrea que forma parte del Tanaj judío y del Antiguo Testamento). Stravinsky afirmó que no es una sinfonía que incluya salmos, sino que es el canto de los Salmos lo que convierte en sinfonía.

En la obra abunda el número 3, pues es una sinfonía de 3 movimientos y el primer movimiento dura 3 minutos, el segundo 6 y el tercero 12, probablemente relacionado con el valor religioso que tiene el número 3, la trinidad, la perfección, esas cosas. Además, Stravinsky dijo sobre la composición de la obra, que la raíz de toda la sinfonía es la secuencia de dos terceras menores seguidas de una tercera mayor (hablamos de intervalos entre notas musicales, forma parte del análisis y teoría musical).

Cada uno de los movimientos de la sinfonía está dedicado a una de las virtudes teologales. El primer movimiento representa la caridad, el segundo la esperanza y el tercero la fe.

En la obra, muchos fragmentos están escritos con técnicas de composición renacentistas y barrocas, abunda sobretodo el contrapunto fugado. Estas técnicas, esta forma de hacer música es la que se usaba en las iglesias, misas, en cualquier acto litúrgico básicamente, de aquellas épocas. Cabe destacar que hasta el siglo XVIII, la música académica occidental estaba totalmente integrada en el ámbito religioso, de hecho eran los curas y otros personajes eclesiásticos los que componían música escrita, y los que la enseñaban (por supuesto se hacia mucha más música profana, pero al no quedar escrita en ningún sitio es aún más difícil de reconstruir), convirtiéndose en los padres de la forma de hacer música de occidente.

En definitiva, esta sinfonía combina estilos musicales contrapuntísticos típicos de la música litúrgica del Renacimiento y Barroco con instrumentación, sonoridad y muchas disonancias de los estilos que nacieron durante el siglo XX, haciéndola una obra muy interesante de escuchar, más con lo épicos que suenan los coros.
Que dolor a los ojos el amarillo chillón este que he puesto, pero ahí se queda.
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By Rockcorn
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