Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

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Wholeon
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Ayer terminé Brujerías, de Mundodisco, y me hizo ilusión que mencionara a Mussorgsky. Pongo el pasaje:
Las brujas se sentaron en silencio cauteloso. Aquél no iba a ser uno de los cien aquelarres más emocionantes de todos los tiempos. Si Mussorgsky las hubiera visto, su noche en el monte pelado habría acabado a la hora del té
Efectivamente, esta obra, que ya la conocía ¡y tan conocía! por Fantasía de Disney (pese a que ojo, ahí la empalman con otra obra), va de aquelarres y brujerías y cosas malignas.

Mussorgsky: Una noche de san Juan en el Monte Pelado

ESCUELAS NACIONALES

Como siempre, os intentaré contextualizar a modo de tochacos, que sean más o menos amenos, la obra. Durante los períodos barroco y clásico, la música tiene un estilo que no se limita a un solo país; estilos y formas, de origen europeo, son internacionales. Pero en pleno romanticismo musical, durante la segunda mitad del siglo XIX, tenemos a compositores que empiezan a sentir-se muy muy patriotas. Hablo de las Escuelas Nacionales, donde los músicos utilizan sus composiciones a modo de expresión del sentimiento nacional. Para ello, introducen y mezclan la música folclórica de sus países en sus obras, teniendo pues, cada nación, su propio estilo.
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Pero esto no viene porque sí. Como muchos sabréis, el siglo XIX se caracteriza precisamente por eso: pueblos que reclaman su unión debido a una lengua común, ya sea Italia o Alemania, y pueblos que todo lo contrario, estaban gobernados por un país “extranjero” y deseaban su autonomía e independencia. Y es que no se puede comprender la historia de la música sin comprender nuestra historia; la música, como cualquier otro arte, siempre ha sido un reflejo de los pensamientos, reclamos y politiqueo de la gente de su época. Hoy en día reclamamos que Carla nos muestre y por ello movemos el booty al son del reggaetón eonoe.
ESCUELA NACIONAL RUSA y “LOS CINCO”

El otro día os hablé del impresionismo, que podría tildarse también de escuela francesa. Entre las escuelas nacionales, la rusa ha sido de las más importantes. El cambio en este país fue catalizado por Mikhail Glinka, que en su obra introdujo las músicas folclóricas que le gustaban en su niñez.

Durante los siglos anteriores, Rusia no tuvo más que música tradicional y folclórica, y “la gran música” se importaba desde Europa. Con lo rusa que es Rusia, no podía ser siempre así, por favor. Llegó ese momento en que dejaron de imitar a los conservatorios europeos y empezaron a ser molones de verdad.

El foco principal dentro de la Escuela Rusa lo ponemos en el grupo de Los 5, que no son los personajillos de los libros de Enid Blyton, sino 5 compositores (Mili Balákirev, César Cuí, Modest Mussorgsky, Nikolái Rimsi-Kórsakov y Aleksandr Borodín) que se reunieron y agruparon en San Petersburgo entre los años 1856-1870 para darse apoyo moral y hacer cosas rusas juntos.

MODEST MUSSORGSKY

Parece que para este post he elegido a un personaje bastante curioso. Del libro en el que estoy sacando las ideas principales que escribo, explica que tuvo un temperamento muy nervioso, fue alcohólico severo, tuvo una vida desordenada y una muerte prematura (vivió unos 50 años). Su música, además, era la menos sofisticada el grupo de los 5, dado que no tuvo una educación musical extraordinaria. Muchas de sus obras las tenía inacabadas y sus colegas del círculos se las terminaron, una vez muerto, o les revisaban la orquestación, dado que a veces era un salvaje en el mal sentido.

Nació en Karevo, una aldea rusa, en 1839. Su padre era terrateniente y su madre una gran pianista (de la cual aprendió durante sus primeros años). ¿Pero por qué se decantó primero? Efectivamente, a los 13 años ingresó en una academia militar de oficiales de la Guardia Imperial Rusa. A los 19 años se cansó de hacer de militar ruso y empezó a dedicarse enteramente a la música (curiosamente, también compuso mientras estaba en la academia militar). A finales de los años 50, entró en el círculo de los 5, un poco por enchufismo por parte de César Cuí.

Ivanova noch' na Lisoy goreUna noche de san Juan en el Monte Pelado

Pues bien, entremos ya en la obra en sí.



FORMA MUSICAL: POEMA SINFÓNICO

Veamos que dice Wikipedia:
Un poema sinfónico es una obra de origen extra musical, de carácter poético literario, cuya finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones, o describir una escena mediante la música. Generalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El poema sinfónico es una guía para el desarrollo de la forma musical como tal en términos técnicos.
Esta forma es una de mis favoritas, y al fin y al cabo, si algún día me dedico plenamente a la música, es la que más usaría; la encuentro la más libre y narrativa. El poema sinfónico no es más que contar algo a través de la música, una historia, unas sensaciones; música que vale por sí misma y tiene un hilo conductor.

El término fue aplicado por primera vez por Franz Liszt (húngaro). Curioso que sea “el virtuoso”, perteneciente al dúo dinamita del romanticisimo, el que creara este tipo de forma.

IDEA E INSPIRACIÓN

Pues más o menos lo he explicado al principio del post, pero profundicemos en ello.

El poema está inspirado por un cuento de Nikolái Gógol (cuantos Nikoláis hay un Rusia), en que un campesino de un poblado amenazado por las brujas, presencia un aquelarre en el Monte Pelado, cerca de Kiev, en la noche de San Juan (o la noche de Walpurgis).

La idea original de Mussorgsky era hacer una ópera que que tuviese como libreto el cuento, pero al final no pudo llevarlo a cabo. Wikipedia nos da una información muy interesante:
Mussorgsky encabezó la partitura con unas frases de su puño y letra, que desde un principio ayudaron a comprender mejor la atmósfera fantástica de la obra:
  • Rumores subterráneos de voces sobrenaturales
    Aparición de los espíritus de las tinieblas y de Chernabog (Satanás)
    Glorificación de Chernabog y misa negra
    Aquelarre de brujas
    A lo lejos suena la campana de una iglesia del pueblo, dispersando a los espíritus de las tinieblas
    Amanecer
Después de la muerte de Mussorgsky, su amigo y compañero Nikolái Rimski-Kórsakov orquestó y arregló esta extraordinaria obra, tan llena de intenso colorido y fuerza que la han hecho muy popular en los conciertos.
Este poema fue usado por Fantasía en 1940, y plasmó tal cual lo que quería mostrar Mussorsky:


A su vez, en la saga de videojuegos Kingdom Hearts (en el primero y el dream drop distance creo que reaparece, en el mundo de fantasía) sale Chernabog como boss, algunos lo recordaréis, con su OST también, que es un fragmento de la propia obra:

Estas cosas hacia que KH molara.

ESTRUCTURA Y MUSICALIDAD

Como voy escaso de tiempo y he encontrado un blog (tono menor que me ha encantado como lo explica, me tomo la libertad de poneros los fragmentos en que explica las diferentes partes de la obra. Eso sí, os pongo el minutaje según el primer video de youtube que os he puesto.
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Rumores subterráneos de voces sobrenaturales (00:00 – 01:26)
La música se inicia con el aterrador ostinato de las cuerdas y los pasos agitados del chelo en los graves. Reforzando todo el carácter tétrico las flautas y oboes surgen con glissandos ascendentes y descendentes como gritos en la noche. Son los rumores que llegan desde las profundidades de la Montaña Calva. Entonces, tras un febril stacatto de las cuerdas surge la voz dominante y tema central de la obra, el canto sobrenatural de invocación de Chernobog traído por los fagotes, trombones, tubas y trompetas cual grotesca fanfarria. Tras la llamada de Chernobog que concluye con dos autoritarios golpes orquestales, la orquesta comienza su desintegración para volver a iniciar la primera sección.
Aparición de los espíritus de la oscuridad seguidos por el Chernobog (01:27 – 01:57)
Un tema juguetón y de clara inspiración rusa dibujo a los espíritus que comienzan a congregarse en la montaña. El tema de los espíritus se dibujará en distintos planos siendo interpretado tanto por el tutti orquestal como por diferentes secciones y adquiriendo distintos tonos, algunos frenéticos y otros más dulcificados resumiendo el carácter heterogéneo de los espíritus que marcha al Monte Pelado. La sección concluye con una majestuosa fanfarria que sirve para de la bienvenida a Chernobog.
Glorificación de Chernobog y Misa Oscura
Esta parte es el desarrollo propiamente dicho. Os pongo el minutaje según mi impresión subjetiva de lo que es cada fragmento:
Glorificación (01:57 – 02:32)
Fanfarria juguetona + tutti orquestal (02:33 - 03:14)
Misa Negra (03:15 – 04:35)
En la tercera sección nos encontramos el tema de la Glorificación como motivo conductor que se introduce desde los graves del viento. El tema crece con una gran crescendo por adición (se van uniendo progresivamente nuevos instrumentos) hasta estallar en jubiloso tutti orquestal. Este tema es interrumpido por una fanfarria juguetona y majestuosa que exalta la alegría de las brujas por la presencia de Chernonog en su aquelarre. Tras esto se inicia un nuevo tema pausado y solemne, la Misa Negra que se pierde casi en un murmullo para reiniciarse la sección con el tema de la Glorificación. En esta segunda vuelta los temas se deforman y desarrollan adquiriendo un cariz más agresivo. Las brujas están alcanzando el éxtasis en su misa.
Reinicio y deformación de la Glorificación + Sabbath (04:36 – 07:36)
Sabbath (No sé bien bien a partir de cuando se da el Sabbath, así que lo he incluido en el apartado anterior)
La parte que hace referencia al Sabbath funciona como "falso" desarrollo de la obra. Aquí podemos ver una recapitulación de los temas ya usados con anterioridad con nuevos desarrollos y combinaciones.
En el punto álgido del sabbath, a lo lejos comienza a escucharse la campana de la iglesia del pueblo (07:37 – 09:58)
Tañen las campanas, comienza a amanecer y los espíritus comienzan a dispersarse. El tema de la Glorificación pierde toda su fuerza y se convierte en una variación aquejada conducida en todo momento por las cuerdas. Los arpegios del arpa dulcifican la escena que con los primeros rayos de sol ha perdido toda su tenebrosidad.
Amanecer (09:59 – 11:55)
De nuevo la flauta, como ocurriría con "La Mañana" de Grieg, sirve, con su solo, de anuncio del amanecer y el comienzo de un nuevo día. La obra concluye con un mágico y tenue Re Mayor.
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Jose Berserker
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Mensaje por Jose Berserker »

Queens of the Stone Age - Songs for the Deaf

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Año: 2002

Géneros: Rock alternativo, hard rock, stoner rock, post-grunge

Duración: 60:53

Veréis, cuando uno se acostumbra a escuchar álbumes llega un punto en el que puede identificarlos de varias maneras según el impacto que generen en ti a lo largo del tiempo: están los que golpean fuerte desde la primera escucha, los que precisan de varias para disfrutarlos en su plenitud, los que tristemente pierden impacto conforme más los vas escuchando... sin embargo, hay otra clase de álbumes: los que necesitan un tiempo de reflexión para comprender lo que los hace grandes. El álbum del que hablaré hoy pertenece a esta última clase, supone un álbum especial para mí por mi relación con él: una de odio-amor (que no amor-odio).

La primera vez que escuché Songs for the Deaf de QotSA lo hice más por obligación que otra cosa, estaba muy bien puntuado en páginas como RateYourMusic o Besteveralbums y la crítica lo consideraba uno de los grandes álbumes de rock de la década de los 2000, no había realmente ningún motivo de suficiente peso como para querer escucharlo insistentemente. Sí, había escuchado No One Knows con anterioridad (canción más exitosa del grupo y que está presente en este álbum), pero no me decía nada especial. El resultado de mi escucha fue desastroso: el disco me resultó excesivamente cargante e irritante, al punto de considerarlo uno de los álbumes más insufribles que había tenido la desgracia de escuchar. Quizá el hecho de que lo escuchase con una calidad casi de gramófono tenga mucho que ver con el tema en aquel entonces. En fin, esta opinión continuó así hasta que un día en verano, aburrido y sin que me apeteciese mucho escucharme nada nuevo, decidí darle una segunda oportunidad a este disco. Marcad mis palabras: la mejor decisión que he tomado a la hora de reescuchar un álbum en el tiempo que llevo escuchando música como principal hobby. Evidentemente y como he dicho en el primer párrafo, han habido muchos álbumes que en la primera escucha no me han gustado o me han resultado mediocres, pero que conforme más los he ido consumiendo me han resultado cada vez más y más sencillos de digerir hasta el punto de acabar convirtiéndose en favoritos personales. Sin embargo, lo de este álbum es particular porque pasó de, y me tomo la licencia de parafrasearme, "uno de los álbumes más insufribles que había tenido la desgracia de escuchar" a convertirse en uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos.

La pregunta es: ¿Por qué? ¿Qué tiene este álbum que lo hace una obra maestra?. En fin, creo que el álbum tiene bastantes méritos, tanto por la música que hay en él (por ser un álbum de guitarreo de una hora que no baja en ningún momento ni deja de sorprender ni de ser original y divertido), como en el contexto temporal (eran los 2000 joder, el rock de guitarras estaba muriendo a velocidad vertiginosa y los reductos que aún resistían eran las bandas de garage/indie como los Arctic Monkeys, White Stripes, Strokes...). También puedo hablar de su original sonido, producto del cruce de creatividad de la gente que trabajó en él: por un lado Josh Homme y Nick Oliveri, miembros de la entonces ya difunta banda de stoner metal Kyuss, que aportaron ese sonido desértico, apocalíptico, sucio y duro, muchas veces cercano incluso al heavy metal; y por otro Dave Grohl y Mark Lannegan, antiguos miembros de Nirvana y Screaming Trees respectivamente, que aportaron la herencia del grunge y del rock alternativo; generando una mezcla hard rockera, stoner y alternativa que no se parecía en nada a nada de la época.

Sin embargo creo que lo más brillante de este disco no es tanto la música en sí (que también) como el concepto que sigue y el modo en que lo hace: hablamos de un álbum conceptual que emula un viaje de carretera por el desierto, muy yanqui todo. Así a simple vista pues oye, no parece excesivamente llamativo; la genialidad, sin embargo, reside en cómo plasma y recrea este concepto. QotSA tuvieron la brillante idea de incluir segmentos de grabaciones radiofónicas de elaboración propia entre canciones y otros elementos diegéticos como el sonido del maletero y las puertas del coche cerrándose al principio del disco, el personaje principal sintonizando la emisora, cambiando la cadena... en fin, decidieron hacer uso de la metanarrativa para conceptualizar su álbum. Pero lo más interesante llega cuando se aprecia que, en base a esta narrativa establecida al principio del disco y a los segmentos radiofónicos entre canciones, las canciones que están sonando en el álbum son las que están reproduciéndose en la radio durante el viaje del protagonista, jugando ya no sólo con el concepto de "álbum de singles" (que es precisamente lo que el álbum parece en un principio) al relacionarlo con las estaciones de radio (donde estos singles son reproducidos) sino también con el hecho de que todo el álbum es tan bueno que se podría reproducir entero en las emisoras de radio. Es jactancioso, macarra, original y, en definitiva, brillante, tal y como suena el disco. Es, hasta la fecha, el único álbum que he tenido el placer de escuchar que hace uso de la metanarrativa (bueno, a excepción de, discutiblemente, otro álbum del que me gustaría hablar más adelante) y lo hace de forma completamente genial.

En conclusión, si te gustan los álbumes de guitarreo y quieres algo carismático, memorable, divertido y con un sonido absurdamente original, entonces Songs for the Deaf es el álbum perfecto para escuchar. Clásico absoluto y uno de los mejores de la década de los 2000 sin duda alguna.

EDIT: por cierto, se me ha olvidado comentar una cosilla del disco y es el nombre del mismo. El álbum se llama Songs for the Deaf (Canciones para los Sordos en castellano, vaya) en referencia al viaje de carretera que simula el disco, en el que el aire se llena del sonido del motor del coche y de las canciones que componen el álbum, cañeras y desenfrenadas. En adición, muchos de los riffs del disco emulan ese ruido motorizado y mecánico, a la vez que apela a escuchar el álbum a un volumen muy alto y sin olvidar con lo que juega el concepto que sigue: un batiburrillo de singles vertiginosos y llenos de energía. Como veis, a pesar de ser un álbum tan estereotipadamente macarra y yankee, todos y cada uno de los detalles que lo componen están cuidados y refinados al milímetro en pos de una experiencia lo más perfecta posible.

Mejor canción: A Song for the Dead

Nota final: 10/10
Última edición por Jose Berserker el Dom Ago 30, 2020 4:00 pm, editado 1 vez en total.
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theoryman escribió: haya vamos niuuun niuuun(sonido de coches de fórmula 1)
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Hablando con algunos foreros y haciéndoles spam de mi tema, me han comentado que para nada les resulta abordables mis tochoposts, que no entienden ni la primera palabra (a otros en cambio les resulta interesante, les mola y se van leyendo los tochos). He de decir que este tema, o más bien mis reviews/ensayos, como lo queráis llamar, son un intento de acercar toda esa música a todo el mundo; pero por consiguiente, para poder seguir los tochos, ese “todo el mundo” ha de querer acercarse a esa música, tener la iniciativa y querer aprender.

El primer objetivo de mis posts és aprender y mejorar yo, profundizar en toda esa música y descubrir su históra. El segundo es compartir todo ese conocimiento y entusiasmo con los demás, son para aprender y descubrir; y para seguirlos hay que querer hacerlo (obviando el hecho de que yo me explicaré mejor o peor o lo haré más divertido o aburrido).

Dicho esto, para aquellos que quieran realizar ese acercamiento, he pensado dedicar este post a hacer un esquema de la “música académica”, sus épocas y estilos principales, y decir un poco lo importante de cada una. Con un esquema en la cabeza, es más fácil ubicar y entender las obras concretas de cada época.

GRAN ESQUEMA DE LA MÚSICA ACADÉMICA


MÚSICA ANTIGUA
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Es un ámbito que ni me interesa ni domino por ahora

GRECIA (s.V – IV aC)
Se escriben los primeros tratados musicales y se considera de origen divino. Poca cosa más sé xd

EDAD MEDIA (s.V – XV)

Música vocal (cantan y ya, no hay instrumentos prácticamente). Solo decir que tiene sus dos vertientes, que coinciden con los legendarios mesteres de clerecía y juglaría que nos enseñaban en el colegio:
Música religiosa: Cantos Gregorianos, que son monodias (una sola melodía a la vez sin acompañamiento de ningún tipo) y alguna cosilla de polifonía (diversas melodías a la vez, todas de igual importancia que se van complementando).
Música profana (s.XI – XV), canciones folklóricas de trovadores y juglares, solían ser melodías acompañadas por algún instrumento.

RENACIMIENTO (s. XV – XVI)

Se vuelve a los modelos clásicos de la antigüedad, de hecho se hace uso de los Modos Musicales como base para construir las melodias. En la música vocal religiosa se continua desarrollando la polifonía, en la profana también.

Nace la música instrumental, se adaptan obras vocales a instrumentos y música para danzar.
Jmena escribió:Y podríamos añadir la Música tradicional como la evolución de la música Antigua, que adaptándose a los contextos sociales de las épocas ,reflejaban la sociedad...Como cúspide de toda la música xD

MÚSICA “CLÁSICA”

BARROCO (s.XVII – mitad del s.XVIII)
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Abarca desde el nacimiento de la ópera en el 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750. La música instrumental (dominio de la polifonía) se sobrepone a la vocal. El objetivo principal de esta vertiente es acercarse a Dios con la música, de hecho, mucha de esta música al oírla nos suena celestial.

También se establece el sistema de tonalidades e intervalos que se usa hasta la actualidad, de la mano de Bach. Antes de él, había batiburrillo de sistemas armónicos y Bach demuestra con el Clavier bien temperado que un sistema en que mantiene la equidistancia entre todos los cromatismos (misma distancia sonora entre Do-Do#-Re-Re# etc) se puede hacer todo tipo de música (cosa que hoy en dia ya empieza a cuestionarse).

También cabe destacar que hasta ahora, la música académica, la que se escribía en partituras y similares, se enseñaba en el ámbito religioso, de hecho esta música se hacia para los actos litúrgicos. Esto cambia en el siglo XVIII con el clasicismo, en que la música académica se ubica y evoluciona en las cortes y tener un buen compositor en ella era indicador de éxito y modernidad dentro de ella.

Formas musicales del Barroco:
-Vocales: Ópera, Oratorio, Cantata, Motete
-Instrumentales: Preludio, Tocata, Fantasía, Fuga, Sonata, Concierto, Suite. Aclarar que es cuando nacen las formas, muchas de ellas se siguen usando hoy en día.

Compositores destacados: Monteverdi, Vivaldi, Bach, Händel.
CLASICISMO (s.XVIII)
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Entre 1750 y 1820, coincide con el período cultural “Neoclasicismo”, no confundirse con el Neoclasicismo musical del siglo XX.

SUBESTILO Preclasicismo Empieza a sobreponerse el modelo de melodía acompañada sobre la polifonía (es decir, en música pasa a haber múltiples melodías sonando a la vez de importancia equivalente a haber una única melodía acompañada del resto).

Compositores destacados: Johann Christian Bach y otros hijos de Bach.

En el Clasicismo propiamente dicho se da una simplificación inmensa de la música. Partiendo del sistema armónico de Bach, empiezan a usarse acordes muy simples y enlaces aún más simples (aunque no tanto como en la música comercial de hoy en dia jeje), y se da más importancia a transmitir emociones que al significado religioso. Aunque esas emociones suelen ser bastante "simples" aún, dada la poca complejidad de las armonías. Dicho sea de paso, el Clasicismo simplifica la música que se hacia en el Barroco y reinicia, por decirlo de alguna manera, la forma teórica de hacer música, y este reinicio es el que ha ido evolucionando hasta la actualidad.

Ah, también se crea el piano, que permite mucha más libertad interpretativa. Hasta entonces había clavieres y clavicémbalos entre otros, que no permitía “tocar más fuerte o más flojo”. El piano, originalmente se llamaba pianoforte, traducido del italiano “flojofuerte”.

Formas musicales del Clasicismo: Sonata para solista (o solista acompañado de piano), Trío, Cuarteto, Quinteto (algunos se fijan para conjuntos de instrumentos concretos, como cuartetos o quintetos de cuerda o quintetos de viento), Serenata, Concierto para solista y Orquestra, Sinfonía. Destacar la forma Sonata, estructuralmente hablando.

Compositores destacados: Haydn, Mozart, Beethoven
Destacar que Beethoven acompleja la música y vuelve la armonía más flexible y elaborada, siendo el principal responsable del paso hacia el Romanticismo. Así como el clasicismo fue un reinicio en la teoria musical, Beethoven supuso un reinicio en su concepción social.
ROMANTICISMO (s.XIX)
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Entre 1810 y 1910 aprox, coincide con el Romanticismo del resto de artes. En el romanticismo, la realidad se capta mediante la emoción, el sentimiento y la intuición; aparten que aquí empieza la deep shit. La música deja de ser para las cortes y los nobles, y gracias a cierta internacionalización, empiezan a darse a conocer los músicos más virtuosos por todas partes: Liszt y Chopin tenían legiones de fans por toda Europa, y la música “culta” se convierte en una forma de divertimiento para casi todo el mundo.

Formas musicales del Romanticismo: Poema sinfónico, Sinfonía programática, Lied

Compositores destacados: Chopin, Paganini, Schubert, Brahms (este último un romántico más clasicón, es heredero directo de Beethoven)

Los “revolucionarios”: Wagner se denominava a si mismo revolucionario y tenía constantes problemas con sus prestamistas y con las autoridades; creó su propio círculo de músicos con ideas parecidas, entre ellos Liszt (Virtuosismo). Ambos eran el dúo dinamita del romanticismo, vivieron la vida como nadie, hicieron el capullo y todas las herejías que les fuera posible. Tuvieron como 78928672350 esposas (de hecho Wagner llegó a casarse con la hija de Liszt si no recuerdo mal) y se chutaban todo tipo de sustancias. Vamos, que tenían la vidorra del éxito subida a la cabeza. Liszt al final de su vida temía muchísimo irse al infierno y se hizo cura, un cachondo. Wagner no, siguió siendo Wagner hasta el final.

Nacionalismo (Escuelas nacionales) (hablo de ellas en este post) formaría parte del romanticismo tardío, en que se realza el sentimiento nacional y se mezclan melodías y armonías folklóricas con las grandes formas. También busca los límites de la tonalidad. Compositores:
  • Nacionalismo ruso: Mussorgsky, Tchaikovsky
    Nacionalismo checo: Dvorak
    Nacionalismo noruego: Grieg
    Nacionalismo finlandés: Sibelius
    Nacionalismo español: Albéniz, Granados

MÚSICA CONTEMPORÁNEA (s.XX – XXI)


Post-Romanticismo (1870 - 1950)
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Se refiere básicamente a músicos desfasados, que llegaban tarde al romanticismo, pero seguían componiendo como románticos. Por supuesto, también incluían armonías más contemporáneas.

Compositores destacados: Mahler, Richard Strauss, Rachmaninoff
IMPRESIONISMO (1875-1825)
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Uso de escalas modales (música modal, bastante al límite de la tonalidad), énfasis en el timbre y en crear mundos sonoros, crear una imagen con la música.

Compositores destacados: Saint-Säens, Ravel, Debussy
MODERNISMO (1910 – 1975)
Entramos en el maravilloso mundo de las vanguardias!
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Voy a mencionarlas y poco más, que tiene tralla para rato el asunto, y obviaré las que menos me molen.

Futurismo (nace en 1910) pretende romper con las convenciones y hacer música a partir de cualquier tipo de sonido, incluidos sonidos de la naturaleza. Además intenta plasmar la máquina y el movimiento. Russolo es el principal compositor. Antecede a la Música Concreta (1929), en que gracias a la capacidad de registrar sonidos que empiezan a tener ciertos aparatos.

Atonalismo, que ya tenia antecedentes en el romanticismo de la mano de Liszt, es un poco la culminación de la búsqueda de los límites de la tonalidad que ya venía dada por el impresionismo y otros estilos nacionales; al final, se empieza a hacer música atonal. Schönberg fue de los primeros en tener un repertorio amplio en este campo, y Skriabin tenia un estilo intermedio entre Impresionista y atonal.

En 1918 se define el Expresionismo, que busca eliminar todos los elementos convencionales de la música tradicional, todo lo que es rígido, y se basa en el ideal literario del grito. Distorsiona la armonía y busca un elevado contraste de texturas y melodías.

Es lo antecesor al Dodecafonismo (1923), de la mano del mismo Schönberg, literalmente dice música de 12 sonidos. Los 12 sonidos cromáticos de la escala son tratados con equivalencia (Do, Reb, Re, Mib, Mi, Fa, Solb, Sol, Lab, La, Sib, Si) sin jerarquías tonales ni historias.

El dodecafonismo radical, llamado Serialismo, te obliga a usar los 11 sonidos restantes antes de repetir el primero, además de todos los ordenes establecidos en el uso de estos, cada uno debía durar un tiempo distinto y tener una intensidad distinta. No sé como, pero conseguían hacer música con ello. Se aburrían mucho y se ponían normas así de random; bienvenidos a las vanguardias xddd.

Primitivismo (nace en 1910 aprox) es una combinación max mix de música folklórica, elevado uso de percusión y timbres extraños, escalas modales, politonalismo (más de una tonalidad a la vez) y atonalidad que busca reflejar, como su nombre indica, lo primitivo y lo salvaje. Destacar al gran Stravinsky y a Bartók.

Neoclasicismo, movimiento que retoma las formas tradicionales en cuanto a armonía, timbres, estructuras, etc., pero lo mezcla con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados. Nace como respuesta a la primera guerra mundial, aludiendo a que los radicalismos les habían llevado a las trincheras. Están los que siguieron esta vertiente de forma natural, como los mismos Stravinsky y Bartók, y los que la siguieron porque sino les pegaban un tiro: como Prokofiev y Schostákovich, que estaban bajo el yugo de la unión soviética. Pero compañeros no me vengáis con putos rusos, que los nazis hicieron lo mismo.

Destacar finalmente que a Prokofiev le molaba más componer obras disonantes y virtuosas (rozando la atonalidad), y que como curiosidad, murió el mismo día que Stalin en 1953 (Stalin le adoraba, Prokofiev a él no tanto) por causas inciertas que se atribuyen a un derrame cerebral. Hmmm…
Y nada chavales, luego tenemos un batiburrillo inmneso, debido a las influencias del blues y el jazz, de la música popular y todas las historias. No creo que haga falta extenderse más para tener esta idea global de la música culta, más cuando a partir de la segunda mitad del siglo XX empieza a hacerse un hueco en las obras cinematográficas. Venga no se mus quejéis que ha sido cortito esta vez.
Última edición por Wholeon el Mié Dic 16, 2020 2:37 pm, editado 3 veces en total.
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Mensaje por Rockorn »

:joint: ¡¡¡Al trombón!!!
PRELUDIO
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  • Artista: Tropical Fuck Storm + The Drones
  • Género: Punk (Art Punk, New Wave, Alternative Rock)
  • Período: 2002 - 2016 // 2017 - actualidad
Hace unas semanas descubrí este grupo y me llamó la atención por sus exquisitamente extravagantes composiciones. Casualmente estaba empezando a investigarlo cuando el amigo Wholeon montó este tema, por lo que empecé a tomármelo un poco más en serio con el objeto de luego publicarlo aquí. Hoy os traigo los resultados de mi trabajo, aderezados con impresiones personales, con un post estructurado de una manera algo distinta a cómo está planteado el tema, la única estructura que podía darle para ofrecer una imagen de conjunto lo suficientemente fidedigna que representase, y tratase de explicar, lo que cojones sea que estáis escuchando ahora mismo.

No es cosa de un solo disco, ni siquiera de los dos que hasta ahora ha publicado Tropical Fuck Storm (TFS). Al igual que las maravillosas portadas de sus discos aciertan a simbolizar —diseñadas por el artista canadiense Joe Becker— el sonido de TFS es puramente ecléctico, esto es, una compleja adición de géneros y estilos. De dónde sale ese experimental y alienígena sonido, cuáles son los sumandos que construyen el total, eso es lo que voy a tratar de responder con mi aporte.

No voy a seguir un análisis muy minucioso —como sí se pudiera abordar un tema de música clásica—, sencillamente porque el proceso creativo que ha dado forma al grupo que os traigo es demasiado difuso como para estructurarse de manera alguna. No, el único orden que he podido seguir ha sido el cronológico, desde los inicios de la banda precursora de TFS, The Drones, hasta la actualidad. Y aún con esas, ya os aviso que si os escucháis toda su discografía —cosa que por cierto recomiendo, pues vale la pena— encontraréis continuamente saltos atrás y adelante en el tiempo, adivinando en los primeros discos la experimentación que les esperaba en el futuro, y volviendo a sus raíces en algunos temas de los álbumes más recientes.

Una cosa más antes de comenzar mi homenaje: os adelanto que, pese a que ninguno de sus integrantes se hiciera músico con el propósito de hacer arte, Tropical Fuck Storm es, ante todo, Art Punk.
Origen
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Primer sumando de la ecuación: ácido, cerveza y marihuana. En los años 90.

Perth, ciudad en la costa este de Australia con más de 1 millón de habitantes… pero literalmente en el culo del mundo. Unos pipiolos de 18 años empiezan a reunirse en 1993 para tocar la guitarra y escuchar todo tipo de música, desde el hardrock más duro hasta Stravinsky. Son Gareth Liddiard y Rui Pereira, que tras terminar el instituto se van a un piso compartido, cada uno se busca un trabajo, y al salir del trabajo por las tardes regresan al piso a fumar, drogarse, emborracharse y, sobre todo, trastear con sus grabadoras.

Tienen todo tipo de aparatos: sintetizadores, órganos Hammond, baterías, cachivaches para meter efectos de sonido raros… A nadie le importaban una mierda esos trastos en aquella época, y menos en Perth, por eso se podían permitir contar con aparatos que hoy en día cuestan una millonada. Básicamente se dedicaban al sano pasatiempo de meterle una ruidosa BSO a sus frecuentes sesiones de vapeo. Y sí, cada dos por tres sus vecinos les mandaban a tomar por culo y llamaban a las autoridades para que se largasen a otra parte.

Así estuvieron hasta 1997-98, momento en que se fundó The Drones. Si queréis echarle una escuchada a lo que tocaban por aquellos primeros años, os dejo link a ésta web donde se recogen demos de todos los temas de Bong Odyssey: Gareth Liddiard & Rui Pereira – Recordings 1993-98, un álbum recopilatorio del mejor ruido de aquella época, bastante interesante en mi opinión. Se puede apreciar aquí la semilla del punk más duro que caracterizaría la primera fase de The Drones, con una producción más chapucera, claro.

Aunque The Drones se fundó originalmente en 1997, no sería hasta el año 2000 cuando Liddiard y Pereira —acompañados de otro guitarrista y un batería que no son importantes para la historia— decidieron vender todos los cacharros que tenían menos sus guitarras y mudarse a Melbourne, al otro lado del país, una ciudad no sólo más grande sino también epicentro de gran parte de la escena musical australiana de las últimas décadas. Por comentar un poco la jugada: gracias a esta mudanza pasaron a entrar al circuito comercial que les permitiría producir su primer disco y más tarde les catapultaría a la fama. Además, destacar que si bien pasaron a ser una banda de “sólo-guitarras”, lo hicieron tras 5 años de experiencias psicodélicas aporreando teclados. Es decir, la herencia de esa época la llevaban encima, por mucho que al principio tratasen de hacerse pasar por un grupo convencional.

Hubo también un proyecto tangencial llamado Gutterville Splendour Six, más o menos entre 1997 y 2000, mientras todavía estaban en Perth, con un rollito Lo-Fi bastante malo del que no merece la pena destacar nada.

Cabe señalar también que, en algún momento de este período de transición, aparecería Fiona Kitschin cada vez con más frecuencia entre sus filas hasta formalizar en 2002 su integración en la banda como bajista, instrumento con el que acompañaría a The Drones durante toda su carrera. Se ve que Liddiard y ella se llevaron bien, porque fruto de aquel encuentro nacería 15 años después la primera alineación de Tropical Fuck Storm. En la actualidad, viven juntos y son pareja.
1º INTERLUDIO: Las influencias
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Pequeño inciso antes de pasar a comentar su discografía, no me extenderé mucho. De las 20 millones de bandas y artistas que han influido a The Drones + TFS, me quedo con estos seis —de los que me he tomado la libertad de seleccionar un tema concreto representativo—, pues son bajo mi punto de vista los que de alguna manera abarcan la mayor parte del espectro musical que ha construido la banda durante las últimas dos década:
  • Black Flag es el punk de guitarras y batería más puro, rítmico y rabioso.
  • Einstürzende Neubauten es el afán por evolucionar y explorar estilos más oscuros.
  • Jimi Hendrix es la expresividad guitarra en manos, y la psicodelia.
  • Led Zeppelin son las composiciones de rock complejas.
  • Shostakovich es la sosegada aproximación hacia el sonido preciso y buscado.
  • Toumani Diabaté es ese sonido exótico y primario que habla de lo que no entendemos.
Here Come The Lies - Gala Mill
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Here Come The Lies (2002)
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Éste álbum se compone de canciones originales, pero también de covers, motivo por el que me da la impresión de que puede haber sido algo subestimado. Sin embargo, no hay que olvidar que una buena cover puede ser mejor que una canción original, como es el caso de Dekalb Blues (original de Lead Belly). No es la última vez que demostrarían saber hacer una buena cover. Además, se nota que lo grabaron en estricto directo, cosa que en lo personal me entusiasma.

The Drones triunfaría con el siguiente álbum, y sin embargo, me parece que éste primero demuestra una mayor calidad y cuidado en sus canciones. Es garaje rock, sucio y auténtico. En él demuestran dominar a la perfección el correcto uso del ruido, y de los silencios, y huir de la repetividad del punk anglosajón.

Nota: 7,5/10
Otras canciones:
Dekalb Blues
Hell And Haydevils
The Island
Wait Long By The River And The Bodies Of Your Enemies Will Float By (2005)
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Álbum, de nuevo, grabado en estricto directo. Su éxito estuvo bastante ligado a las letras, materia en la que Liddiard empezaba a progresar a ritmos agigantados. En lo personal me la suda bastante el mensaje de una canción, mi interés está en el ritmo y musicalidad de la voz como un instrumento más —materia en la que Liddiard sobresale si cabe aún más— pero es de destacar que es gracias a sus letras por lo que destacaría The Drones primero, con sus mensajes políticos, y TFS después, con sus odas a la existencia.

Y Locust. He tenido que destacar Locust porque quería evitar que os saltarais pegarle una escuchada. No es ni de coña la canción más representativa de éste álbum, más bien al contrario. Es un tema totalmente disidente y tan jodidamente experimental que deja a lo que haría TFS 15 años después en poco más que rock comercial. Es precioso, en serio, escuchadlo 2, 3 o 50 veces, prometo que terminaréis por apreciar su alucinante majestuosidad. Si hay que señalar al punto de partida desde el que se originó toda la convulsa oleada de creatividad de finales de esta última década de esta banda, no busquéis más, está aquí.

Nota: 7,0/10
Otras canciones:
The Best You Can Believe In
Sitting On The Edge Of The Bed Cryin'
The Miller's Daughter (2005)
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Resulta que los 2 álbumes anteriores los grabaron distando apenas 6 meses el uno del otro, aunque luego se publicase el segundo dos años más tarde que el primero. Básicamente estuvieron varios meses trabajando a todo piñón tratando de producir, producir y producir lo más rápido posible, y eso conllevaba problema: ¿Que una canción es demasiado larga para un álbum? La dejaban fuera. ¿Que la cagaban durante la grabación? No había tiempo para corregir nada, la dejaban fuera.

Eso es éste álbum, un primer collage de trozos y partes que sobraron de los anteriores. Es un álbum que se aprovecha de los despojos anteriores, y es que de eso va un poco el punk (declaraciones de Liddiard). Es curioso, porque escuchando The Drones me daba la sensación de que utilizaban las canciones más impopulares de bandas famosas como Led Zeppelin o Jimi Hendrix, intentando hacer música de las partes que la gente menos apreciaba, con el único propósito real de ser ellos los únicos que verdaderamente disfrutaran de ella. Es que son punk, joder.

Nota: 6,0/10
Otras canciones:
The Best You Can Believe In
Gala Mill (2006)
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En mi opinión éste es su peor álbum hasta la fecha —con permiso del trabajo en solitario de Liddiard—. Trataron de evolucionar pero no en la correcta dirección. Se liaron con grabaciones complicadas, buscando un sonido más claro que no encajaba con la dinámica que llevaban en aquella época. De nuevo el álbum destacaría por sus letras, pero ésta vez, en mi opinión, sin la misma fuerza y personalidad de los anteriores.

Nota: 5,5/10
Por alguna razón que desconozco, a finales de 2006 Rui Pereira, miembro fundador del grupo, decidió dejar la agrupación. Examinando la trayectoria de Liddiard no es difícil adivinar que se trata de un tipo difícil, no me costaría imaginar que después de conocer el éxito hayan surgido fricciones entre esta entrañable pareja de porretas de los 90. En cualquier caso, y en mi opinión, tras la salida de Pereira la banda conseguiría revertir la lentamente decadente tendencia de sus últimos discos con el lanzamiento de su siguiente álbum.
Havilah - Feelin Kinda Free
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Un año antes de Havilah participan con una magnífica cover, River Of Tears, en el álbum tributo a Kev Carmody, Cannot Buy My Soul (2007). Worth it.
Havilah (2008)
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Havilah suena a The Drones, pero ya no es el mismo sonido que antes. Sí, están los crescendos, los cambios de ritmo que te pillan por sorpresa, pero ya no es lo mismo. Quizás sea una guitarra más limpia, un bajo con cada vez más protagonismo o el que la letra ya no lleve mensajes tan potentes, haciéndolas más flexibles y ganando en musicalidad. Menos punk y más blues, pero un blues que sin saberlo coquetea con lo alternativo.

Nota: 7,5/10
Otras canciones:
Nail It Down
I Am The Supercargo
Hora de crisis. Havilah fue un gran álbum, pero parece claro que la nueva banda, sin Pereira y sólo Liddiard al mando, no sabe en qué dirección navegar. Demasiadas ideas le llevan a sacar un álbum en solitario, Strange Tourist (2010), que ya os adelanto que no mola en abosluto. ¿La razón? Él dice que fue porque le dio por comprarse una guitarra acústica, y que quería trastear con ella, que el sonido acústico no encajaba con su grupo y blablablá. Historias, estaba hasta la polla del grupo. Es normal, tras 8 años en la industria, de tour en tour, y de repente con la “responsabilidad” de encontrar un nicho para la banda, alejado del punk de los primeros álbumes, es demasiado para un porretas con talento al que se la suda todo el mundo. Así que nada, hace un álbum en solitario, y luego para rematar saca A Thousand Mistakes en 2011: para amortizar la puta guitarrita acústica decide regrabar temas pasados pero con un rollito mucho más Country Blues —aunque esta vez sí que lo hace junto con su banda—.

Cielo santo, menos mal que se dio cuenta de que esa no era la dirección. ¿Sabéis cuál era la dirección? Volver a los putos teclados y sintetizadores de los 90.
I See Seaweed (2013)
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Empieza la remontada. Sí, hay teclados, de manera bastante tímida, pero los hay. Y como señalan algunos críticos —y estoy de acuerdo— la introducción de teclados no obliga a que estos ganen protagonismo, pero sí que consiguen que la composición dependa menos del lenguaje de silencios/ruido de las guitarras y bajo. Y no digo que no los haya, todo lo contrario, como demuestran las dos canciones que adjunto, algunos de los contrastes ruidoso/suave más potentes de toda su trayectoria están en este disco… pero ya no son necesariamente el leitmotiv de toda la canción.

En este álbum aprecio por primera vez un verdadero cuidado por la producción. Tras la debacle creativa de los anteriores años creo que este proyecto se retoma con fuerza y ganas de renovar el proyecto de The Drones, muy acertadamente.

Nota: 6,0/10
Otras canciones:
I See Seaweed
Feelin Kinda Free (2016)
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Vale, ahora sí que adquiere protagonismo el teclado, hasta el punto de que los que antes se encargaban de las guitarras ahora también tienen un teclado al lado. Y llega el bendito theremín con sus extraterrestres modulaciones.

Este nuevo disco no cosechó críticas especialmente positivas. Es comprensible, la gente que les seguía desde antes estaban acostumbrados al punk, al garage, al blues e incluso al puto country, eran la típica escoria que se pone de uñas cuando oyen hablar de géneros alternativos. Pero no importa: como todos sabemos, aguardaban los triunfos.

No olvidéis escuchar Taman Shud, no encaja en el álbum —salió primero como single, de hecho—, pero es un temazo.

Nota: 7,0/10
Otras canciones:
Taman Shud
Tailwind
Y así, sin comerlo ni beberlo, The Drones llegó a su fin. Creo que tras las reguleras (¡e injustificadas!) críticas de sus dos últimos álbumes, Liddiard se daba cuenta de la dirección que quería y debía tomar: había que seguir apostando por la experimentación, pero hacerlo bajo el trademark The Drones podría suponerles perder fanbase. Nadie querría ir a un concierto de su banda favorita si la mitad de canciones, nuevas, no iban a gustar. La solución parecía clara: un nuevo proyecto.

Ignoro en qué quedó la relación con Dan Luscombe y Mike Noga, guitarrista y batería que habían acompañado a la banda durante alrededor de 10 años cada uno. Quizás hubo piques, diferencias artísticas o quizás una sencilla separación pactada, quién sabe, el caso es que durante la primera mitad de 2017, nuestra pareja de tortolitos favorita, Shrek y Fiona, comenzaron a escribir canciones para ese nuevo proyecto. Siendo gente muy, muy, muy Aussies como son, era lógico que buscasen talentos en la propia Melbourne, y los encontraron en dos pipiolas jovencitas con mucha experiencia, cada una con varios proyectos personales en los que por cierto siguen participando en paralelo a TFS, a destacar Harmony y High Tension.

Y así fue como, a mitad de 2017, nace Tropical Fuck Storm en un alocado tour por los EEUU, acompañando a nada más y nada menos que King Gizzard, y en el que es uno de los regresos al origen más esperados de la historia, volvieron a correr las sustancias estupefacientes a mansalva durante el proceso creativo.
2º INTERLUDIO: El supergrupo
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A Laughing Death In Meatspace
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¿Qué mejor para ir calentando que unas buenas covers? Durante la segunda mitad de 2017 TFS se lanza y publican dos estupendas covers, Mansion Family (2017), de The Nation Blue, y Lose The Baby (2017), de Lost Animal. Magníficos temas, ambos, que bien podrían haberle dado valor añadido a cualquier de los álbumes que estaban por venir.
A Laughing Death In Meatspace (2018)
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Reunidos todos los sumandos, desde 1993 hasta 2017, éste es el precioso resultado. La voz de Liddiard ya no es protagonista con la aparición de Erica y el resurgimiento de Fiona, ni los riffs de guitarra y el aporreamiento de batería. El teclado entre en escena, a veces como nueva estrella, otras cómo simple catalizador. Lo indudable es que con este álbum se desquitan del rock más tradicional y dan el salto a una suerte de psicodelia rítmica que recuerda al punk, más que en sus construcciones, en sus planteamientos. Del coqueteo con la experimentación llegan, en mi opinión, al Art Punk.

No me gusta hablar de letras, pero hay un matiz que me parece interesante, y es que éstas también padecen una evolución: de la mordaz crítica política y polarizadora pasan a denunciar a todo el mundo, de señalar con el dedo pasan a recordarnos que dejemos de hacer el gilipollas y recordemos nuestra puta insignificancia, que una dosis de realidad y de paso del tiempo, de vez en cuando, y ahora más que nunca, vienen bien. Además, de nuevo, como ocurriera en los últimos álbumes de The Drones, la pérdida de valor del mensaje en la letra conseguía añadirle valor al spoken word de Liddiard y sus acompañantes.

Nota: 8,5/10
Otras canciones:
You Let My Tyres Down
Chameleon Paint
Soft Power
A Laughing Death In Meatspace
Rubber Bullies
Braindrops
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Braindrops (2019)
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Iggy Pop escribió: It’s a good fuck
Gareth Liddiard escribió:There were lots of spare parts. It was a bit of a Frankenstein project. I wanted it all to slot together. I just sat there chopping it up and kept fucking around with it. A lot of fucking around. I was thinking about surf music, Joe Meek, [The Prodigy’s] “Out of Space” and Olivier Messiaen, because his music sounds like it was composed on venus.
No tengo mucho más que añadir, para mí es un álbum que se acerca a la perfección y en el que se hace patente la trayectoria de cerca de 30 años de creación y búsqueda. Creo que no se puede explicar con palabras porqué este álbum mola tanto, para entenderlo hacía falta ver de dónde venía. Es una suerte de conquista apoteósica, desgarradora, implacable y delicada.


Nota: 9,0/10
Otras canciones:
The Planet Of Straw Men
Paradise
The Happiest Guy Around
Braindrops
Aspirin
Desert Sands Of Venus
POSTLUDIO
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Sobre su propio proceso de composición Liddiard comenta que su impresión es que se puede hacer música desde cualquier punto de partida, incluso si éste suena mal. Se trata de darle vueltas a una misma canción buscando lo que él llama "the blink", el destello, la chispa: a veces puede componer una canción, y está mal, y cuando lo toca el grupo siguen sonando mal, y cuando lo graban no mejora. Pero de repente un día a uno le invade "la chispa" y consigue tocar la canción como ha de ser tocada, o hacer el arreglo que le faltaba, o grabarla de la manera en que había de ser grabada, y de repente pasa a sonar bien. "Puedes cantar lo que quieras, cualquier cosa, yo que sé, sobre un avestruz casándose con una alpaca, y podría hacer que funcionase, podría hacerlo, lo único es que necesitaría 6 semanas. Volvería en 6 semanas y habría escrito una canción que te haría llorar."

Liddiard tan sólo se lamenta de una cosa: "Solo podemos tocar en grandes ciudades. Me gustaría ir a lugares más pequeños y remotos, pero somos demasiado raros como para llenar un local en ciudades pequeñas".

Tropical Fuck Storm no es solo adición. Es un regurgitamiento de lo mejor de la música olvidada del último siglo, un proyecto que esconde un poco de todo.

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Jmena
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Jmena »

Wholeon escribió:
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Hablando con algunos foreros y haciéndoles spam de mi tema, me han comentado que para nada les resulta abordables mis tochoposts, que no entienden ni la primera palabra (a otros en cambio les resulta interesante, les mola y se van leyendo los tochos). He de decir que este tema, o más bien mis reviews/ensayos, como lo queráis llamar, son un intento de acercar toda esa música a todo el mundo; pero por consiguiente, para poder seguir los tochos, ese “todo el mundo” ha de querer acercarse a esa música, tener la iniciativa y querer aprender.
Y podríamos añadir la Música tradicional como la evolución de la música Antigua, que adaptándose a los contextos sociales de las épocas ,reflejaban la sociedad...Como cúspide de toda la música xD
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Jmena escribió:
Wholeon escribió:
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Hablando con algunos foreros y haciéndoles spam de mi tema, me han comentado que para nada les resulta abordables mis tochoposts, que no entienden ni la primera palabra (a otros en cambio les resulta interesante, les mola y se van leyendo los tochos). He de decir que este tema, o más bien mis reviews/ensayos, como lo queráis llamar, son un intento de acercar toda esa música a todo el mundo; pero por consiguiente, para poder seguir los tochos, ese “todo el mundo” ha de querer acercarse a esa música, tener la iniciativa y querer aprender.
Y podríamos añadir la Música tradicional como la evolución de la música Antigua, que adaptándose a los contextos sociales de las épocas ,reflejaban la sociedad...Como cúspide de toda la música xD
La verdad es que lo pensé mientras me informaba de las 4 cosas que puse y me parece totalmente acertado. Actualizo el post con tu comentario :)

Aprovecho para comentar que hoy por fin me he visto Fantasia 2000, i estoy contento y descontento a la vez. Al saber hace meses que duraba 74 mins (comparado con Fantasia que duraba más de dos horas y con Clair de Lune de Debussy eliminado (se puede ver en youtube)) pues no me hice grandes expectativas.

Estoy contento con ella porque coño, es animación acompañando a la música, un estilo que me puto encanta aunque solo se de en estas dos películas, y ojalá se extendiese más este arte (no solo con música culta, también con la popular más narrativa). Las escenas tienen su imaginación y su creatividad, en eso no pierde.

Pero para mi gusto tiene un ritmo demasiado dinámico. Creo que no son ni 2 las partes que superan los 10 minutos. Entiendo que así se acerca a más target y tampoco me parece mal, pero eso, a mi se me ha hecho bastante más sosa. Comparada con la consagración de la primavera que le enchufaron como media hora en Fantasia xddd, cuando en esta han acortado tanto el pájaro de fuego que no tiene sentido, narrativamente hablando. Igualmente, la peli tuvo un éxito escaso, así que no les sirvió de mucho ese dinamismo.

Muy disfrutable, recomendada a todo aquel que sepa bien lo que va a ver (tanto fans de Fantasia original como los que no saben de que hablo).

Ah, y comento esto debido a que aquí se ha hablado de Rhapsody in Blue, temazo y sin duda la mejor parte de Fantasia 2000. Me parece sublime, solo por ese fragmento vale la pena toda la película. Disfrutadlo



PD: Jose y Rockcorn en cuanto seca algo más de tiempo me escucho lo vuestro, palabrita
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suzaku
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por suzaku »

Bueno, habrá que colaborar para mantener los buenos temas del foro a flote, que cada día que pasa son menos. Amo allá con un disquillo que he estado escuchando últimamente.

(Disclaimer: el texto a continuación es tremendamente pedante y cuñao, se recomienda parar de leer al primer síntoma de cringe)

Songs: Ohia: The Lioness

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Año: 2000

Géneros: folk alternativo, indie rock

Duración: 39:36

Canciones: 1.-The Black Crow
2.-Tigress
3.-Nervous Bride
4.-Being In Love
5.-Lioness
6.-Coxcomb Red
7.-Back On Top
8.-Baby Take A Look
9.-Just A Spark



En mi reconocida ignorancia musical, me encuentro de cuando en cuando con obras que, sin realmente saber argumentarlo de manera racional, parece que le hablan directamente a una parte íntima de uno mismo que subyace bajo capas y capas de puro convencionalismo superficial. Y esta obra, sin construcciones musicales muy complejas, apoyadas sobre unas letras acertadísimas en su sencillez, sobriedad y carácter conciso, no sólo lo consigue, sino que en el proceso, pinta un retrato de sobrecogedora belleza sobre la angustia que pueden provocar la vida, el trabajo o el amor.

Empecemos por contextualizar un poco la obra. Songs: Ohia es el nombre de un proyecto que gira en torno al músico estadounidense Jason Molina, el cual ha grabado una serie de discos bajo dicho nombre tanto en solitario como junto a un elenco rotatorio de músicos, entre los que destacan, por ejemplo, algunos miembros de la banda indie escocesa Arab strap, los cuales colaboraron en el disco del que se habla en este post. Jason Molina nació en 1973 en Ohio (jeje, Ohia, Ohio, jejeje, ¿lo pilláis?) y se dedicó a la música desde bien pequeñito, a los diez años. Graduado en artes en 1996, empezó profesionalmente en la música como bajista de algunas bandas de heavy metal antes de embarcarse en un proyecto en solitario, colaborando con diversos artistas según lo iba necesitando para sus composiciones. A nivel privado, su vida y sus obras han estado fuertemente marcadas por un fuerte alcoholismo, que acabó por llevárselo de este mundo antes de tiempo, a la temprana edad de 39 años. No por ello era Jason Molina un tipo falto de disciplina. Afirmaba que, para él, la música era un trabajo, y como tal, pasaba todos los días ocho horas escribiendo canciones, de las cuales la mayoría acababan en la basura. En cuanto a su estilo musical, se podría considerar una combinación de folk, blues y música alternativa, en una mezcla que lo llevó a ser descrito por William Yardley, del New York Times, como el "baladista del corazón roto".

Pasemos ahora a hablar del disco. The Lioness es el cuatro álbum de estudio de Molina bajo Songs: Ohia, y, si bien describirlo de esta manera sería caer en un tópico manido, es probablemente su álbum más personal e íntimo. En él, Molina compone y escribe sobre sus propias inquietudes y miedos, o sobre el lado más irresistible y devastador de la atracción carnal, todo bajo una atmósfera oscura, profunda y trágica, que empieza desde el primer tema, The black crow, que con su cadencia de acordes lentos y su ritmo, en ocasiones ineludiblemente pesado y repetitivo, cae sobre ti como un metafórico yunque anímico. Tigress y The Nervous Bride, aun siendo ligeramente más movidas, no abandonan la atmósfera general del disco, mientras que Being in Love es una tema que se se siente como intruso en este disco, al ser el único en el cual se nota realmente la influencia de la banda Arab Strap hasta el punto de parecer una canción suya, más que de Molina. En cuanto a Lioness, la canción que da nombre al disco, es una canción inmensa con una frase que probablemente todos hemos querido escribir, o gritar, alguna vez en nuestra vida: "wanna feel my heart break if it must breaks in your jaws".

Personalmente, sin embargo, creo que el tema que hace un mejor trabajo cristalizando la esencia del mensaje de Molina es Coxcomb Red. Este tema habla de atracciones pasadas desde una sobrecogedora amargura, capitalizada por imágenes de muerte, final y engaño, pero desprovistas de rencor. Todo ello sobre la sencillez de cuatro acordes básicos, pero que visten exactamente como tienen que vestir a las letras de este tema.

El disco acaba en un tono menos cargado emocionalmente con back on top, baby take a look y just a spark, temas que se sienten como una soga en torno al cuello siendo aflojada tras los dos temas más profundos del disco. Decir que son una bocanada de aire fresco sería una exageración, eso sí.

En resumen, The Lioness es una declaración de amor y rabia en clave angustiosa y oscura que merece la pena escuchar al menos una vez en la vida. Cae como un mazazo y deja una huella emocional muy profunda.

Puntuación: ¿quién soy yo para puntuar?/10
El foro in a nutshell
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Jose Berserker escribió:...Queens of the Stone Age - Songs for the Deaf...
Jose hermano, ya te lo comenté pero me moló mucho el disco. Esta claro que escucharlo tras leer tu post y saber de que va gana muchisimo, igualmente te sorprendió que me molase con lo clasicorro que soy.
No tengo gran cosa que comentar a parte de lo que ha dicho Jose, me ha gustado mucho el concepto y el como lo lleva.
In love con la mosquito song, gran papel del violín ahí.
Rockcorn escribió::joint: ¡¡¡Al trombón!!!
...The Drones y Tropical Fuck Storm...
Me he escuchado más o menos las que has destacado. Las que más me han molado, quizás sean las mas experimentales, son Locust, Then they came for me, Taman Shud (estas tres de The Drones) y Shellfish toxine (esta de Tropical Fuck Storm). Curioso que me haya molado más los inicios rarunos y mas meh que no el "culmen", almenos las canciones que he escuchado de tropical fuck storm la mayoria me parece mas guitarreo meh (excepto alguna que es mas ida de olla, como Shellfish toxine).
suzaku escribió:Bueno, habrá que colaborar para mantener los buenos temas del foro a flote, que cada día que pasa son menos. Amo allá con un disquillo que he estado escuchando últimamente.
...Songs: Ohia: The Lioness...
Ha sido refrescante, tras escuchar los dos grupos anteriores, escuchar algo más pausado, tranquilo y sencillo armónicamente y melódicamente hablando. Me faltan un par de temas por escuchar del disco pero ya tengo hecha la idea, más o menos. No se me ha hecho repetitivo pese a que sea muy de mantener el mismo rif durante varios minutos: consigue mantener la atención añadiendo, quitando o cambiando la importancia de elementos; igualmente, se me ha hecho ameno y refrescante para lo que llevaba escuchando, pero tampoco me ha parecido nada del otro mundo. También es verdad que nunca presto atención a las letras de las canciones, que parece que es donde recae el peso en este álbum.

Gracias chavales!
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Buenas chavalada, hoy os traigo algo bastante diferente a lo que he traido hasta ahora... o quizás no tan diferente? Y es que esto no va de música clásica, va de todo tipo de música que a uno le apetezca comentar.
Final Fantasy XII BSO

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Me encanta esta ilustración y la pongo gratuitamente
FFXII es un juego revolucionario para la saga, y un gran olvidado. Por eso mismo, o lo odias o lo amas. A falta de terminar la recta final del juego, lo estoy amando, flojea en algunos aspectos, sobretodo la relación entre los personajes; pero la jugabilidad, el mapa, y muchas otras cosas son un soplo de aire fresco a la franquicia; entre ellas, la BSO.

BANDAS SONORAS

Coma toda BSO de un videojuego o película, pierde su sentido fuera del contexto de esta, hasta tal punto que dificilmente se pueda disfrutar si no se ha visto dicha película o jugado dicho videojuego. Raramente una BSO brilla por si sola tanto como lo haria una obra independiente, y por mucho que haya excepciones de genialiddad, es así como ha de ser. Una buena BSO es aquella que congenia a la perfección con la escena o la situación, pero a su vez no puede sobrepasar al protagonismo de lo que realmente importa; la historia o momento que te estan contando.
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La BSO de FFXII es de esas que si las escucháis independientemente (sin haber jugado al juego), pensareis que bueh, que si que muy bien, pero no creo que os entusiasme especialmente. Pero la BSO de FFXII sí que es de esas que cuando las escuchas jugando al juego, piensas que es una jodida genialidad. Evidentemente tiene mucha paja, porque componer 6 horas de obras maestras para temas ambientales es algo como un poco imposible (aunque no para NieR Automata); pero tiene autenticas joyas, no solo por la complejidad de la que gozan para ser temas de fondo de un videojuego (no estamos acostumbrados a cosas muy elaboradas), sino por como congenia con el lugar donde estas, por como no solo congenia, sino que eleva tu experiencia sensorial para con la situación a un nivel superior y te sumerge de fondo en, por ejemplo, las calles y el ambiente de Rabanasta. Es por eso que si has jugado al FFXII, probablemente disfrutes de este post; sino, dificilmente.
HITOSHI SAKIMOTO

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Podria copiar la wikipedia y enumerar todos los videojuegos en los que ha colaborado este genio y soltaros un rollaco de un nivel superior. Pero creo que no viene al caso, me centraré en unos pocos aspectos:

-Empezó su carrera como músico independiente a los 21 años, en 1990. Aunque con 16 años ya hizo algunos trabajos videojueguiles. Desde entonces ha hecho decenas de bandas sonoras para videojuegos, de los cuales la mayoria son random por supuesto.

-Evidentmente, toda su carrera se centra en la producción de música para videojuegos (desde joven le apasionaban los videojuegos y la música) fue pionero en el uso de un nuevo tipo de sintetizadores que se popularizó en toda la indsutria musical del videojuego en Japón.

-Durante una época de su carrera se estableció en Basiscape (el cual fundó él mismo), un proveedor independiente de audio y música para videojuegos y otros medios de comunicación.

-En 1997 empezó a colaborar con Square, hizo la banda sonora de Final Fantasy Tactics y Fantasy Earth: zero, hasta que finalmente pusieron en sus manos el proyecto de Final Fantasy XII en 2006, el cual catapultó a un nivel superior las bandas sonoras de los Final Fantasy numéricos.

-A partir de entonces también ha hecho música para animes, pero ninguno que yo conozca, así que suda.
Decir que Hitoshi Sakimoto es el compositor de la BSO de FFXII, pero obviamente tuvo mucha ayuda en arreglar muchos temas, y no esta de mencionar a Hayato Matsuo, Masaharu Iwata, Yuji Toriyama y Kenichio Fukui como participantes directos.

TEMAS DESTACADOS

Ahora sí, voy a comentar algunos de los temas que más me gustan de la BSO. Hay un par de cosas que quiero destacar, y es que los comentarios seran muy vagos, quiero decir, es música de fondo cíclica, así que no hay una estructura formal que pueda comentar. Quizá comente algo sobre instrumentos y orquestación, pero tampoco es plan de saturar mucho y además, dispongo de muy poca información en el internete y de 0 partituras.
La otra es sobre la propia BSO en sí, tengo la impresión de que los temazos estan concentrados al principio del juego, y a medida que avanzas, los temas son menos complejos, parece más para acabar de rellenar lo que falta y ya está. Es una verdadera lástima, porque si toda la BSO mantuviera el nivel del principio, seria la pollísima. No es para nada comparable la BSO que acompaña a Rabanasta con la que acompaña a Arcadis; estan a un nivel totalmente distinto.

Dicho esto, algunos temas jeje

Streets of Rabanastre


Ya he mencionado dos veces el tema de Rabanasta. Cuando lo escucho, escucho música folclórica, música tradicional, música de pueblo y de la edad media. Y a la vez, escucho algo futurista. Este tema creo que sobre una base tradicional ha puesto acordes más elaborados y por supuesto una instrumentación mucho más moderna (esas trompas haciendo agudos oumaigahd). Venga, para este tema voy a enrollarme un poco:
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Partiendo desde el 1:26, hay violoncelos haciendo una base festiva y simple, incluso algunos trozos la melodia recae en violines y en lo que creo que son... flautas y clarinetes? Esa base la retoma la sección de cuerdas, y la va transformando poco a poco, a través de glockenspiels (como metalofonos) y otra percusión, que su introducción es mucho más moderna en la historia de la música, en un tema futurista, flautas haciendo movimientos rápidos y sonidos disonantes entre trompas y fagots. Hasta que entra la tralla con tambores y un tema mucho más épico. A partir de aquí, se hace una versión alternativa de lo que escuchamos en el 1:26, un tema festivo en que predomina mucho más el viento (algo también, relativamente moderno en la historia de la orquesta) y todos esos acordes que me recuerdan a los Planetas de Holst.
Dalmasca Estersand


El tema de la primera zona que te permiten visitar. Un desierto, pero no uno cualquiera, es el fucking desierto este de Dalmasca. Abre el tema con unas melodias que sugieren, que te atraen a la aventura, para llevarte totalmente a un tema épico y futurista, un tema mucho más movido, y muy complejo a nivel orquestación. Este desierto no es desolador, este desierto es una aventura épica que estas empezando. Mi tema favorito, de forma independiente, del FFXII y de momento, de todo FF. Por cierto, de nuevo destacan las melodias de trompa (de hecho da este tonillo así más espacial), que instrumento más precioso cuando le dan algo de vidilla.

Giza Plains


El tema de otra de las primeras zonas que te dejan visitar. Un tema tocho, con unos bajos muy predominantes y un ritmo imperador (existe esta palabra?). Este tema es pura batalla, pura cacería, y también mucha epicidad. No puede faltar.

The Skycity of Bhujerba


Un tema más suavecito, donde la melodia recae en algun violin, clarinete o flauta. Mucho más ligero que los anteriores, tienes la sensación de volar cual gracil ave del paraiso... Y es que es para una ciudad flotante! Un tema también bastante más folclórico y tradicional, menos futurista, pero muy movido y entretenido, pequeña joyita :)

Lust for Power ( Paramina Rift )


Cuando ya vas algo más avanzado en el juego, te encuentras estas montañas desoladoras, con su apropiado tema. Lo que diria que es un teclado algo distorsionado, junto a un violin agudo haciendo staccatto, compone la base, haciendo de este lugar un pequeño martilleo constante que te agota. Solo le faltaba que cayera nieve para ser la hostia. En algunos tramos se vuelve algo más misterioso y final fantasyero, y en algun tramo también aparece una melodia aguda medianamente camuflada de trompa, muy suave, muy bonita, muy ambiental.


A falta de acabarlo, estas son las obras que más me han gustado. Os dejo algo en spoiler que no puede faltar tratandose de un post de música de Final Fantasy; su tema arreglado para el XII y un poema sinfónico que compuso Taro Hakase para la ocasión (Symphonic Poem - Hope) , que yo aún no he oido en el juego (són los creditos creo) pero es bastante bonito.
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Si a alguien le ha molado el post, ha jugado al FFXII y le apetece compartir su BSO favorita/s con algun breve comentario, bienvenido serà, y yo lo añado y cito en este post :)
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Aprovechando la cuarentena, hago otro post sobre una banda sonora que queria compartir hace un tiempo.
Marriage Story BSO

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Hay algo que suelo hacer cuando veo una película, que poca gente hace (almenos cuando voy al cine, soy el único pardillo), y es verla hasta el final. No sabéis la de veces que me he quedado último en el cine, sentado en la butaca, con los colegas o familia suplicandome que nos fueramos ya, con los que limpian mirandome mal. Es algo que no entiendo, he pagado por ver esa película, y cuando ponen los créditos, normalmente acompañado de la música más significativa de la BSO, la gente se va. Supongo que soy más rata y quiero disfrutar del todo la entrada que he pagado.

Marriage Story, película de Netflix, no la fui a ver al cine obvio, pero si que Netflix hace lo de siempre; intentar quitarte los créditos a los 5 segundos de empezar empalmando con otra cosa. Suerte que volví a poner los créditos, porque me quedé embobado escuchando la preciosa BSO que tiene. Al ser una BSO más ligera y suave y al estar tan bien implementada, puede pasar más desapercibida, pero la verdad es que por su sencillez, me he enamorado.

RANDY NEWMAN

Seguramente a muchos os suene este nombre, porque efectivamente, es el compositor de todas las bandas sonoras de Toy Story y Monstruos S.A, y de hecho cuando escuché la BSO de Marriage Story, pensé que me recordaba mucho al estilo de los momentos más sentimentales de Toy Story.
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Nació en 1943 en Los Ángeles, pero cuando era un bebé su familia se trasladó a Nueva Orleans, donde vivía la familia de su madre (a los que hayáis visto la película, quizás os suene de algo). Viene de una familia de grandes músicos, por ejemplo su padre compuso la sintonía de 20th Century Fox, y otros familiares eran destacados músicos de bandas sonoras de Hollywood.

A los 17 años ya componía canciones y os he de decir que este hombre se caracteriza por componer canciones que no se hacen famosas hasta que no las interpretan otros. Un gran músico, pero de éxito relativamente bajo. Compuso "You can leave your hat on" (del álbum Sail Away), que luego interpretó Joe Cocker, o "The story of a rock and roll band" que interpretó la Electric Light Orchestra. Si estais interesados podeis buscar que más ha hecho este hombre.

Finalmente a partir de los años 90 colaboró en muchas películas con pixar, siendo compositor de Toy Story​, A Bug's Life, Toy Story 2​, Monsters, Inc., Cars​, Toy Story 3, Monsters University​, Cars 3 y Toy Story 4. También hizo la banda sonora de The Princess and the Frog. Tras 15 nominaciones a los Premios de la Academia sin haber ganado ninguno rompió esta racha cuando recibió el premio a la mejor canción en 2002 por la pieza "If I didn't have you" de Monsters, Inc., y en 2011 ganó su segundo Óscar a la mejor canción con "We belong together", tema de Toy Story 3.
BSO EN GENERAL
Esta BSO es de esas que no es gran cosa realmente. No es el último grito en originalidad, pero es realmente preciosa y tiene carga emotiva por si sola. Si os la escucháis realmente es superconfundible con la BSO de Toy Story o Monstruos SA (sobretodo la primera), pues no es una fórmula nueva, pero es una fórmula que funciona, es la fórmula de Randy Newman.

La BSO en sí es muy cortita, hay pocos momentos con música en la película, y además suenan todo el rato los mismos temas. Pero tiene la genialidad de que pese a sonar todo el rato las mismas dos o tres melodias, les da diferentes energias arreglandolas para distintos instrumentos.
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Además esta BSO no es para orquesta, de hecho me atrevería a decir (lo deduzco escuchando, seguramente me equivoque con alguno) que hay:
-Un piano
-Un quinteto de cuerda (contrabajo, violoncelo, viola y dos violines)
-Una flauta traveseea
-Un oboé
-No sé si un clarinete porque cuando suenan piano (flojo) los suelo confundir cono oboés xd pero probablemente sí
-Un fagot
-Una trompa
-Una trompeta
EDIT: Y una arpa
Es decir, prácticamente uno de cada, cuando en una orquesta suele haber varios (y de cuerdas hasta más de 20). Nos hayamos pues en una orquesta de cambra o sencillamente, un grupo de cambra.

En general, la base armónica de toda la BSO la van componiendo el quinteto de cuerda, que van conectando los acordes y hace este acompañamiento tan precioso. A veces se queda solo el piano, aunque también hace de acompañamiento y en algun trozo, de melodia. Lo que tiene el piano compañeros, que vale para todo. Los instrumentos de viento madera (flauta, oboé, clarinete y fagot) se van turnando las melodías protagonistas, y en algun fragmento concreto se oyen la trompa o la trompeta haciendo alguna melodia secundaria, muy piano.
TEMAS DESTACADOS

What I Love About Nicole


Este tipo de música es bastante divertido de analizar en cuanto a timbres e instrumentos, y además para los interesados en aprender, es bastante útil para practicar la identificación de ellos. Os voy a hacer una muestra extendida de lo que oigo y como se van pasando la música unos a otros; por esto no se hace aburrida, porque aunque sean los mismos temas, nunca son iguales.
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00:00 Empieza el tema con la base de cuerda, haciendo tremolo, dándole este efecto mágico. La melodia la hace esta vez el oboé, un piano hace notas sueltas.
Os he engañado antes, al 00:10 una arpa hace un acorde.
Al 00:16 las cuerdas toman todo el protagonismo y los violines pasan a hacer la melodia. Al 00:25 aparece un piano haciendo un arpegio de fondo.

00:47 hay cambio de tema, pero siguen manteniendo la melodia los violines. Al minuto 01:00 me parece oir que la trompa hace una nota de fondo, muy débil, mientras el fagot (instrumento de viento madera bastante grave) y el contrabajo pican una octava.
01:02 la melodia la toma la flauta travesera mientras la acompaña una arpa haciendo los típicos arpegios de arpa. Al 01:09 la música se vuelve más densa, aparecen una trompa, un piano (o quizás una arpa) y las cuerdas se hacen más presentes. A partir del 01:14 diria que aparece una trompeta, pero toca tan suave que parece un oboé, alternándose la melodia con los violines. Y bingo! De fondo al 01:20 se oye un clarinete haciendo un arpegio ascendente. Tenemos clarinete señores (se vuelve a oir cerca del 01:30). Al 01:35 se suaviza todo, las cuerdas siguen con sus trémolos, el piano hace acordes superpiano, y los vientos madera los acompañan (aquí me cuesta mucho identificarlos).

Al 01:41 hay nuevo cambio de tema, en que las cuerdas toman el protagonismo hasta el 02:01, que el piano toma el protagonismo y se acaban sumando las cuerdas de nuevo, haciendo la melodia. Al 02:14 una flauta hace un arpegio ascendente, que en el 02:22 es imitado por una trompa. Hasta el 02:37 se quedan solas las cuerdas. A partir de aquí se quedan solos dos instrumentos de viento madera, una flauta y el otro tengo dudas si el timbre es de un oboé o de un clarinete (a partir del 02:47 se oyen los dos por separado y se diferencian claramente). Se va desarrollando de nuevo el tema, se añade algun violin, el piano, y al 03:04 tenemos un solo de arpa con el que termina la pieza.
En los siguientes temas ya no os suelto rollazo. Si a alguien le interesa o tiene dudas de algo concreto, puede preguntar o comentar todo lo que quiera jeje

What I Love About Charlie


Last Critique


Procession to the Trailer

En los primeros segundos de esta creo que rasgan las cuerdas de los violines como si fueran una guitarra, dando ese efecto a ukelele. O lo mismo es alguna guitarrita de estas, a saber, pero me decanto por lo primero xD


Esto son los 4 primeros temas de la BSO, y tras escucharme la BSO por decimocuarte vez para hacer este post, he decidido que eran los más representativos, pues como he dicho antes, el resto són versiones con diferente instrumentación de estos temas (y que vale mucho la pena escuchar por supuesto). La BSO dura 24 minutos en total, muy poco, así que si os ha molado, vale la pena que la escuchéis entera aunque no hayáis visto la película, pues es de esas que tiene valor por si sola.
Última edición por Wholeon el Mié Mar 25, 2020 9:20 am, editado 3 veces en total.
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Jmena
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Jmena »

Voy a hacer una serie de Reviews de las OST's de varias series clásicas, y hoy comenzaré por una OST que me gustó mucho la primera vez que la escuché.
Cyborg 009:
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Esta OST que comentaré ahora, es la correspondiente a la primera película de Cyborg009 1967 y a la serie del 1968.Compuesta por Taichirô Kosugi.
Tampoco podré hablar mucho de la trama, puesto que no me he visto la peli/serie...
Esta OST en particular, cuenta con 2 discos.

Parte 1 del disco 1:

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Track 1-Apertura : 1.30, Tema principal de la serie, y Opening, pieza solida con aires de superhéroe
Track 2-Fantasma Negro : 2.09, Parece ser el tema de una nave espacial.
Track 3-Nacimiento de 009 : 2.17, Pieza compuesta para describir el nacimiento del Cyborg 009, con una composición que bien podría ser distinguida por una banda sonora del Disney de los 40-50
Track 4-Escape : 3.07, A partir del minuto 1 del track, se escucha una melodiosa y orquestada versión del Latemotiv de Cyborg 009 , y en el 2:23, podremos escuchar otra alternación de este latemotiv con un arreglo más saxofónico.
Track 5-Ciborg Guerrero : 5.27, En este track, al comienzo se desarrolla una versión agresiva y tétrica del tema de Cyborg, sin embargo tras una larga y bien llevada introducción, llegamos a un puente en el minuto 3:58 orquestado con arpa, y Saxo alto¿?.Y para terminar tenemos una versión del Latemotiv de Cyborg tocada por los instrumentos de cuerda.
Track 6-Aparece el Robot Dinosaurio : 3.02, Nada especial en este track, solo música de combate/acción.
Track 7-Base submarina- Rumbo al arreciffe de coral verde : 3.25, track que podría ser comparado en ciertos puntos con Rossini, y su Obvertura de Guillermo tell, no es una pieza férrea, más bien parece la suma de distintos segmentos ligeros y cortos, que se podían usar en la obrea. Pero siempre desarrolándose sobre el latemotiv de Cyborg.Y cuyo final ( 2:40) me recuerda a la parte orquestal del Concierto para piano nº de Thaikovsky, pero sin piano...
Track 8-Paz : 3.22, Tema con un inicio muy calmado, y que para mi sorpresa, se corta para comenzar versión del Lago de Los Cisnes de Tchaikovsky en el segundo 40, cuyo fin se alcanza en el 1:10 con un pasaje suave rumbo a un destino más guerrillero y agresivo 1:26, con un climax instrumental usando el Latemotiv del Lago de los cisnes cuyo fin se da en el 2:20. Y para terminar este track, parece que se llega al destino, LA PAZ, con un coro femenino casi angelical, que parece decirnos que la pa es solo algo divino e inalcanzable, una preciosa pieza digna de recalcar.
Track 9-Mercader de la muerte, El regalo del DR.Gilmore : 2.56, track que si no supiese que pertenece a Cyborg 009, bien podría considerarlo un tema neutro del lado obscuro en Star Wars...Pero con un final (2:34) muy adecuado para el título del track, pues bien me recuerda a la obtención de un ítem/regalo en cualquier videojuego.
Track 10-Opening : 1.13
Track 11-Destino, la Isla Fantasma!! : 9.58, largo track , cuya primera parte parece ser el desarrollo de un trayecto "accidentado", y que desemboca en el inicio de una parte B en el min 2:45,m conde se desarrola el Latemotiv del Cyborg Guerrero. En el minuto 4:13 tras haber finalizado la PArte B, comenzamos con una parte C, que parece ser la llegada a la isla, con una composición muy ambigua y misteriosa, precisamente por haber llegado a la Isla Fantasma.Y el track termina conservando ese aura de misterio y sequedad que uno puede encontrarse en una isla fantasma...
Track 12-Lucha CIborg!/Combate Ciborg : 2.01, para mi, uno de los Latemotivs más heróicos que he podido llegar a escuchar, no deja de ser la melodía de apertura de la serie, y el Opening, pero con una Parte B que comienza en el 1:30, orientada a desarrollarse en una escena de combate.
Track 13-Endemoniado final/El fin del Dablo, escape de la isla fantasma : 5.14, Track con mucho movimiento, desde un inico, con su Parte A poco melódica y más ambiental, y su parte B 2:40, explorando las vías melódicas y armónicas que pueden ser usadas para describir y narrar un escape. Como puede ser la marha movida del min 3:21, o el definitivo abandono de la isla en el 4:40, sin la carga emocional o melódica que ha traído consigo esta isla.Y con un final de pieza movido.
Track 14-Final : 1.21, movimiento muy similar a la parte coral del track numero 8, la Paz, pero sin los aires angélicos y pacíficos, dándole un aire más espiritual, y fúnebrre. Muy aporopiado ser el final de la Ost de la Peli.
Parte 2 del disco 1:
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Track 15-Opening Versión Karaoke : 1.14, pues nada, un tema principal, donde te imaginas tú el tema XD
Track 16-Opening Versión TV, con Efectos : 1.02, lo mismo pero con las voces de los actores haciendo una cuenta atrás XD
Track 17-Guerrero Cyborg descansando : 4.02, una pieza lenta y melódica,con la Guitarra Eléctrica, y la Flauta como instrumentos a recalcar, y con diversos y variados ritmos, cómo por ejemplo la BossaNova, en su totalidad, es un track calmado y relajado. Digno de ser banda sonora de una cena Navideña, o de una tarde Navideña por centros comericales.
Track 18-Ending Karaoke : 0.42, una simpática pieza con aires de grandiosidad imperalista, pero sin la voz que proporciona estos aires.
Track 19-Soy 007 : 2.10, track que parece ser el Latemotiv de Cyborg 007, y que indigno por mi parte sería no mencionar la maravillosa composición de este track, es el primer track de la banda sonora, que parece estar orientado a narrar caricaturescas escenas, tanto es así, que podría ser confundido al inicio por la banda sonora de Chip y Chop de Disney. Una grata y alegre sorpresa.
Track 20-Irremplazable Paz : 2.13, Maravillosa pieza Sambosa, una samba digna de la mayor de las paces, la alegre Fiesta, o así es el track hasta el minuto 1, cuándo se transforma en una calma Rossiniana, narrando lo que a mi parecer es el amanecer de un nuevo día.
En resumen, este track en su primer minuto, podría ser ideal para la película Saludos Amigos de disney, y a lo largo de su segundo minuto, narra la calma tras la fiesta, el amanecer de un pueblo agotado por la diversión de la sambosa noche. (No es literal XD)
Track 21-Dispersos por el Mundo : 6.52, track que a mi parecer se caracteriza por narrarnos a los oyentes, la variedad de naciones y culturas, representadas por ritmos y tonalidades esparcidos a lo largo del track, podemos escuchar desde Habaneras, a músicas más arábigas con instrumentación occidental, neo-jazz, música imperialista Griegiana...En resumen, la suma de las culturas que a mi parecer pueden conformar el mundo de Cyborg 009...Con un cúlmen en forma de Jazz-Swingero muy amigable.
Track 22-El Diablo está de vuelta : 3.41, Música que juega con el Latemotiv del diablo, cuya aparición se da en el track 13, no llega a tener la compleja obscuridad otorgada en susodicho track, pero si que se le otorga un aire más siniestro.
Track 23-Ojos Justicieros : 2.58, otra versión del Tema principal de la serie y Opening, pero más extendido.
Track 24-Reunión en casa del DR.Gilmore : 2.19, composición final de esta banda sonora, digna de reconocimiento aúna todo lo maravilloso de esta banda sonora, armónicamente hablando y lo junta en 3 piezas de despedida, que no puedo imaginarme el caso en el que dejen indiferente a alguien.
Track 25-Ending : 1.25, pues lo ya dicho en el track 18, un buen ending.

Parte 1 del disco 2:

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Track 1-Cyborg 009, Versión II : 1.45, Sin nada más que añadir, salvo una pequeña extensión del tema original, no es más que un tema principal con otra intro.
Track 2- Monstruo Plesiosaurio : 1.32, Curioso tema que comienza de una forma muy simpática y movida, pero que acaba transformándose en un tema pesado, una inteligente decisión, dado que el tema va de un monstruo y de un dinosaurio XD.
Track 3-Amigos a lo largo del mundo : 4.06, Track muy “amigable”, repitiendo la estructura del track 21 del disco 1, mezclando géneros para narrar las distintas localizaciones. Muy disfrutable.A destacar, la aparición del himno de Estados Unidos , y del Lago de los Cisnes.
Track 4-Guerrero Cyborg, Ayuda!!! : 6.45, una pista larga, y con una bien marcada estructura, nada a destacar, salvo una parte C (1:45) muy animada y Jazzesca. Y una parte F, con violines y piano, muy melodiosa y flotante, que engatusaría a cualquier amante de la música zen .Con un final desarrollando el tema de Cyborg 009.
Track 5-Persecución del Purussaurus (Cocodrilo Dinosaurio) : 5.08, Estructurado en parte A , casualmente la acción, puente (2:55- 3:20), y desenlace B, salvo en el puente, la música no abandona su idiosincrasia agresiva e imperante , con rasgos que orientan al espectador a la desesperación.
Track 6-Confrontando las trampas del Diablo : 3.04, copia la estructura del track 5, presentando una parte A de acción, un puente inspirador, y luego Partes B,C o D, cortas pero conservamndo la intencionalidad y personalidad del track.
Track 7-Hermoso Guerrero : 1.59, con un angustioso inicio, la pista se desarrolla guiando al oyente de melodía en melodía, hacia la hermosura del personaje a tratar, culminando con la OST de Cyborg, cantada por un coro.
Track 8-Batalla del Destino : 3.17, Inicio rítmico y percusivo, con notoria ausencia de instrumentos, el track comienza en la batalla, y culmina con el tema Latemotiv de Cyborg 009 a orquesta.
Track 9-Palacio Bajo tierra, La crisis del Cyborg Guerrero :2.49, Tema de acción , sin mucho que resaltar, o mencionar.
Track 10-El amor de Helena: 3.05, Track que mezcla los Latemotivs de Cyborg009 (0:10), y el de Helena (1:26),y con una parte B angustiosa (2:03)
Track 11-Aparece-El fantasma Revive! : 1.53, nada a destacar de este tema, salvo la bien lograda ambientación espiritual que tiene.
Track 12-5 mil Millones hasta la felicidad : 5.41, otro tema que desarrolla todos los Latemotivs de Cyborg 009.
Track 13-Ending : 1.10, composición similar al ending del Disco 1 Parte 1.
Parte 2 del disco 2:

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Track 14-Cyborg 009 Opening : 1.02Versión 2 del opening, con más voces de intro, pero la misma melodía.
Track 15-Una terrorífica noche : 3.12.
Track 16-Carretera Nocturna : 3.51, Track que te teletransporta a las autopistas Americanas, con sus camioneros escuchando Rock Hawaiano, para luego moverte a un puti-hotel , dónde dormir tranquilo.
Track 17-Hace un año en MontParnasse : 5.47, track que comienza con una melodía digna de ser usada para ser parte de la OST de Lupin III y Fujiko Mine, y que se mantiene en la línea de un un flashback armonioso y calmado.
Track 18-Ciborg007 Opening, Otra Instrumental : 1.03, En fin con la hipotenusa....
Track 19-Gran Ciudad : 2.02, Pista que te teletransporta al Nueva York de los años 1930-40, y cuya Parte B, te transporta a Sao Paolo, con una muy bailable Macarena muy cercana a la Samba .Este track, si que merece la pena, en este disco 2.
Track 20-Desafío Fantasma : 3.10, Nada que comentar.
Track 21-Melancolía de los Guerreros : 3.44, un precioso track, cuya melodía es el ending reinstrumentalizado, y muy bien acompañado por el piano.Tras esto, se siguen desarrollando variaciones del Tema de Cyborg 009.
Track 22-Lucha Eterna : 1.58, Una bersión Bélica del tema principal y Opening.
Track 23-Avanza, Cyborg Guerrero! : 1.45, una versión “épica” del tema principal y Opening.
Track 24-Un guerrero de la Paz, nunca Muere! : 2.37, Versión reinstrumentada del ending, dándole mayor epicidad y quitándole la imperialidad que le otorgaban las voces y la anterior instrumentalización.
Track 25-Ending Tamaño TV : 0.43, lo mismo pero con otras palabras.
Cómo no sencuentro ningún video con la OST de esta serie, voy a publicar un enlace a los archivos dentro de un spoiler, para que si se de el caso de que no entre en las normas establecidas por el foro, simplemente se borre el spoiler...
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Última edición por Jmena el Sab Mar 28, 2020 2:32 pm, editado 1 vez en total.
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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Jmena escribió:Voy a hacer una serie de Reviews de las OST's de varias series clásicas, y hoy comenzaré por una OST que me gustó mucho la primera vez que la escuché.
...Cyborg 009...
Te quiero tio.

No conocia de nada esta serie/película, y ahora hasta me ha picado la curiosidad por verla. Voy a comentar algun track que me ha gustado especialmente:

Parte 1 del disco 1:
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Track 1-Apertura : 1.30, Tema principal de la serie, y Opening, pieza solida con aires de superhéroe
Esta guay, mucho protagonismo de viento metal y con saxos por ahí, bastante jazzy
Track 5-Ciborg Guerrero : 5.27, En este track, al comienzo se desarrolla una versión agresiva y tétrica del tema de Cyborg, sin embargo tras una larga y bien llevada introducción, llegamos a un puente en el minuto 3:58 orquestado con arpa, y Saxo alto¿?.Y para terminar tenemos una versión del Latemotiv de Cyborg tocada por los instrumentos de cuerda.
Si tuviera que jugármela diria saxo alto, parece su tesitura y no se oye forzado como sonaria un saxo tenor tocando tan agudo... Pero vamos, que no domino yo tanto, un saxo es seguro. Si no fuera porque tu lo indicas, ni me daria cuenta de que va haciendo versiones del latemotiv del cyborg, y es que las distorsiona tanto segun la situación que acaba sacando algo totalmente distinto. Muy chulo de escuchar.
Track 6-Aparece el Robot Dinosaurio : 3.02, Nada especial en este track, solo música de combate/acción.
Aprovecho para comentar en este track, ya que me parece el más evidente, de la influencia primitivista que tiene toda la obra. Lo siento, soy de esos que le encanta la consagración de la primavera y ve referencias a ella en todas partes xd, supongo que se puede decir que en general es música muy influenciada por todo tipo de vanguardia, esta OST.
Track 8-Paz : 3.22, Tema con un inicio muy calmado, y que para mi sorpresa, se corta para comenzar versión del Lago de Los Cisnes de Tchaikovsky en el segundo 40, cuyo fin se alcanza en el 1:10 con un pasaje suave rumbo a un destino más guerrillero y agresivo 1:26, con un climax instrumental usando el Latemotiv del Lago de los cisnes cuyo fin se da en el 2:20. Y para terminar este track, parece que se llega al destino, LA PAZ, con un coro femenino casi angelical, que parece decirnos que la pa es solo algo divino e inalcanzable, una preciosa pieza digna de recalcar.
Lol, que random esto del lago de los cisnes. Es bastante más pesado que en el original, mola el uso que le da. El uso del coro también es muy acertado dado el motivo, me ha gustado este contraste, lástima que sea tan corto el track.
Track 9-Mercader de la muerte, El regalo del DR.Gilmore : 2.56, track que si no supiese que pertenece a Cyborg 009, bien podría considerarlo un tema neutro del lado obscuro en Star Wars...Pero con un final (2:34) muy adecuado para el título del track, pues bien me recuerda a la obtención de un ítem/regalo en cualquier videojuego.
A mi, con tanto violín psicodélico, me recuerda más a alguna BSO de Hermann para Hitchcock (excepto el final claro xd)
Track 11-Destino, la Isla Fantasma!! : 9.58, largo track , cuya primera parte parece ser el desarrollo de un trayecto "accidentado", y que desemboca en el inicio de una parte B en el min 2:45,m conde se desarrola el Latemotiv del Cyborg Guerrero. En el minuto 4:13 tras haber finalizado la PArte B, comenzamos con una parte C, que parece ser la llegada a la isla, con una composición muy ambigua y misteriosa, precisamente por haber llegado a la Isla Fantasma.Y el track termina conservando ese aura de misterio y sequedad que uno puede encontrarse en una isla fantasma...
Si el primer tercio (el "trayecto incidentado" de este track no se inspira en esto nos vemos en la esquina del parque con la cara destapada. Btw menuda pasada esos glisandos continuos de piano que se dan en este fragmento, como deben escocer los dedos, si es que no ha dejado rastro de sangre en las teclas.

Menudo pepinaco de track, si hubiera suavizado más las transiciones colaria perfectamente como un poema sinfónico.
Parte 2 del disco 1:
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Track 15-Opening Versión Karaoke : 1.14, pues nada, un tema principal, donde te imaginas tú el tema XD
Pues oye, me ha gustado cas más que con el tema xdd
Track 21-Dispersos por el Mundo : 6.52, track que a mi parecer se caracteriza por narrarnos a los oyentes, la variedad de naciones y culturas, representadas por ritmos y tonalidades esparcidos a lo largo del track, podemos escuchar desde Habaneras, a músicas más arábigas con instrumentación occidental, neo-jazz, música imperialista Griegiana...En resumen, la suma de las culturas que a mi parecer pueden conformar el mundo de Cyborg 009...Con un cúlmen en forma de Jazz-Swingero muy amigable.
Para el los cambios tan "bruscos" que hace entre estilos, hace muy bien las transiciones en general. Muy agradable de oir.
Track 22-El Diablo está de vuelta : 3.41, Música que juega con el Latemotiv del diablo, cuya aparición se da en el track 13, no llega a tener la compleja obscuridad otorgada en susodicho track, pero si que se le otorga un aire más siniestro.
La primera nota que hacen los trombones me da la sensación de que vayan a empezar montagues and capulets de Prokofiev xdd. Bastante guay el principio del track, fusiona ese aura "titánica" del demonio con su aura siniestra que comentas

No he tenido gran cosa a comentar en esta segunda parte, muy acertado todo lo que vas diciendo :)
Parte 1 del disco 2:
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Track 2- Monstruo Plesiosaurio : 1.32, Curioso tema que comienza de una forma muy simpática y movida, pero que acaba transformándose en un tema pesado, una inteligente decisión, dado que el tema va de un monstruo y de un dinosaurio XD.
Dinosaurio? No será esto una referencia a LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA eonoe. Me esta entrando mucha curiosidad de verme este anime, tiene pinta de ser bastante random y divertido xd
Track 5-Persecución del Purussaurus (Cocodrilo Dinosaurio) : 5.08, Estructurado en parte A , casualmente la acción, puente (2:55- 3:20), y desenlace B, salvo en el puente, la música no abandona su idiosincrasia agresiva e imperante , con rasgos que orientan al espectador a la desesperación.
Ya decia yo que me sonaba el nombre de Purussaurus; a parte de la música me dedico también a otros menesteres, e hice no hace mucho un trabajillo sobre la evolución de los cocodrilos. El purussaurus es uno de los cocodrilos más grandes que ha poblado nuestro planeta (y que se conozca claro), un caimán del Mioceno que de un bocado me comía entero. Es bastante posterior a los dinosaurios y tampoco es un "cocodrilo dinosaurio" xd pero es curioso que lo metan, no sabía que ya se conocía la especie en 1967. Dato curioso del dia. La obra bien btw, casa con el espiritu de un "cocodrilo dinosaurio".
Track 7-Hermoso Guerrero : 1.59, con un angustioso inicio, la pista se desarrolla guiando al oyente de melodía en melodía, hacia la hermosura del personaje a tratar, culminando con la OST de Cyborg, cantada por un coro.
Me ha gustado especialmente como se va haciendo más bello y el sonido que saca hasta la inclusión de los coros. Lástima que sean tracks cortos y no de tiempo a disfrutar del todo de ciertos pasajes.
Track 8-Batalla del Destino : 3.17, Inicio rítmico y percusivo, con notoria ausencia de instrumentos, el track comienza en la batalla, y culmina con el tema Latemotiv de Cyborg 009 a orquesta.
Otro especialmente bonito. Mola el ritmo de la percusión. Y con esto me doy cuenta de que he de mejorar mi audición y conocimientos sobre sordinas, que siempre que aparece no se identificar ni se como se hace exactamente.
Track 10-El amor de Helena: 3.05, Track que mezcla los Latemotivs de Cyborg009 (0:10), y el de Helena (1:26),y con una parte B angustiosa (2:03)
Hmm quizás más que angustiosa la llamaria más misteriosa. El trombón no hace la misma melodia tétrica de los tracks del demonio del primer disco?
Parte 2 del disco 2:
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Track 15-Una terrorífica noche : 3.12
El título lo dice todo. Muy tétrica, caótica y atonal; aunque tampoco es nada nuevo ni del otro mundo.
Track 19-Gran Ciudad : 2.02, Pista que te teletransporta al Nueva York de los años 1930-40, y cuya Parte B, te transporta a Sao Paolo, con una muy bailable Macarena muy cercana a la Samba .Este track, si que merece la pena, en este disco 2.
Pues si, muy bueno. El mejor hasta ahora.
Track 20-Desafío Fantasma : 3.10, Nada que comentar.
Tiene un tono bastante diferente. Añadiendo esos teclados, esos efectos de percusión y sobretodo esa guitarra eléctrica. Me ha molado bastante
Track 22-Lucha Eterna : 1.58, Una bersión Bélica del tema principal y Opening.
Esta guay la idea, aunque personalmente noto muy vacío lo que hace el piano en la primera mitad del track; quizás una o dos octavas por debajo y con más tralla hubiera logrado un efecto mucho mayor.

A partir de aquí ya son versiones alternativas de openings y endings, nada más que añadir señoría.
Ale, escuchado todo. Me ha molando mucho. La única pega que le pondria es que abusa un poco del viento metal, a mi gusto. Y yo soy fan del viento metal, que conste, pero a excepción de trompas (que tiene un sonido mucho más suave) no abusaria mucho de trompetas y trombones, porque sobrecarga un poco.
El viento metal es la mejor carta, si la usas bien das una sensación tocha a tu obra, pero si la usas constantemente, quita un poco el efecto. Y en esta ost, sobrepasa por mucho al viento madera y cuerda en protagonismo.
Dejando de lado la filosofia, esta muy bien y se agradece que den protagonismo a mis instrumentos favoritos :D

También se me ha hecho un poco repetitiva, sobretodo por el uso recurrente de los leitmotives, algo normal, pero escuchandola toda a huevo pues raya un poco, sobretodo el opening xd. Pero una banda sonora que vale la pena escuchar, almenos los temas más destacados.

PD: Gracias por poner el link y habertelo currado tanto para que podamos escucharlo, la verdad es que no la he encontrado en ningún otro sitio de fácil acceso. Menudo trabajazo!
Última edición por Wholeon el Sab Abr 04, 2020 1:22 pm, editado 3 veces en total.
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Mensaje por Oowada »

Dropkick Murphys - The Meanest Of Times



The Meanest of Times es el sexto álbum de Dropkick Murphys. Fue lanzado el 18 de septiembre de 2007. Éste es el primer álbum que han lanzado que no está en Hellcat Records.

Genero: Celtic punk

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Cubierta de edición limitada

Las canciones se basan en melodías tradicionales irlandesas, Algunas incluyen múltiples referencias a lugares en la región de Boston y personas asociadas con la banda.

"lannigan's Ball" se grabó parcialmente en los Estudios Westland de Dublín y cuenta con la voz de Ronnie Drew de The Dubliners y Spider Stacy de The Pogues , dos de las figuras más emblemáticas de la historia de la música folk irlandesa y el folk punk , respectivamente. La canción está dedicada a la esposa de Drew, Deirdre, quien había muerto un mes antes de que fuera grabada. También fue la última canción a la que Ronnie Drew hizo una contribución antes de morir el 16 de agosto de 2008 a la edad de 73 años, después de una larga enfermedad.


Recepción

Se le otorgó una certificación de plata de la Asociación de Empresas de Música Independiente, que indicó ventas de al menos 30,000 copias en toda Europa.


Letra de mi canción favorita del Álbum

The State Of Massachusets

She had excuses and she just used them
She was the victim of unspeakable abuses
Her husband was violent, malicious and distant
Her kids now belong to the state of Massachusetts

They've been taken away
They've been taken away

Billy was a bright one
Tommy's off his head
Mother loved them both the same, at least that's what she said
I don't predict the future, I don't care about the past
Send them both to DSS, now you had your chance
The poison who stole your babies
The judges took your rights
You can have your children, or the night

I suppose you've a victim
I suspect you may have lied
If you've lost all ambition won't you give this thing a try
If you can't and you fail won't be the only loser
These kid don't stand a chance with you in their future

They've been taken away
They've been taken away

Billy was a bright one
Tommy's off his head
Mother loved them both the same, at least that's what she said
I don't predict the future, I don't care about the past
Send them both to DSS, now you had your chance
The poison who stole your babies
The judges took your rights
You can have your children, or the night

The poison stole your babies
The tenants took your rides
You can have the children, or the day

Billy was a bright one
Tommy's off his head
Mother loved them both the same, at least that's what she said
I don't predict the future, I don't care about the past
Send them both to DSS, now you had your chance
The poison stole your babies
The judges took your rights
You can have your children, or the night
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Mensaje por Wholeon »

Matias Mendez - Dimensional

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Géneros: Art rock, Jazz rock, Rock experimental, R&B, Rock psicodélico, Soul

Buenas chavalada. Hoy os traigo algo radicalmente distinto a lo anterior de lo que he hablado (básicamente, no es orquesta). Este es un álbum que me recomendó un profesor argentino de música moderna que tuve, y creo que vale la pena escucharlo, sobretodo porque es relativamente desconocido, pero de muchisima calidad.

MATIAS MENDEZ
No me enrollaré mucho con esto, porque además hay poca información por las redes sobre él. Matías fue el último bajista del gran músico argentino Luis Alberto Spinetta, considerado el mejor músico de rock de la historia de Argentina, y del qual aprendió mucho y según los expertos, mama estilo y pasión para la realización del disco en el que nos encontramos.
Su primer trabajo solista fue un disco Bass Boost, editado en 2012. Su segundo trabajo en solitario es Dimensional, del que trata este post.

DISCO EN 3 DIMENSIONES
Dimensional tiene 12 obras, las cuales se agrupan en 3 grupos de 4, muy diferenciados entre ellos. El disco gira entorno a un viaje por el espacio, pero no el espacio que nos presenta Star Wars, con música épica orquestada; ese universo más antiguo, esos sónidos artificiales y psicodélicos que predominavan en la ciencia ficción "pre Star Wars". Cuando escucho este disco, oigo una versión actualizada y más jazz-friendly de la psicodelia espacial de los viejos tiempos.
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La primera serie de 4 canciones, iniciada por Nave de Orión, es el mejor arranque que podria tener; mi obra favorita del disco (no por ello son menos talentosas el resto). En estas 4 canciones, definidas como "nueva canción spinetteana", las canta Ale Corvalán con una voz bastante agudas. Canciones muy complejas rítmicamente y con armonías muy pero que muy deliciosas.

La segunda serie, iniciada con Ciencia ficción, sigue más la estela de un R&B bastante actual, es menos psicodélico y más poético. De esta serie destacaria Será Distinto, los primeros 4 segundos ya son espectaculares. En todas las canciones hay solos tremendos, pero el de esta me gusta especialmente.

La tercera serie, iniciada con Cosmonauta, es sin cantante, solo instrumental, mucho más jazzy, y para mi tiene menos chicha que todo lo anterior (no porque sea instrumental, lo he notado algo más monótona).
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Matías Méndez, Pablo González,Tomás Sainz, Sergio Verdinelli, Álvaro Torres, Agustín "Chungo" Roy, Guillermo Klein, Richard Nant, Ramiro Flores, Sergio Wagner, Juan Cruz de Urquiza, Juampi Di Leone, Patricio Carpossi, Alejandro Corvalán, Facundo Monty, Benja López Barrios y Felipe Herrera són los músicos que tocan en este disco, se van rotando en las canciones.

Matías Méndez toca el bajo en todas ellas, es un bajista tremendo, pero TREMENDO. No lo he encontrado en ningún sitio, pero mi profesor me explicó (tomaros esto con pinzas) que Matías es un bajista influenciado por tocar teclados (los quales también toca en Dimensional), y que muchas veces las ideas para el bajo las sacaba desde el teclado; eso entiendo que es dificil de entender si no se es pianista, pero mi profesor me demostró como se podian tocar "muy facilmente" (para un pianista profesional experto xd) el bajo de las diferentes canciones de Dimensional al piano con la mano izquierda, y le da ese toque tan particular. En los solos de bajo se oye especialmente, esa velocidadad y el estilo de notas, las octavas y segun que cromatismos son especialmente fáciles de hacer en piano y destacan mucho en este disco. Y sobretodo por el ritmo tan movido que tiene, que no todos los bajistas suelen realizar.
Y nada más chavales, no me enrollo más porque no es música que yo domine ni pueda analizar más a fondo. Espero que os mole, os dejo las dos canciones que he mencionado que me gustaban más:



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Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Rockorn »

Wholeon escribió:
Matias Mendez - Dimensional
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