Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Foro para hablar de música en general. Grupos, géneros, albums, conciertos, lo que sea.
Avatar de Usuario
Oowada
Sargento
Sargento
Mensajes: 509
Registrado: Jue Oct 17, 2019 11:33 am
Ubicación: Montando ia Electra Tri-Glide
Edad: 32
Género:

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Oowada »

KID FLEX

Imagen

Stefano Fernández es un artista y productor peruano de 19 años que es conocido como KID FLEX. Comenzó su carrera el 3 de Diciembre del 2019 y viene lanzando 1 o 2 canciones por semana hasta la actualidad.




No Necesito Tu Amor

Yeah, yeah...
No necesito tu amor (no necesito tu amor)
No necesito tu amor
Mejor me siento solo
No quiero tu amor
Me esta gustando esta soledad
No quiero tu amor (eh)
Mejor me siento solo
No quiero tu amor
Un poco de verde pa' la soledad
Un poco de verde pa' la soledad
Un par de pastillas para la ansiedad
Llegó el domingo y no quiero contestar
Cara de palo para venirme a hablar
Bájate de tu nube
Me arrepiento chica si te tuve
Aunque de verdad no sé si te tuve
Ahora escúchame por youtube
Las vibras solamente están que suben
Y las cosas te las mando por uber
Sé que te arrepientes pero ya está el daño
Espero que hayas aprendido mucho este año
No te deseo el mal aunque sea necesario
Primero es el amor, lo demás es secundario
Sé que te arrepientes pero ya está el daño…
Imagen
No hace falta valor para apretar un gatillo, pero sí para madrugar cada día y vivir de tu trabajo.
Avatar de Usuario
Wholeon
Teniente Segundo
Teniente Segundo
Mensajes: 1573
Registrado: Jue Ene 14, 2016 3:49 pm
Ubicación: Aimai
Género:
Contactar:

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Oowada escribió:KID FLEX
...
Este post se ha quedado un poco corto como para incluirlo en el índice del primer post. Si puedes añadir algun dato mas sobre Kid Flex, sobretodo mencionar el estilo musical al que mas se adhiere (o si por contra juega con varios)... No creo que cueste mucho encontrar algun dato más, si te animas a añadirlo a tu post, lo añado al índice encantado.
Oowada escribió:
MC VIRGINS
...
Y ya que estamos, este ya está en el índice, pero cabron, que se nota ahí todo el traductor en el párrafo en que explicas sobre ellos xddd si puedes editar las frases rarunas producto de la traducción, mejor.
Ozymandias escribió:[center]Seventh Son of a Seventh Son[/center]
...
<3


Aprovecho este post también para decir que es evidente que el tema se mantiene a flote gracias a que soy un spammer de cuidado, pero nada seria esto si no fuera por los que vais aportando vuestra musica (me gusta también este concepto, la música no es solo de quien la crea, también de quién la escucha, un dia podria hablar sobre esta vertiente de pensamiento). Esta quedando un índice mas que precioso y con musica muy diversa, y estoy muy contento por ello.

Escribo esto porque el tema está cerca de cumplir un año, así que muchas gracias a los que habéis participado y espero que sigais haciendolo. A ver si el año que viene se anima más gente a postear (y en lo que queda de año jeje).

Y finalmente, si has entrado aqui de random y estas leyendo esto, te animo a postear tu musica favorita o aquella que has descubierto hace poco, ya sea enrollandote como un cabron o explicando sencillamente lo que mas te gusta o dar los datos clave para entenderla... Lo que quieras!
Imagen
By Rockcorn
Imagen
Imagen
Avatar de Usuario
Ozymandias
Sargento
Sargento
Mensajes: 566
Registrado: Sab Oct 03, 2020 4:38 pm
Ubicación: Buena pregunta, la verdad

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Ozymandias »

¡Muchas gracias a ti también por crearlo! Este subforo me parece de los más originales que he visto, y con el tiempo se ha ido convirtiendo en uno de mis favoritos. Siempre es agradable pasarse por aquí y encontrar publicaciones tan curradas, sobre todo para los que nos gusta la música. ¡Ojalá haya muchas más en el futuro!
Avatar de Usuario
Ozymandias
Sargento
Sargento
Mensajes: 566
Registrado: Sab Oct 03, 2020 4:38 pm
Ubicación: Buena pregunta, la verdad

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Ozymandias »

Bien, estaba esperando un poco para ver si alguien posteaba y no quedar como un spammer, pero ya han pasado unas semanas y nada, así que allá vamos.
Imagine

Autor: John Lenon
Año de creación: 1971
Género: Rock

John Lenon como solista, y la creación de Imagine.
Spoiler: Mostrar
Tras la separación de los Beatles en 1970, John Lennon comenzó a labrarse una carrera de solista junto a su esposa Yoko Ono. Ese mismo año salió a la luz su primer disco "John Lennon/Plastic Ono Band" que fue muy bien recibido por público y fans, y en el que destacaban las piezas sentimentales, canciones en las que Lennon volcaba todo el amor que sentía hacia Yoko y hacia su madre.

Posterior a "John Lennon/Plastic Ono Band" y con una postura ideológica y política cada vez más firme, Lennon se preparaba para lo que sería "Imagine", su segundo álbum de estudio y el que sería considerado como (Según sus propias palabras) “el mayor regalo musical para el mundo” que podría entregar Lennon. En 1971 vería la luz el disco, esta vez con una inclinación mucho más ideológica, dejando ver el pensamiento liberal y hippie de Lennon en canciones como "Working Class Hero" o "Gimme some truth". Sin embargo, habría una canción que destacaría inmediatamente entre las demás.
Imagine
Spoiler: Mostrar
Esta canción, que es sin duda una de sus más conocidas, aísla perfectamente el pensamiento liberal de la época y del propio Lennon. Para encontrar varios ejemplos de esto, basta con echarle un vistazo a la letra.
Imagine there's no heaven
It's easy if you try
No hell below us
Above us only sky
Imagine all the people living for today

Imagine there's no countries
It isn't hard to do
Nothing to kill or die for
And no religion too
Imagine all the people living life in peace, you

You may say I'm a dreamer
But I'm not the only one
I hope some day you'll join us
And the world will be as one

Imagine no possessions
I wonder if you can
No need for greed or hunger
A brotherhood of man
Imagine all the people sharing all the world, you

You may say I'm a dreamer
But I'm not the only one
I hope some day you'll join us
And the world will be as one
Imagine está considerada como una de las mejores canciones de Lennon, no tanto por su letra, o ritmo sino por su facilidad para transmitir un mensaje. La trascendencia de Imagine está en el poder de la música sobre la sociedad, en el poder de la música sobre las ideas. En la esperanza que demuestra Lennon, al saber que su mensaje todavía no es aceptado totalmente, y a lo mejor nunca lo será, pero que aún así se mantiene viva en una canción que, al contrario que él, y como las ideas, es inmortal.
Avatar de Usuario
Oowada
Sargento
Sargento
Mensajes: 509
Registrado: Jue Oct 17, 2019 11:33 am
Ubicación: Montando ia Electra Tri-Glide
Edad: 32
Género:

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Oowada »

Serge Maquina del tiempo




LETRA
Spoiler: Mostrar
Imagen

Imagen
Imagen
No hace falta valor para apretar un gatillo, pero sí para madrugar cada día y vivir de tu trabajo.
Avatar de Usuario
oscario
Contraalmirante
Contraalmirante
Mensajes: 4153
Registrado: Jue Oct 29, 2009 3:01 pm
Ubicación: Isla Lágrima
Edad: 27
Género:
Contactar:

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por oscario »

Ya vienen los Reyes Magos ya vienen los Reyes Magos...

Wholeon escribió:El honorable Capitan Tragedias nos puede dar su visión mucho mejor que la mía sobre las épocas artísticas más recientes.
Quería traer este post como regalo de Reyes, pero escribiéndolo me he sentido tan pleno que no he podido evitar contenerme, y viendo las palabras nuestro director de orquestra pastelón, tampoco he podido seguir ignorando mi invitación a este tema. Así que, sin más dilación, os invito a disfrutar de lo que os traigo a continuación...

[center]4.33 (1952) de John Cage: música experimental contemporánea y Neo-Dada[/center][/b]

Primero de todo vamos a escuchar la pieza en cuestión: 4.33 (1952) del compositor estadounidense John Cage a cargo del pianista William Marx. Adelante, tomen asiento...
...

...

Pero bueno… ¿Qué ha pasado aquí? ¿Dónde está la música? ¡El interprete se sienta delante del piano y no toca nada! ¡Esto no es música ni es arte! Estarán ustedes pensando... reacciones normales que también tuvo el público y la crítica de aquel momento y que aún perduran hasta nuestros días fácilmente, más permítanme explicarles que nos esta proponiendo John Cage con esta obra y sus implicaciones en la historia de la música contemporánea.

Contexto de la obra: Neo-Dada y Budismo Zen

Nos trasladamos a 1952, en el contexto académico de la Universidad de Black Mountain (Carolina del Norte), fundada en 1933 con el arte como núcleo conductor de su programa de estudios y donde John Cage, músico, compositor y artista paradigmático del movimiento Neo-Dada (y más adelante el Fluxus), era profesor de música y arte. En ese año, Cage junto a otros colegas y profesores como el pianista David Tudor, el pintor abstracto Robert Rauschenberg o su pareja sentimental y bailarín Mercé Cunningham empezaron a desarrollar una nueva línea de experimentación vanguardista que transformaría el mundo del arte contemporáneo y también el de la música: el nacimiento de la performance, el arte de acción, como lenguaje artístico experimental, denominado entonces como event. ¿Qué es, en resumidas cuentas, un event? Pues podemos considerarlo una obra de arte o expresión artística efímera, delimitada en el tiempo pero planificada y de autoría compartida que busca implementar el hecho, la vivencia, dentro del marco artístico. Un ejemplo de esta tipología artística lo tenemos en Theater Piece n.º 1 (1952), el “primer” event de la historia que consistió en diversas intervenciones y elementos planificados (David Tudor tocando el piano, John Cage dando una conferencia/recital, pinturas de Rauschenberg colgadas en la sala… es decir un planeamiento artístico “multimedia”) en un espacio previamente preparado que formaban un campo continuo de expresiones artísticas en las que ninguna de las intervenciones salía especialmente privilegiada y se acumulaban diversos discursos que interactuaban entre sí, produciendo una sinestesia de sensaciones, una fusión entre cuerpo y música.

La pieza 4.33 se enmarca dentro de ese contexto de efervescencia artística, y para entender bien las implicaciones detrás de esa nueva línea artística que estaban desarrollando Cage y sus contemporáneos es menester hacer hincapié en dos precedentes y factores clave: la génesis del movimiento Neo-Dada, que parte de un encuentre entre Cage y sus amigos con el artista europeo Marcel Duchamp, antiguo cubista y uno de los Dadaistas “originales”, y el interés por el budismo Zen y otras escuelas de pensamiento oriental que Cage desarrolló a finales de los años cuarenta. Por un lado, John Cage conoció a Marcel Duchamp en 1941, en lo que el consideró un encuentro de “afinidades espirituales” ya que su arte (o mejor dicho, el concepto de ready-made de Duchamp) le sirvió de inspiración para iniciar el movimiento Neo-dadaista, es decir, un movimiento de espíritu anti-arte, contrario a la tradición artística, su mercado y marco institucional. Esta actitud hostil ante el mundo del arte es un matiz clave para entender las propuestas de Cage y otras expresiones del arte contemporáneo de aquellos años y parte precisamente de un contacto y recuperación de la herencia artística que dejó Marcel Duchamp.

No voy a entrar a fondo en quien fue y que hizo Marcel Duchamp porque es entrar básicamente en el padre del arte conceptual y por extensión del arte contemporáneo, pero por ahora nos tenemos que quedar con su idea de ready-made (object trouve en francés, ligado también con el concepto surrealista flaneur, el caminante moderno que se encuentra cosas por azar), es decir, una obra de arte que consiste en la reutilización de objetos aparentemente banales y cotidianos para convertirlos en una obra de arte, donde predomina el concepto, la idea de fondo y la intervención del artista o selección del objeto para transmitir esa idea más que el resultado estético o formal en sí. El clásico ejemplo paradigmático de que es un ready-made lo encontramos en la fuente (1917) de Duchamp, un urinario que Duchamp coge de cualquier otro contexto, firma con un pseudónimo inventado (R. Mutt) y te la empotra en la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes como una obra cualquiera más, produciendo una banalización y crítica desde múltiples frentes: una banalización del artista como genio único (Duchamp con el pseudónimo se inventa un artista que no existe), una banalización de lo que es el arte en sí y sus lenguajes (ha expuesto un puto urinario en el que Duchamp sólo ha firmado), por tanto también de la exposición/museo/institución (si un museo/exposición acoge un urinario en sus colecciones… ¿el urinario pasa a ser automáticamente arte?) del mercado (si el museo acoge al urinario como obra de arte… ¿Cuánto vale el urinario? ¿lo mismo que otras obras de arte? ¿Cómo cojones capitalizamos el urinario?) y del público (uggh ¡Vaya chiflado el artista exponiendo un urinario! ¿se ríe de nosotros?).
Imagen
Imagen
¿Dónde encaja todo este espíritu y herencia de Duchamp en el ideario de los Neo-Dadaistas de Cage? Pues porque el Neo-Dada surge como contra-cultura del mundo del arte estadounidense de posguerra, regido por el expresionismo abstracto (artista como Jackson Pollock o Mark Rothko entre otros) como movimiento pictórico elitista aupado por la high de la sociedad americana del “American Way of Life”, su mercado y su crítica. Cage comparte la hostilidad Duchamp de atacar la idea del artista como genio único, su pensamiento sujectivo de raíz romántica y el marco elitista que ha configurado el arte, como su tradición, mercado o instituciones. Sin embargo, Cage adopta una posición más espiritual y basada en buscar inspiración en el mundo exterior, y es aquí donde entra la relevancia del budismo Zen. Sin entrar tampoco en muchos detalles de que es el Zen y sus diferentes sectas (porque si no nos volveríamos locos), Cage ve en las enseñanzas del Zen un método para que el artista se abra a la vida exterior y obtenga un conocimiento espiritual y holístico del mundo (la iluminación o satori) siguiendo un proceso cotidiano donde también entra el koan (azar universal). De aquí Cage se queda con la idea de hacerse uno con el mundo a través de la liberación del espíritu, o lo que es lo mismo, hacer el silencio para que aparezca el ruido, siendo inmóvil para poder integrarte con el mundo exterior, unos preceptos que constituyen la base de sus planteamientos musicales y también constituyen un posicionamiento anti-teórico contrario a la razón y el intelecto.
Imagen
Análisis de la pieza

Una vez expuesto todo el rollo anterior toca entrar en 4.33, una pieza en la que Cage sigue trabajando con el silencio y su vinculación con el budismo Zen. Como habéis podido ver en el vídeo, la pieza consta de 3 movimientos, en los que el pianista va cerrando y abriendo la tapa del piano según acaban y empiezan los movimientos al mismo tiempo que va cronometrando cada uno de ellos. Esta situación genera inquietud, estupefacción y desconcierto entre el público, que empieza a ponerse nerviosa, y entre ese silencio podemos escuchar el todo de la vida, como si se tratara de un ready-made la propia existencia que, con esta pieza, entra en el mundo del arte. La obra busca que aprendamos el silencio pero para negarlo, para dejar en evidencia que ese silencio no existe y que siempre hay algún elemento que aporta sonido, dicho de otro modo, el silencio da paso a la música de la vida, una música liberada del control del instrumento y la tutela del músico. Para explicar esta “música de la vida” Cage se apropia del concepto All Over utilizado por Pollock para expresar que toda la tela de sus obras esta llena de pintura (rompiendo así la idea de planos y perspectivas), pero Cage lo utiliza para indicar que su 4.33, al ser un profundo silencio, integra toda la existencia del mundo, filosofía que también seguía Rober Rauschenberg (otro de los artistas Neo-Dada) con sus White Paintings que también simbolizaban el silencio como hecho pictórico que recogía sombras o polvo, como si fuera un lienzo en blanco del mundo real.
Imagen
En conclusión, John Cage con su 4.33 nos introduce diversas cuestiones que marcarán el desarrollo de la música contemporánea principalmente desde un enfoque más vanguardista y experimental, pero también con implicaciones dentro del ámbito pop y comercial. Por un lado, Cage compone una pieza que deconstruye algunos de los principios universales de la música como son el silencio, los tiempos y el gesto del músico ofreciendo una relectura espiritual y holística de ellas. Particularmente en el caso de la intervención del músico, el espíritu de la obra enfatiza la idea de la colectividad en el arte y la autoría compartida, en la que la actuación del interprete y el resultado de la pieza están supeditados a la recepción del público presente en la actuación, lo que también introduce ciertos factores de azar e improvisación, propios del ideario artístico de movimientos como el Dadaismo y el Surrealismo que, en esencia, hacen a John Cage uno de los padres de la música aleatoria o indeterminada. Así mismo, 4.33 nos propone una nueva manera de hacer y entender la música que ataca y rechaza formas tradicionales y el establishment del mundo del arte de aquellos años, revalorizando diferentes lenguajes artísticos y la interrelación de todos ellos bajo el concepto de event, tales como la performance, la interpretación o la propia música.
Imagen
Imagen
So what if you can see the darkest side of me
No one will ever change this animal I have become
Avatar de Usuario
Wholeon
Teniente Segundo
Teniente Segundo
Mensajes: 1573
Registrado: Jue Ene 14, 2016 3:49 pm
Ubicación: Aimai
Género:
Contactar:

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Ozymandias escribió:...Imagine...
No puedo hacer más que darte las gracias por la constancia que vas mostrando en este tema (además vas cubriendo unos géneros musicales que no se estaban tratando demasiado, como el metal y el rock más "clásico"). No te preocupes por hacer bombardeo de posts, a no ser que hagas muchos posts en un mismo día claro. Las normas del foro del spam estan para eso, para no hacer spam, pero precisamente si escribes tochos con contenido y con varios dias de margen en un mismo tema, creo que podemos hacer la vista gorda (yo he llegado a hacer quintuple post en este tema). Sino que algun moderador me venga a echar la bronca por saltarme la constitución foril o algo xd
Oowada escribió:...Serge Maquina del tiempo...
Sabes que no tengo ningún problema con los posts cortos ni con ningún estilo musical, faltaria más, estamos aquí para descubrir. Pero de verdad, si no encuentras información de ningún tipo sobre la música (como es este caso) o no tienes demasiado tiempo para escribirla, no pasa nada, posteala en Qué estás escuchando, no lo hagas en este tema solo por nuestra brillante amistad xddd. Cuando hagas algun post con algo de contenido, de nuevo te lo digo y será la última vez, un servidor encantado de añadirlo al índice del primer post.
oscario escribió:...4.33...
Y este es uno de esos posts que ahuyentan al 99'9% del foro, pero yo soy el 0'1% restante si no se me han atrofiado demasiado las mates. Apenas me sonaba John Cage y ni sabía que hizo, ha sido muy interesante leer este post sobre música puramente vanguardista.

Es curioso porque, en la subcultura minoritaria que es la música académica contemporánea, está super de moda toda esta sinestesia de artes. Ahora mismo, un músico contemporáneo no solo piensa en la música, piensa en la performance, en la iluminación, en las imágenes, en los vídeos, en las actuaciones y la relación entre el público y el artista (por fin). Un músico actual no puede saber solo de música, y ha sido muy interesante descubrir que John Cage & Company fueron los pioneros en esto.

Pues nada chavales, gracias por pasaros, tenía un post a medio hacer por ahí en la despensa pero llevo unas semanas bastante reventado de la música (la odio con todo mi alma), cuando saque ganas volveré al turrón, no quepa duda.
Imagen
By Rockcorn
Imagen
Imagen
Avatar de Usuario
Arpegio
Oficial Técnico
Oficial Técnico
Mensajes: 1185
Registrado: Jue Jun 30, 2016 12:15 pm
Ubicación: Bajo la sombra de un molino
Edad: 29
Género:

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Arpegio »

Perdón por tardar tanto. Soy lentito. Y con lo mal que me expreso no creo que le haga justicia al disco del que voy a hablar, pero bueno.

Master of Puppets

Voy a hablar un poco de Master of Puppets, tercer álbum de estudio de la banda de Thrash metal (subgénero del heavy metal) estadounidense Metallica, centrado en la alienación y la opresión humana. Es el último álbum hecho con el bajista Cliff Burton, ya que murió en la gira del disco en un accidente en el autobús en el que iban de gira. El disco se compone de ocho canciones con un estilo distorsionado, rápido y duro, característico del Thrash metal. Es considerado uno de los mejores álbumes de Heavy metal de la historia, y ha influenciado ampliamente a artistas posteriores.

Enlace al álbum completo aquí.

Las canciones que componen el álbum son las siguientes:

1. Battery: Canción que abre el disco, comenzando con guitarras acústicas a un tempo lento pero acelerando súbitamente para mostrar el estilo del disco. Trata sobre la energía de los fans en un concierto, y el título se refiere posiblemente a una batería de artillería. Letra y significado aquí.

2. Master of puppets: Da nombre al disco y es una de las canciones más conocidas y mejor consideradas no sólo de la banda, si no del género. Es la canción más larga del album y tiene un interludio lento y melódico a media canción y compases de amalgama en buena parte de la misma. Trata sobre la adicción a las drogas. Letra y significado aquí.

3. The thing that should not be: Está inspirada en la mitología de Lovecraft (que a Wholeon le encanta :wink: ), concretamente a La sombra de Innsmouth, y es considerada como la más pesada del álbum. Letra y significado aquí.

4. Welcome home (sanitarium): Trata sobre la locura y alude a las sensaciones de estar encerrado en un manicomio. Tiene una introducción lenta que va volviéndose más agresiva según avanza el tema. Letra y significado aquí.

5. Disposable heroes: Canción de clara temática antibelicista que contrapone los puntos de vista de un soldado y sus mandos en una batalla. Una de las canciones más intensas y de tempo más rápido del álbum. Letra y significado aquí.

6. Leper Messiah: Trata sobre la hipocresía y el dogmatismo religioso. El tono y dureza de la canción aumentan progresivamente según avanza. Letra y significado aquí.

7. Orion: Canción instrumental compuesta por Cliff Burton, tocada en su entierro y dedicada a él desde entonces. Tiene varios cambios de ritmo y tempo, al igual que varios solos, y un tono 'espacial' que le da título, siendo una de las canciones con más variaciones de la banda. Letra y significado aquí.

8. Damage, Inc.: El cierre del álbum, que trata sobre la violencia y destrucción sin sentido. Comienza con acordes de bajo invertidos para saltar a un riff rápido.
Letra y significado aquí.

Espero que mi aportación os guste :ok:
Un perro voraz que ha navegado en dos barcos distintos.
Avatar de Usuario
Ozymandias
Sargento
Sargento
Mensajes: 566
Registrado: Sab Oct 03, 2020 4:38 pm
Ubicación: Buena pregunta, la verdad

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Ozymandias »

No puedo hacer más que darte las gracias por la constancia que vas mostrando en este tema (además vas cubriendo unos géneros musicales que no se estaban tratando demasiado, como el metal y el rock más "clásico").
¡Muchas gracias! La verdad es que, como ya he dicho en otras ocasiones, siempre es un verdadero placer pasarse por este subforo, y por mi parte, haré todo lo que pueda para ir aumentándolo más. Dicho esto, aquí va uno de los discos más míticos del que probablemente sea mi cantante favorito.

[center]The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars[/center]
Imagen
Autor: David Bowie
Año: 1972
Género: Glam rock, Pop rock

¿Quién es David Bowie?
Spoiler: Mostrar
David Robert Jones, más conocido por su nombre artístico David Bowie fue un músico y compositor británico de rock, nacido en 1947 y que murió en 2016. Es considerado una de las figuras musicales más importantes de las últimas cinco décadas, además de un innovador que transformó por completo lo que era la música rock (al menos el glam) gracias a sus continuas transgresiones y a su increíble voz que alcanzaba todo tipo de registros. Pero no sólo su voz, el propio David Bowie también tocaba todo tipo de registros. A pesar de empezar en el rock, a lo largo de su carrera David Bowie fue saltando de un género a otro: glam rock, soul, funk, blues, electrónica… Pocos fueron los estilos que no tocó en un momento u otro. Y menos fueron todavía los que no tocó bien, o en los que no introdujo ninguna innovación.
Si algo queda claro tras ver su carrera, es que David Bowie amaba la música. Prueba de ello es su discografía, compuesta de 25 álbumes de todo género y clase, el último estrenado pocos días antes de su muerte.

Además de su música, otro elemento emblemático de David Bowie es su imagen: Era normal que se vistiera de maneras excéntricas y llamativas, generalmente difuminando la línea entre lo masculino y lo femenino, algo para lo que se servía de su figura andrógina. Era tal la relación con su ropa, que llegó a crear casi un estilo propio, hasta el punto de diseñar su propia ropa, que ha llegado a alcanzar tal punto de estatus cultural que algunas de sus prendas se exhiben en exposiciones en museos. Algunos de sus elementos han llegado a convertirse en verdaderos símbolos, como el maquillaje del rayo rojo y azul que muestra en la portada de Aladdin Sane, que es sin duda su prenda más característica, al estilo de la lengua de los Rolling Stones.
Imagen
Imagen
Imagen
Imagen
Y por supuesto, a todo este diseño se suman sus ojos. Esos ojos de distinto color que se convirtieron casi inmediatamente en su sello personal y que, por supuesto, él aprovechó inmediatamente para reforzar aún más su estética. Dato curioso, en realidad ambos ojos son verdes. Lo que sucede es que, de joven, un amigo le dio un puñetazo en un ojo en una pelea por una chica, y la pupila se le quedó permanentemente dilatada, por lo que en todas las fotos parece de otro color (La versión de David Bowie es que le cayó una estrella en el ojo).
Imagen

¿Y fuera de la música? Pues la verdad es que en este aspecto tampoco se quedaba corto. A lo largo de su vida, David Bowie tocó de un modo u otro casi todas las artes, aunque las más notorias (fuera de la música, por supuesto) fueron el cine y la pintura.

En el cine, participó como actor principal en varias películas, además de varios cameos en series y cortos. Entre sus películas, sus papeles más importantes (en mi opinión) son los siguientes:
  • Jareth the Goblin King – Labyrinth
Posiblemente su papel más famoso. En esta cinta de fantasía infantil Bowie tomaba el papel de Jareth, el antagonista principal, que secuestra al hermano pequeño de la protagonista. Bowie está absolutamente deslumbrante en su papel como Jareth, robando cada minuto que aparece en pantalla con su carisma, y cómo no, no podía faltar un número musical.
Imagen

  • Nikola Tesla – The Prestige
En esta película histórica, Bowie interpreta al famoso inventor croata Nikola Tesla. Si bien su papel es secundario, vuelve a acaparar cada segundo en pantalla. Aquí nos muestra hasta dónde puede llegar su capacidad de actuación, llegando a fingir un acento de Europa del este bastante convincente (Al menos para mí), y haciendo, en general, una interpretación impecable.

  • Thomas Jerome Newton – The Man who Fell to Earth
Y llegamos a su primer papel, y aquel que creo que le viene mejor. Y es que esta película la hizo poco después de sacar The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, y la trama es casi copiada a la del disco. Aquí Bowie interpreta a un extraterrestre que llega a la tierra en busca de agua para su planeta. Sin embargo, y por una serie de circunstancias, acabará siendo músico. Lo que son las cosas.


Si bien, tras ver sus películas, nadie puede negar que Bowie es un actor más que decente, posee una tacha que le persigue durante toda su carrera actoral. Y es que, es tal su fama, que cuando lo vemos no podemos dejar de sentir que no estamos viendo a un personaje, sino que estamos viendo a David Bowie interpretar a un personaje. Un pequeño detalle que nos aleja de la interpretación, y que hace que no nos involucremos tanto en ella.

Respecto a la pintura, David Bowie pintó decenas de cuadros a lo largo de su vida, la mayoría autorretratos y recuerdos de su infancia. La verdad es que no sé mucho de esto, así que voy a dejar que juzguéis por vosotros mismos. Podéis encontrar varios en este enlace.
https://culturainquieta.com/es/arte/pin ... bowie.html

Tras ver todo esto, no nos queda duda de quién fue David Bowie. Un hombre absolutamente transgresor y revolucionario, que cambió todo lo que tocaba. Uno de los grandes músicos del siglo pasado. David Bowie fue, en el completo sentido de la palabra, un artista.
Sus alter ego
Spoiler: Mostrar
Ya hemos visto la relación tan particular que David Bowie tenía con su estética. Y también veremos ahora que no sólo su ropa, David Bowie diseñaba también varias personalidades (o alter egos) que, lejos de ser simples disfraces, mantenía en todo momento, como si fueran partes habituales de su personalidad, algunos hasta durante años. Se valía de estos alter egos para crear estéticas y sonidos propios, y saltar de unos a otros con total libertad. Tuvo bastantes, pero los principales son 4, cada uno con su propia estética, historia y estilo musical.
  • Hunky Dory
Imagen
  • Ziggy Stardust
Imagen
  • Aladdin Sane
Imagen
  • The Thin White Duke
Imagen

Y del segundo (y probablemente más conocido) es de quien hablamos hoy. O mejor dicho, de su disco.
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars
Spoiler: Mostrar
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars, (o Ziggy Stardust, para abreviar) es el quinto disco de David Bowie y en él se introduce en la piel de Ziggy Stardust, un extraterrestre bisexual de imagen andrógina que viene a la tierra con su banda de rock The Spiders from Mars, a anunciar a los humanos que faltan cinco años para que la tierra desaparezca, tras lo que decide convertirse en un “mesías del rock” para salvarnos a todos de la destrucción. (Os prometo que no es lo más raro que tiene Bowie)
A lo largo de sus 12 canciones, el álbum nos cuenta la historia de Ziggy, dividida entre las caras A y B (Este disco se editó originalmente en vinilo)

Cara A:
- «Five Years» (4:42): La primera canción anuncia que la Tierra está condenada a la destrucción en cinco años debido al agotamiento de los recursos naturales y Ziggy decide cantar sobre ello para concienciar al mundo.
- «Soul Love» (3:34): Hace referencia a varios tipos de amor: el amor hacia las personas queridas que han muerto (stone love), el romántico (new love) y el religioso (soul love).
- «Moonage Daydream» (4:39): Ziggy se presenta como el invasor del espacio que quiere salvar al mundo transformándose en una «rock'n'roll bitch».
- «Starman» (4:13): Fue el primer sencillo del álbum y una de las canciones más conocidas de Bowie. En ella se narra cómo un extraterrestre contacta con los jóvenes por la radio para prometerles la salvación a pesar de que el mundo no está preparado para su mensaje. Según Bowie, es una canción repleta de mentiras que Ziggy escribió para que los habitantes de la Tierra le siguieran.
- «It Ain't Easy» (2:57): Es la única canción del disco no compuesta por Bowie, ya que se trata de una versión de una composición del músico estadounidense de blues Ron Davies que pone de manifiesto las dificultades que hay en el camino hacia el estrellato.

Cara B:
- «Lady Stardust» (3:19): Balada con el piano como instrumento protagonista en la que Ziggy comienza a travestirse en el escenario provocando la admiración del público.
- «Star» (2:47): Bowie escribe sobre el deseo de Ziggy de ser una estrella del rock'n'roll.
- «Hang On to Yourself» (2:38): Ziggy y los Spiders from Mars están en la cumbre del éxito y tienen a sus pies a muchos admiradores que buscan relaciones sexuales con ellos. El riff de la canción está inspirado en los del músico rockabilly Eddie Cochran.
- «Ziggy Stardust» (3:13): Es la canción que cuenta la historia principal de Ziggy y, junto a «Starman» la más conocida del disco. En ella, Ziggy comienza su decadencia y decide disolver The Spiders from Mars a causa de su ego. Hay una probable referencia a Jimi Hendrix al referirse a la cualidad de zurdo del guitarrista Ziggy.
- «Suffragette City» (3:24): Después de la ruptura con su grupo, Ziggy deja de lado sus propósitos y su vida anterior y solo se interesa por el sexo y las drogas.
- «Rock'n'Roll Suicide» (2:58): El disco finaliza con Ziggy tocando fondo y convirtiendo su vida en un rock'n'roll suicida. Los primeros versos de la canción están inspirados en un poema de Manuel Machado, cuyo primer verso es «La vida es un cigarrillo...»
El disco fue un éxito inmediato, catapultando definitivamente a Bowie a la fama. Por supuesto, a otros no les gustó nada, y tacharon al disco de “profundamente inmoral”, pero una cosa estaba asegurada: El nombre de David Bowie había subido a lo más alto. Y allí se mantendría durante mucho, mucho tiempo.
¡Y ya está! ¿Que os ha parecido? David Bowie ha sido siempre uno de mis cantantes favoritos, y este subforo me parecía ideal para darlo a conocer. En el futuro tengo pensado reseñar aquí más de sus discos, aunque, como este ha sido el primero, ha sido casi más presentación de Bowie + disco. ¡Espero que os haya gustado!
Avatar de Usuario
Wholeon
Teniente Segundo
Teniente Segundo
Mensajes: 1573
Registrado: Jue Ene 14, 2016 3:49 pm
Ubicación: Aimai
Género:
Contactar:

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Pues nada, que me habéis animado a hacer un post. En mi breve incursión por el jazz (que espero que sea menos breve los próximos meses) descubrí muchas joyas, entre ellas esta.

[center]John Coltrane – Olé Coltrane[/center]
Imagen
Géneros: Jazz-Flamenco, Música Modal, Hard-Bop, Post-Bop, Jazz De Vanguardia.
Año: 1961
Duración: 46’


Cuando he escuchado Olé Coltrane, sobretodo con la primera canción (Ole), he escuchado la conjunción perfecta entre el jazz y el flamenco.

Se trata de un álbum hecho con un grupo reducido de músicos (como era bastante habitual en Coltrane), concretamente los siguientes:

John Coltrane al saxofón, Freddie Hubbard a la trompeta, Eric Dolphy a la flauta, McCoy Tyner al piano, Reggie Workman y Art Davis a los bajos y Elvin Jones a la batería.

CONTEXTO DEL DISCO: JAZZ MODAL Y JOHN COLTRANE
Spoiler: Mostrar
Mientras en 1960 el franquismo hacia sus esfuerzos por aparentar que España era un país moderno, consiguió serlo, pero no por lo que ellos intentaban sino por su arte y su música, que lejos de ser amado en las altas esferas del país, lo fue en el extranjero. Durante varios años pues, el folclore español fue curiosamente muy presente en diversos estilos musicales que se desarrollaban en aquellos momentos, sobre todo en el jazz. Los mismos Gil Evans y Miles Davis eran fanes del Concierto de Aranjuez (Joaquín Rodrigo, 1939) y de hecho, Olé Coltrane se crea dos años después de Sketches of Spain (1960, Miles Davis), de la misma temática como bien dice su nombre, española. Se diferencian rápidamente los estilos de ambos discos, pues Davis tenia a su disposición una big band mientras que Olé Coltrane es un pequeño grupo de músicos (no tocan más de 4 o 5 a la vez).

Era también una época en que el jazz cada vez estaba más en conjunción con los modos musicales siendo una gran fuente de nuevas melodías e improvisaciones (de hecho, el estilo de la música flamenco no deja de ser una música basada en el Modo Frigio). El uso de los modos musicales en el jazz concibió un subestilo propio, el Jazz Modal.

Para John Coltrane era una época en la que se estaba catapultando hacia el estrellato musicalmente, hasta ahora había estado siempre un poco “a la sombra” de Miles Davis, formando parte de algunos de sus proyectos, pero en 1961, el sello discográfico Impulse! Le contraria para producir regularmente diversos discos, entre ellos el atemporal A Love Supreme (1965), un hito del jazz. Coltrane registra Olé Coltrane dos días después de África/Bass (esto se dio porque Olé Coltrane era el último proyecto que tenía con su anterior discográfica, Atlantic Records y África/Bass el primero con Impulse!) y se nota cierta influencia de un estilo que asociamos al “árabe” en la cara B del disco, con Dahomey Dance y Aisha; por muchas ganas que le eche uno, dos álbumes grabados en un lapso de tiempo de dos días pues muy distintos en estilo no serán y de hecho, muchos melómanos los consideran complementarios.

Ambos discos de Coltrane son vanguardistas y experimentales dentro del jazz y concretamente el jazz modal, tanto a nivel armónico como rítmico (inspirándose como llevo diciendo todo el post, en el flamenco).

Hasta ahora, he hecho un resumen de las siguientes dos reviews, quizás en ellas encontréis más información de vuestro gusto:
https://hipersonica.com/criticas/el-ole-de-coltrane/
https://unplanetadesonidos.com/1961-ole ... -coltrane/
PISTAS DEL DISCO
Spoiler: Mostrar


“Olé” 18:17 – Sin lugar a dudas, mi pista favorita del disco. Dura casi 20 minutos, y podría durar 3 horas más que lo escucharía con las mismas ganas. Es jodidamente hipnótico todo el ritmo que lleva, todo el bajo, como va modulando las melodías, como aparecen instrumentos y desaparecen. Es la pista donde se nota más el Flamenco, de hecho, es puro flamenco con instrumentos de jazz. No sé que más decir para expresar lo orgásmico que es la verdad.



“Dahomey Dance” 10:53 – Es quizás demasiado flojilla cuando comparas con la anterior, pero no deja de ser una pista de 11 minutos que pasa volando y que no pierde su interés en ningún momento. Como curiosidad, Dahomey fue un antiguo Estado africano que tenia un ejército de mujeres soldado (conocidas como “amazonas de Dahomey”). Por desgracia el estado era también un centro de trata de esclavos, como la mayoría de estados africanos lo acabaron siendo en un momento u otro. Más info de esto por si hay interés. Todo esto para reiterer en la influencia de África/Bass claro.



“Aisha” 7:40 – Escrita por McCoy Tyner, (pianista del John Coltrane Quartet y con toda una carrera en solitario). Aisha es también un nombre propio árabe muy popular, un nombre de niña que significa “viva” o “llena de vitalidad”. Y lo encuentro un nombre de lo más apropiado la verdad, esta es mi segunda pista favorita del disco, la encuentro absolutamente preciosa.



En 1989 se incorporó un “bonus track”, “To Her Ladyship” 8:54 - Escrita por Billy Frazier y que personalmente, no me ha atraído demasiado.
Imagen
By Rockcorn
Imagen
Imagen
Avatar de Usuario
Togari
Cabo
Cabo
Mensajes: 353
Registrado: Vie Jun 03, 2016 11:13 am

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Togari »

Bueno, pues voy a hacer mi primera reseña de un gran disco, el cual tiene detras una bonita historia, el primer y unico disco en solitario del compositor Migue Benitez. Pero primero, creo necesario poner un poco en contexto sobre quien fue Migue Benitez, el cual es mas conocido como el cantante del grupo de Flamenco Rock "Los Delincuentes".
Los delincuentes fue un grupo formado inicialmente por Migue Benitez y Marcos del ojo en Jerez en 1998, cuando apenas contaban con 15 años. Posteriormente se les uniría el profesor de guitarra de Migue, Diego Pozo, el cual adquiriría las labores de lead Guitar en la banda.
Con una clara influencia del grupo Pata Negra(formado por Kiko Veneno, Raimundo Amador y Rafael Amador) el grupo exploro y expandió aquella fusión de flamenco, rock, funk y punk que en su dia se inicio con el disco Veneno. Tras dos grandes discos, donde destacan grandes temas como el aire de la calle, el grupo se consolidó como uno de los grupo revelación mas impactantes del panorama nacional.
Sin embargo, a principios de 2004, Migue Benitez dejó la banda para ingresar en una clínica de desintoxicación. Es ahí, donde se empezó a gestar este disco, el cual pondré a continuación.

Desgraciadamente, en Junio de 2004, Migue Benitez murió de una afección cardiaca mientras dormía, a los 21 años, dejando solo las maquetas de lo que su pequeño sueño de un disco en solitario podria ser. Sin embargo, gracias a la labor de su hermano, y a la de el resto de la banda de los delincuentes, se logró acabar el disco.
A continuación, adjuntaré algunos de lso temas que mas me parecen a destacar, auqnue el disco en si, me aprece una joya.
La mas flamenca de todas, pro desgracia no pudo ser grabada con la voz original de migue benitez.

Una muy intima, con claras influencias de Rock y Funk

una preciosa canción dedicada a su familia
Si vis pacem para bellum
Avatar de Usuario
Oowada
Sargento
Sargento
Mensajes: 509
Registrado: Jue Oct 17, 2019 11:33 am
Ubicación: Montando ia Electra Tri-Glide
Edad: 32
Género:

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Oowada »

The Real Mckenzies

Imagen

The Real McKenzies es una banda punk escocesa de influencia celta fundada en Vancouver, Canadá, en 1992. Además de la escritura y la realización de música original, Real McKenzies resucita canciones tradicionales escocesas, dándoles un nuevo sonido influenciado por el punk.
Miembros

Paul Mackenzie
"Dirty" Kurt Robertson
“Aspy” Luis Cao
"Little" Joe Raposo
Sean Sellers
Mark "Bone" Boland


Spoiler: Mostrar
Catch Me.

Ask me if I'm feeling fine
Sleeping in these boots of mine
Standing straight up passed out in the Hall
I'm waiting in a pool of tears
Slewing words nobody hears
Because I am conversing with the Wall
So please catch me when I fall!
Catch me when I fall!
Do me a favour and catch me when I Fall!
Yeah do me a favour and catch me when I Fall!
My legs are bending at the knees
I'm seeing things nobody sees
Don't know my name perhaps it's may be 'Paul'
Trapped in a drunken travesty
Battling with gravity and
Feeling like I'm standing ten feet tall
So catch me when I fall!
Catch me when I fall!
Do me a favour and catch me when I Fall!
Yeah do me a favour and catch me when I Fall!
I know today I will not change
And in the future I will mix my
Spirits in the way their meant to be
Time stands still it's on the run and
I shall be the drunken one so if you will please
Catch me when I fall!
Yeah do me a favour and catch me when I Fall!
Yeah do me a favour catch me when I Fall!
Oh won't you please catch me when I Fall!
Catch me when I fall!
Imagen
No hace falta valor para apretar un gatillo, pero sí para madrugar cada día y vivir de tu trabajo.
Avatar de Usuario
Drag
Teniente
Teniente
Mensajes: 1916
Registrado: Sab Mar 28, 2015 1:42 am
Ubicación: Pedo
Edad: 28
Género:
Contactar:

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Drag »

Symbolic

Imagen

Artista: Death

Géneros: Tecnical Death Metal,Progressive Metal

Duración: 50:37


Con todos ustedes caballeros, los creadores de un género totalmente novedoso en su época, derivativo del thrash metal, el death metal. Como el thrash, se basa en un sonido fuerte y metálico, unas guitarras con unos riffs aplastantes a velocidades de vértigo y una batería que le sigue o le supera el ritmo. Influyentes a allá por los 80, fueron conocidos por tener un sonido propio que marcó a muchos grupos, decididos a tocar la misma música que les habia enamorado, con esos guturales tan pronunciados y esa complejidad musical más allá del thrash. A lo largo de los años, fueron surgiendo bandas como Opeth, Morbid Angel( Esta última podía considerarse que estableció el género en paralelo junto a Death y Possessed), Incantation o Bolt Thrower.

Nos plantamos en 1995, el año de salida de lo que iba a ser una de las obras maestras de la música contemporánea. No contentos con prácticamente cocinar un género, fueron todavía más lejos cogiendo y subvirtiendo todo lo que había creado, sacando un disco que se alejaba de los canones del death metal clásico, yendo por un lado mucho más espiritual y místico, huyendo de todo el gore y visceralidad como temática que envolvía al género en si. El disco tiene todos los ingredientes que te esperas, pero debajo de todo esto, como si fuera una cebolla con diversas capas, encuentras con cada escucha cosas nuevas, es fascinante en ese aspecto. Podría hablar largo y tendido sobre cada canción del disco, la complejidad que maneja y como introduce toques de otros géneros, pero me parece una obra que vale la pena descubrir por uno mismo sin mucho spoiler, porque aún siendo tremendamente técnico es uno de esos álbumes que no vale solo con describirlos: Tienes que escucharlos y que te lleguen al alma.
Imagen
Spoiler: Mostrar
Imagen
Imagen
Avatar de Usuario
Ozymandias
Sargento
Sargento
Mensajes: 566
Registrado: Sab Oct 03, 2020 4:38 pm
Ubicación: Buena pregunta, la verdad

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Ozymandias »

White Rabbit
Imagen
Autor: Egypt Central
Año: 2011
Género: Metal alternativo, Rock alternativo


¿Qué es Egypt Central?
Spoiler: Mostrar
Egypt Central es una banda de rock/metal formada en 2001 por el vocalista John Falls. Debido al éxito que causaba este grupo en Memphis, su ciudad natal, la banda llamó la atención de los ex Lava Records CEO Jason Flom. Este quedó tan impresionado con su primera demostración, que ofreció a la banda un contrato discográfico de inmediato.

El álbum de debut homónimo de Egypt Central fue grabado con el productor Josh Abraham en Los Ángeles. Experimentó muchos retrasos, y finalmente fue lanzado por Fat Lady Music el 15 de enero de 2008.

Su segundo álbum de estudio fue precisamente White Rabbit, lanzado el 31 de mayo de 2011. Este álbum recibió muchas críticas positivas. Debido a la fama alcanzada por este álbum, la banda hizo varias giras por Estados Unidos, hasta que en 2012 se separaron. Sin embargo, en 2019 los miembros se pusieron en contacto para lo que parecía ser una reunión. Sin embargo, todavía no se sabe nada.
White Rabbit
Spoiler: Mostrar
White Rabbit es, como ya he dicho, su segundo álbum de estudio. Está compuesto por 12 canciones (14 en la versión deluxe) la mayoría de las cuales oscilan entre el hard rock comercial que tanto estaba de moda a mediados/finales de los 2000 y metal más experimental. Eso sí, entre todas estas cabe destacar "Backfire" que rompiendo con la temática del disco, es una balada/country con tono melancólico que, en lo personal, a mí me pareció preciosa.

Aquí hay una lista con todas las canciones.
1. "Ghost Town"
2. "White Rabbit"
3. "Goodnight"
4. "Kick Ass"
5. "Change"
6. "The Drug (Part One)"
7. "Down in Flames"
8. "Enemy Inside (Part Two)"
9. "Blame"
10. "Dying to Leave"
11. "Surrender"
12. "Backfire"
Opinión personal
Spoiler: Mostrar
Este es uno de mis discos de rock/metal favoritos, y me parece uno de esos casos extraños en las que todas las canciones del disco son buenas. Si bien no ha inventado la rueda (la mayoría de canciones son más bien genéricas) lo que hace lo hace muy bien, y es una escucha más que recomendable para todo aquel al que le guste este tipo de música.
Avatar de Usuario
Wholeon
Teniente Segundo
Teniente Segundo
Mensajes: 1573
Registrado: Jue Ene 14, 2016 3:49 pm
Ubicación: Aimai
Género:
Contactar:

Re: Sala de conciertos: Grandes obras e historia de la música

Mensaje por Wholeon »

Me encanta que vayáis aportando de todo tipo de géneros. Muchas gracias chavales!

Y ahora, vayamos a por el padre de la música occidental tal y como la concebimos hoy en dia: el hombre que nos ha hecho apreciar la música como obras de arte que trascienden todos los tiempos (curioso cuando la música suena durante un tiempo concreto), el hombre que nos hace apreciar el valor de la autenticidad y la originalidad por parte del músico, el primer hombre que se interesó en catalogar su música para que perdurara una vez él ya no viviera.


[center]Beethoven - Sinfonía nº6 Pastoral[/center]
Imagen
SOBRE BEETHOVEN

Con la introducción ya he dado bastante información, pero hagamos un breve resumen de la vida de Beethoven:
Spoiler: Mostrar
-Nació en 1770 en el Arzobispado de Colonia y murió en 1827, en el Imperio Austríaco. Su estilo artístico pertenece a la última gran etapa del clasicismo y de hecho, él fue el pistoletazo de salida del Romanticismo. Es algo así como una forma de hacer música clasicista, pero una forma de pensar romántica. Su estilo musical fue el de "romper esquemas" (literalmente, rompía los esquemas compositivos de la época) en su composición.

-El Clasicismo musical (segunda mitad del siglo XVIII) se divide en 3 grandes etapas, "dominadas" por un compositor: la primera, por Joseph Haydn, la segunda por W.A. Mozart y la tercera por L.V. Beethoven. Pues bien, Beethoven recibió clases de Haydn y fue admirador de Mozart, aunque acabaría trascendiendo mucho más que estos dos.

-A lo largo de su vida, el estilo de Beethoven también se divide en 3 etapas: la primera etapa, la más clásica e influenciada por Haydn y Mozart, incluye la Gran Sonata Patética y las dos primeras sinfonías; la segunda etapa, conocida como heroica, inicia tras la crisis por su creciente sordera. Esta segunda etapa es mucho más rupturista e innovadora, y nos deja obras como las siguientes seis sinfonías (3-8), la sonata Apasionata, el claro de luna, etc. Finalmente, la tercera etapa ya es la creme de la creme en cuanto a expresión formal y emocional de la música. Durante este periodo escribe su última sinfonía (entre otras cosas), la novena de Beethoven, ya totalmente sordo.

Como podia escribir música Beethoven si estaba sordo? Pues bien, el método de composición de Beethoven era papel y pluma. El hombre más que usar el piano para componer, componía "de cabeza", era un ejercicio mental, escribir, tachar, reescribir, volver a tachar, tirarlo todo y empezar de nuevo, escribir, tachar y volver a escribir. Esta forma de componer hizo que finalmente, la música pudiera sonar en su cabeza, sin necesiadad del piano (evidentemente que era una putada máxima). Pocos compositores habrian logrado y podrian lograr actualmente componer así.

Como he dicho en la introducción, Beethoven se interesó en hacer un recopilatorio de toda su obra poco antes de morir, y que esta se imprimiese y estuviese recopilada para todos los tiempos. Además, Beethoven solia componer cosas que sobretodo al principio, sorprendian al público y no les agradava. Ahora tenemos muy arraigado que uno ha de escribir la música que quiera y no la que la gente quiere oir, pero en el siglo XVIII? Mande? Tu escribias, por supuesto, la música que querian escuchar, sino te comias los mocos. Beethoven fue el primero en querer escribir lo que quisiera, el primero en querer ser especial, no se sometió a la presión de ninguna corte ni mecenas para ser libre. Y sorprendentemente lo consiguió y se hizo famoso y se convirtió en una especie de mesias de la música.

Hasta hoy en dia, un músico de rock o de jazz, o de cualquier tipo (en occidente claro) busca hacer música original, que no se haya hecho antes. Tenemos las obras musicales como algo eterno, algo que conservar, como un patrimonio, este tema es el máximo exponente de ello. Pero porque es así? Pues bueno que me repito, por Beethoven. Pensemos en otras culturas que hacen música por puro disfrute personal o social, da igual que siempre se la misma: la música para ellos, es algo con lo que disfrutar genuinamente. Esta guay que en occidente hayamos "traspasado" esa sencillez y nos vayamos a cosas gigalocomplejas, pero también nos deberia hacer pensar sobre si todo el paripé que tenemos montado alrededor de la música y que pensó un hombre de hace 250 años es el camino exacto que queremos seguir hoy en dia.
SOBRE SU SINFONÍA Nº6
Spoiler: Mostrar
Esta sinfonía es uno de los primeros exponentes de la Música Programática. La música programática es aquella que tiene la intención de evocar ciertas imagenes en la mente del oyente, mientras que la música absoluta es aquella que no tiene esa temática tan marcada. En el caso de esta sinfonía, la cual Beethoven subtituló "Recuerdos de la vida campestre" y que adoptó el apodo "Pastoral", su objetivo era efectivamente, plasmar escenas campestres y la naturaleza. Beethoven tampoco es el primero en hacer esto: Haydn ya hizo su oratorio Las Estaciones en 1802, y Vivaldi también hizo su famoso concierto para violín, Las Cuatro Estaciones.

Ahora que lo pienso, quizás quien lea esto esté esperando que explique por qué estoy hablando de esta sinfonía y no de otra obra de Beethoven, pensando que quizás fue un gran punto de inflexión o tiene algo único. Si y no, sencillamente me encanta y es de mis obras musicales favoritas y por eso hablo de ella, no es de sus obras más importantes (la tercera sinfonía, la quinta y sobretodo la novena son mucho más revolucionarias) pero esta para mí, es maravillosa.

Esta sinfonía la escribió a la vez que la quinta, y es curioso porque prácticamente son el ying y el yang. La 5a sinfonía (quizas recordéis el tatatataan) es de sus obras más brutales y salvajes, mientras que esta 6a sinfonía es de sus obras más pacíficas y bellas. La 6a sinfonía es también la única suya con 5 movimientos (suelen tener 4) y además, 3 de esos movimientos estan encadenados musicalmente (tienen el principio y el final muy difuminados).
Y nada más, os dejo el nombre de los movimientos (les puso nombre!!) y el link a youtube. Gracias por leer chavales.
Spoiler: Mostrar
Erwachen heiterer Empfindungen bei der Ankunft auf dem Lande («Despertar de alegres sentimientos al encontrarse en el campo»): Allegro ma non troppo.



Szene am Bach («Escena junto al arroyo»): Andante molto mosso.



Lustiges Zusammensein der Landleute («Animada reunión de campesinos»): Allegro.



Gewitter. Sturm («Relámpagos. Tormenta»): Allegro.



Hirtengesang. Frohe und dankbare Gefühle nach dem Sturm («Himno de los pastores. Alegría y sentimientos de agradecimiento después de la tormenta»): allegretto.

La estoy reescuchando, no me cansaria nunca. Es una puta obra maestra.
Imagen
By Rockcorn
Imagen
Imagen
Responder