Estiu/Verano 1993 (Carla Simón, 2017). PLESIOSIDÁ. Curiosamente y sin saberlo, me encuentro que una de las cosas que veo al empezar la película es la puerta de mi casa.
The Neon Demon (NWR, 2016). Una auténtica obra maestra de uno de los mejores directores de cine en activo. Tras esa horripilante superfície, el guión esconde el tema más universalmente humano que pueda haber. El falo. La falta. That thing. El matrimonio entre Winding y Martínez (compositor) es lo mejor que le ha pasado al cine en años.
Orígen/Inception.(Chris Nolan, 2010). EL truñamen. Cosa más mala, por Dios. La escena de la furgo tiene su gracia, lo único.
La Cámara de Claire (Hong Sang-soo, 2017). Maravillosa. Una cotidianeidad cautivadora. Un guión brillante dentro de su naturalidad.
La Operación "Reunir a Baroque Works" de Miss Golden Carrot, vol. IV: "Mil Fleur! Delphinium!"
Pirateking foro opresor anit-carrot comprado por los Pro-Yamato. Stop censura!
3muros escribió:Anoche me volví a mirar después de muchos años la joya Argentina "El Secreto de sus Ojos". Qué obra más bien hecha, qué bien escrita y ejecutada por equipo cámara, vestuarios, sonido, actores... Me deja enganchado todo el tiempo, es un thriller con romanticismo sin llegar a cursi q me ha metido muchísimo en la historia. Además Darín como siempre me flipa.
Si te gustó el secreto de sus Ojos, te recomiendo El Hombre de al lado, de Gastón Duprat y Mariano Cohn. De esta dupla también recomiendo El ciudadano Ilustre. Las pueden ver gratis por Cinear.com, se registran en un minuto literalmente.
En esta misma plataforma vi la semana pasada Los Paranoicos, de 2008. Es un film de la vida de un guionista muuuuy venido a menos mantenido por un "amigo" que logró el éxito internacional con la serie que le da nombre a la película. No tiene desperdicio.
Uah muchas gracias por esto! Las miraré sin duda y la web me ayuda muchísimo q me cuesta encontrar cine Argentino. Agradecido estoy
Película de Terror de mayor calidad de lo que es habitual, aunque tampoco es la panacea. Consigue mantenerte atento las dos horas y no tira de screamers cutres que ya es mucho y los actores lo hacen de puta madre. La historia de fondo tampoco está mal, recomendable a los que les guste el rollo terror/psicológico.
Película sobre una escritora que para poder pagar sus deudas se vende a una empresa tecnológica que le instala un "superordenador" que la "ayuda" en su proceso creativo. Ciencia ficción/terror/psicológica. Parte de una idea bastante curiosa pero es un poco turbia, pero en plan un poco mal. Da mal rollo del malo. A ver, está bien y entretiene, pero ya está xd
Película de superhéroes bastante refrescante, sobretodo para aquellos que os ralle un poco ya Marvel. De nuevo, no es la panacea, pero se deja ver. Está basada en el cómic homónimo y sin llegar a ser cómica, si que lleva los estereotipos del superhéroe a tal extremo que es bastante divertida.
No es perfecta ni es la polla, pero a mí me gustó mucho y la recomiendo mucho a todos aquellos que quieran abrir un poco su perspectiva socio-cultural. Es una película ambientada en Casablanca y zonas circundantes de Marruecos. Quizas no sea una película que pueda decir gran cosa a un marroquí, pero sí a los occidentales. No es una gran crítica a un hecho en concreto, pero su riqueza reside en la realista representación de situaciones sociales que se dan en el Marruecos actual, en quizás una de las ciudades más "occidentales" de África, y pese a ello, la abundante misogínia, machismo, homofobia y represión que hay (y sobretodo hubo) hacia las culturas "minoritarias" no islámicas (alias los bereberes) en Marruecos. Muy interesante pero no lo interpretemos mal, no creo que sea algo distinto a lo que pasa en occidente. No sé miradla. Tengo pendiente otra película edl bueno de Ayouch, los Caballeros de Dios.
La que más me ha gustado de Woody Allen de las que he visto, muy divertida y entretenida. Comedia romántica que acaba siendo de todo menos romántica y se agradece, que este hombre cada ha llegado a ser muy turbio en ese sentido. Y vaya, sin llegar a este extremo, sé casos de primera mano de chavales que intentando ser algo que no son por mojar el chumino, se han visto involucrados en berenjenales similares a los de esta película. Quizás por ello me ha hecho especial gracia.
Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar, de Woody Allen
Turbia, muy turbia. Sí, es humor, pero me cuesta separar el Woody Allen cineasta de su vida privada, cosa que no debería hacer, pero me cuesta especialmente cuando protagoniza la mayoria de historietas de esta película. Probablemente por ello no me haya gustado demasiado, pero vaya, objetivamente creo que es una comedia bastante divertida, aunque a mi no me haya hecho ni puta gracia la mayoria de escenas xd
Nunca me ha gustado el género de zombies por cansino, pero entre The Last of Us y esta película tendré que plantearme explorarlo un poco más. De nuevo, no es la panacea pero me parece muy refrescante al género, no hay drama barato ni política que no le importa a nadie, la fotografia y la ambientación es hipnótica, los personajes estan bastante bien y no son unos plastas de cuidado... La recomiendo bastante, pese a que estoy viendo en filmaffinity que tiene un suspenso xddd. En fin, la mayoria de quejas que leo es de gente que creo que iba a ver esta película con intención de ver drama exagerado y explosiones, si no sois de esos y quereis relajaros en una atmósfera tétrica, la recomiendo.
Ambientada en escocia, Casim, un joven de una familia paquistaní se enamora de una chavala super caucásica y bueno, el típico Romeo-Julieta pero tirando a una crítica tanto a las tradiciones musulmanas como sobretodo al trato que hacemos los occidentales a ellos y su cultura y como no facilitamos la integración y la aceptación. Los personajes son bastante entrañables, sobretodo la hermana pequeña de Casim. El final me dejó un poco de mal sabor de boca por eso.
La película está bastante bien, de hecho me ha gustado mucho, pero me lo vendieron como la venida de cristo y ya sabemos lo que pasa. Creo personalmente que esta película fue "revolucionaria" en su momento, pero que actualmente no tiene nada nuevo que contar. Quiero decir, la percepción que muestra esta película sobre las relaciones amorosas es una que actualmente ya está bastante explotada. O lo mismo soy yo que soy tonto y ya. Además de ello, el mensaje y lo que transmite (que está muy bien) me ha dado la sensación que la hacia más por palabras (de Woody Allen) que no por cine, quizás por eso no me ha acabado de cuajar.
Anécdota que a nadie le importa: vi Annie Hall hace años con dos o tres cervezas encima, medio caído por la melopea y me pareció una verborrea mareante que pretendía hacer gracia juntando la mayor cantidad de observaciones pretendidamente ingeniosas por minuto, como si fuera un stand up del montón.
En fin, voy yo también recopilando con lo que he ido viendo este mes, que hace la tira de tiempo que no me pasaba por este tema:
(500) días juntos es una película que ha pasado por todo tipo de fases en cuanto a cómo debe interpretarse. Un poco al margen de esto y de que su guionista sea un misógino de cuidado herido por una relación pasada, es una representación bastante certera de la toxicidad machista en las relaciones. Se ha querido catalogar esta película como una suerte de burla a los incels y no, la verdad, yo actitudes y comentarios como éstos las he visto tal cual en peña que liga, tiene pareja y sale todos los findes. Como digo, no sé si el prisma de la cinta es autocrítico o autoindulgente, yo prefiero creer que es lo primero porque siento que la película no observa estos comentarios ni esta forma de ser con ninguna simpatía. En todo caso el debate ha estado servido durante años y no voy a resolverlo yo, pero me ha gustado mucho esta peli y su enfoque se aleja diametralmente de los topicazos del cine romántico.
¡Abajo las armas! es una muda danesa bastante primigenia pero con un mensaje de los que calan en cualquier época y momento, ese discurso marcadamente antibelicista que se opone a las viejas tradiciones militares y al concepto rancio de honor familiar que implica aceptar la pérdida con orgullo. Ya si la calidad de la película acompañara esas intenciones tan bonitas sería memorable, pero se queda en una decentada curiosa.
El silencio que queda examina la vida diaria de José Carlos, un hombre ciego que puede identificar de oído los cantos de cualquier ave. Documental lento, de puro enfoque observador y tan encantado con la naturaleza como su protagonista. Lleno de planos detallados y alargados en el tiempo de las aves, y manteniendo una curiosidad respetuosa con la forma de ser, las relaciones y las motivaciones diarias de José Carlos. Un resultado notable dentro de su modestia, una anécdota relajante y distendida que permite observar la naturaleza con sus propios tiempos.
El nacimiento de una nación es una de las cintas más importantes de la historia del cine, cita obligada para todo cinéfilo mínimamente interesado en los orígenes de todo. Más por recopilación y magnificación que porque realmente inventase algo, claro, pero esto no puede quitar mérito a un proyecto impresionante y que aún es capaz de causar admiración genuina. Y aquí se acaba lo positivo porque la película es una cagada histórica, una obra que en pleno 1915 revitalizó al Ku Klux Klan y dio pie a una segunda ola de crímenes racistas. Se habla de películas nocivas pero pocas cargan en sus espaldas con tantas muertes, tanto horror y tanta influencia repugnante en la cultura popular estadounidense que permea hasta los tiempos de hoy. Decir que esta obra es racista es un piropo. Racista es la última que voy a comentar hoy, ésta es una basura de tal vileza que miente descaradamente en sus "reconstrucciones históricas", intenta vendernos que permitir votar a los negros es "un acto indefendible de claudicación", romantiza la esclavitud (¡¡a principios del siglo XX!! ¡¡60 años después de su abolición en Estados Unidos!!), justifica asesinatos y linchamientos y trata de reescribir la historia y dar a la basura confederada una victoria moral que nunca disfrutaron, y que si ahora, a día de hoy, se pueden permitir reivindicar, es en gran parte por la existencia de esta abyección criminal de Griffith.
A fool there was es otra muda de 1915 (sí, estuve haciendo un ciclo mudo) con la curiosidad histórica de ser la única película que sobrevive de Theda Bara, la primera gran actriz-estrella de Hollywood, caracterizada siempre por su imagen de mujer fatal o vampiresa. Y esta peli es eso mismo, una mujer que se dedica a seducir hombres ricos y exprimirles los recursos dejándolos sin nada y un hombre afable que cae en sus garras (a fool, indeed), y es entretenida. Obviamente la mera existencia de un estereotipo así es bastante regular y la que nos ocupa es tan rancia y moralista como uno podría esperar, pero al mismo tiempo Theda Bara fue una pionera que abrió un camino muy importante en la forma de retratar a los personajes femeninos en el cine, alejándose del estereotipo de mujer plana, abnegada y servil.
Lo siguiente que vi fue la trilogía de Spider-man de Sam Raimi. En líneas generales, puedo decir que estas tres obras dan mil vueltas al MCU por el mero hecho de que al frente de ellas hay un autor dejando su impronta y no diluido en productos clónicos e impersonales. A veces de forma tan exagerada que es hasta entrañable (como en la divertidísima secuencia de la lucha libre en la primera), pero en general bebiendo de las referencias de y del propio cine de Raimi. Ese terror chusco suyo de Evil dead está muy presente en todas las películas, violencia burra, muy física y exagerada, pequeños jumpscares, flashes repentinos y demás formas de su cine de terror ochentero en películas de, recordemos, un superhéroe, y un humor absurdo lleno de gags muy bien construidos. Las dos primeras me gustan muchísimo, con sus peros (el personaje de James Franco está fatal tratado en estas dos pelis), pero especialmente la segunda es casi redonda. Luego está la tercera, que tiene varias cosas bastante mal, la más importante de las cuales es tener hasta tres villanos principales y una estructura narrativa que se hace la picha un lío, como si Raimi quisiese meter ahí cualquier cosa. Es una película fallida pero no es una mala película, sigue siendo divertidísima, tensa y hasta emotiva en algún momento y sobre todo tiene al Peter Parker emo que es una maravilla. La escena del baile, mítica.
¡Átame! es una bastante subversiva película de Pedro Almodóvar. Con toda la energía contracultural de la movida pero con los esfuerzos y las ganas de escandalizar redoblados en esta farsa psicosexual que si se toma mínimamente en serio podría ser una burrada ofensiva o un sexploit chungo. Pero es que no hay que tomarla en serio, por dios, no a una película que disfruta tantísimo de lo bruta, retorcida y escandalosa que es. A mí me han encantado su absurdo, su chabacanería y su humor negrísimo; sus personajes caricaturizados e irreales y al mismo tiempo reflejo distorsionado de la sociedad; su historia de amor que no reivindica nada, sólo se burla y lleva la burla al límite. Todo ello con unos colores vivos y recargadísimos que funcionan de maravilla aquí y unas interpretaciones impresionantes, muy en especial Antonio Banderas en un rol tan perturbador que sólo podría funcionar aquí.
Plan 10 from outer space podría ser una secuela de la más famosa e infame peor película de todos los tiempos, pero en realidad se parece a ésta en que tiene extraterrestres y ya. La que nos ocupa es en realidad un what if sobre los orígenes de la religión mormona en el que una chica de Salt Lake City, ciudad mormona por excelencia, rastrea a partir de una tabla que encuentra de casualidad una posible conspiración alienígena centenaria. Con un estilo casero y obviamente barato, pero con efectos visuales que dentro de esa modestia son bastante orgánicos y bien conseguidos, la película podría parecer una frikada sin mucha inspiración, y frikada es, pero es también una joya muy reivindicable que anda a medio camino entre dos universos referenciales: la ciencia ficción conspiranoica de los 50 y la hortera y pasada de rosca de los 80, y que combina ambas para generar su propio viaje. Creativa y diferente hasta decir basta, con interpretaciones súper teatrales y muy gestuales pero que funcionan perfectamente aquí, con un sentido del humor siempre presente y que más que hacer reír, añade a la sensación de estupor (y eso TAMBIÉN funciona). Muy, muy buena.
Häxan: La brujería a través de los tiempos es otro clásico del cine mudo. Éste es bastante impresionante ya en su premisa. Se trata de una docuficción o recreación documental de la brujería a lo largo de la historia, con escenas dramáticas recreadas por actores; estamos hablando de 1922, en los primeros pasos de un género que apenas estaba empezando a definirse. Y más allá de sus méritos pioneros, la obra es una pasada. Su imaginería satánica para describir el punto de vista cristiano sobre la brujería llega a ser hasta escalofriante aún hoy en día, su puesta en escena en general es magistral. Pero ésta no es precisamente una película hecha desde la mentalidad inquisitorial, y su descripción de la crueldad de los juicios, las torturas y sobre todo de la impotencia de las víctimas señaladas por la Iglesia es sobrecogedora. Ver a mujeres, excelentemente interpretadas por sus actrices correspondientes para la recreación, darse cuenta de que sólo les espera la muerte y el sufrimiento intenten lo que intenten y digan lo que digan, resulta muy impactante. Puede que resulte un poquito difícil hacerse a ella, sobre todo porque su peso dramático va en clara escalada, pero una vez superados esos primeros minutos se queda bien dentro.
Assunta Spina, otra yayita del cine, en este caso procedente de Italia, cuenta con interpretaciones más que notables, dotadas de una sutileza dramática poco común en el cine de la época, y una psicología compleja y muy interesante de los mismos, pero lamentablemente su historia es un folletín vetusto, un cascajo que ve las relaciones entre hombres y mujeres desde un prisma que huele muy a rancio, y la verdad, da mucha pereza porque me impide disfrutar de literalmente todos los otros aspectos que son mejores que esta trama.
Viajando casi cien años después en el tiempo en cuestión de 3 días, me vi una película indonesia con muy pocas referencias, de ésas que o te encuentras por casualidad o nunca las encuentras. Y resultó ser muy buena. Siti es en realidad una premisa muy clásica del cine social: una deuda que pagar, un plazo muy breve y mil problemas adicionales a los que hacer frente. Pero también es una ejecución elegante y potente de la premisa, con personajes muy bien perfilados e interpretados (y de un realismo digno de mención, lo del crío no tiene nombre) y una protagonista que sueña despierta con otra vida que tiene al alcance de la mano mientras busca la forma de conseguir el dinero. El pago de la deuda aquí se convierte en un doble filo. Una responsabilidad estresante y al mismo tiempo un esfuerzo alienante, una evasión y una causa de insatisfacción vital. El hastío de Siti es muy patente, pero al mismo tiempo lo es su falta de energía y motivación para huir, ahogadas por las exigencias que le ofrece su vida actual. Una película triste y demoledora sin cargar en ningún momento las tintas.
13 Tzameti comienza con pocas fuerzas pero más o menos sólida, pero en realidad su plato fuerte, y tan fuerte, llega en la segunda mitad con ese giro que no voy a spoilear pero que convierte a ésta en una obra llena de tensión, crueldad y violencia gráfica. La forma en la que esto sucede ya queda para que la descubra cada uno por su cuenta o se la spoilee otro con menos escrúpulos que yo, sólo decir que a partir de ahí la peli gana enteros y se cimienta su estatus de culto.
Explorando al mismo director que la anterior (Géla Babluani), L'héritage es un esfuerzo conjunto con su padre Temur que narra una historia de reporteros extranjeros que se encuentran de imprevisto inmersos en una guerra entre clanes georgianos, siguiendo su propia ley con el beneplácito de unas autoridades que las aceptan sin más, como algo inherente a su cultura. Con un humor bien negro y situaciones que parecen casi surrealistas, los reporteros intentan capturar en cámaras como sea el momento del asesinato pactado de un anciano con el objetivo de igualar el recuento de muertes y así terminar la guerra entre dos clanes, acompañando al anciano y a un familiar suyo al lugar donde se realizará la ejecución. El resultado, una película bastante discreta, la verdad, pero está majilla y su escena final es excelente.
Voy a continuar haciendo doble post, que no me cabe todo en un mismo mensaje al parecer.
Última edición por jal90 el Dom Oct 25, 2020 3:50 am, editado 1 vez en total.
Mi siguiente parada fue el clásico de la crónica negra española El bosque del lobo. Y aquí, si me vais a perdonar, hago copypaste de la reseña que escribí, que me gustó cómo me quedó y no voy a poder reformular nada mejor:
Inspirado en la novela El bosque de Ancines de Carlos Martínez Barbeito, que a su vez ficcionaliza el caso real de Manuel Romasanta, el conocido como el hombre lobo de Allariz, Pedro Olea se adentra en la Galicia rural del siglo XIX para narrar la historia de Benito Freire, un buhonero que sufre ataques violentos de epilepsia y que, debido a las leyendas que circulan sobre la existencia de un licántropo, cree él mismo que lo es, alimentando su sugestión y cometiendo una cadena de atroces asesinatos durante sus estadios alucinatorios.
Brillantemente interpretado por un José Luis López Vázquez que se sale por completo de su estereotipo cómico, Benito es un hombre perturbador, de gestos y comportamientos erráticos, que oculta y guarda con celo sus horrores frente a los demás pero que al mismo tiempo asume como su naturaleza. Atormentado por la perspectiva de hacer daño a alguien, pero aún más por ser descubierto como la bestia que es, su buena fama logra por un tiempo disipar cualquier sospecha, aunque la escalada de violencia que protagoniza terminará por exponerle.
Pero lo que hace a El bosque del lobo una obra tan fascinante y en cierto modo espeluznante es cómo la locura y el tormento del protagonista se ven alimentados y crecen por su entorno. Olea nos describe a una sociedad en la que el cristianismo y el paganismo van de la mano, en la que curas y brujos dictan, ambos a su modo, el saber popular de la gente. Una Galicia vetusta, tosca y recatada, pero también misteriosa y folklórica. Benito, con sus enajenaciones transitorias, llega a creer que como “lobishome” (como se conoce a los hombres lobo en esas tierras) su rol es inevitable y está dictado por Dios.
La película podría perfectamente haber caracterizado a su protagonista como un demonio, alguien que pone a prueba y que finalmente es vencido con la fe colectiva, pero este no era su propósito. No es en absoluto casual el rol de Robert, el sacerdote inglés, en ella: un personaje racional, con conocimientos de mundo que logra en un momento dado proporcionar una explicación médica al fenómeno de Freire. Pero cuando llega la hora de cazarlo, su mirada es, como la del resto, cruel e inquisidora, no comprensiva. Para él y para todos, el ser que tienen delante es un monstruo a erradicar, un ser infernal que hay que purgar de la faz de la tierra. Pero Benito es un beato creyente como ellos. Alguien temeroso de Dios y de su personalidad asesina, oscuro en cuanto al horror que oculta, pero también porque es un reflejo distorsionado de lo que le rodea.
Esta ironía tan palpable en la cinta, sumada a ese retrato de la España rural como un lugar donde se mezclan libremente la fe católica y las supersticiones paganas, por poco le cuesta la censura a El bosque del lobo. Y no es para menos, porque detrás de esta historia de un monstruo hay toda una revisión retorcida de los valores cristianos, del concepto de redención y del papel de Dios en el sufrimiento, en la crueldad y en la maldad humana en su forma más primaria. Una obra que inicia y termina como si de una fábula se tratase, pero que en su interior tiene de todo menos una moraleja.
A medio camino de una sociedad que vive en la austeridad, la ignorancia y la represión moral y un bosque que simboliza el regreso del protagonista a sus impulsos animales, la ambientación de esta cinta da buena cuenta de la dualidad de Benito Freire, y nos introduce a una dinámica asfixiante que observamos desde su punto de vista, añadiendo de este modo la perspectiva psicológica y empática a una obra ya de por sí desasosegante. Sin llegar a ser un cuento de terror, aunque bien podría catalogarse como tal, El bosque del lobo es una crónica, y a su vez una revisión irónica, de uno de los casos más turbios de la España rural del siglo XIX, pero también de la fe y la superstición, de la identidad de unos pueblos que no pudo ser borrada y que ha permanecido siempre oculta, en lo más profundo e inaccesible de este país.
Ya vamos terminando porque esta misma semana me vi Promare. Una animación loquísima, llena de energía, un espectáculo visual y ya con esto bastaría para elevar esta película a lo más alto, pero el caso es que yo no me llevo tan bien como me gustaría con el rollo estético que lleva Imaishi. Me flipa tan pronto como me satura y me resulta sumamente cansino, y sus escenas de acción pronto terminan haciéndome rogar por más momentos intimistas porque me dejan la cabeza como un bombo y se sienten ultrarepetitivas al cabo de un tiempo. El caso es que su historia es súper esquemática e incluso puedo perdonar que la mayor parte de los personajes sean anécdotas porque Galo y Lio sostienen perfectamente la película entre ellos dos y la dinámica cambiante de su relación, pero me tiene dividido. Es una de estas obras de las que rajaría hasta que no hubiera mañana pero luego concluiría que en realidad me gusta y no poco, porque a pesar de todo, los méritos de esta cinta son una cuestión de intervalo más que de blanco o negro, y mientras se mantiene en el intervalo adecuado la disfruto muchísimo.
Declaración de Guerra Mundial es propaganda del Ejército Rojo y del Frente de Liberación Palestina. Y ni se molesta en esconderlo: este documental de Masao Adachi y Kôji Wakamatsu es un noticiero revolucionario en el que los entrevistados discuten el marco teórico de la revolución comunista, ofreciendo siempre el mismo punto de vista a través de ellos. Y más allá de donde cada uno se coloque a nivel ideológico, es una obra fascinante en cuanto a la forma en que se aleja del puro fervor emocional de la propaganda más tradicional, aquella que encontró un altavoz en el cine, para adentrarse en el meollo, en la base teórica del ideal revolucionario. Es un análisis obviamente unidireccional, pero concienzudo, para explicar el por qué de las acciones violentas, de la lucha y del terrorismo como arma política. Se trata de una obra radical, pero en su radicalidad, muy elaborada y reflexionada. Además sirve como perfecta introducción a la interesantísima Teoría del Paisaje de Adachi. Como contrapunto, al ser básicamente un rollo bastante teórico se hace un poco aburrida en ocasiones, pero compensa con su contenido, demostrando el nivel de la subversión artística y cinematográfica en el Japón de los 70.
Y por fin, la última película de la que voy a hablar es La máscara de Fu Manchú, un clásico de terror y aventuras con un villano memorable interpretado por Boris Karloff. Y que, como adelantaba anteriormente, es racista. Mucho, la verdad. Pertenece a la corriente del cine clásico de demonización de lo asiático, en particular la cultura china, llevándolo al paroxismo de imaginar a un personaje como Fu Manchú, un tipo resentido con todos los blancos que planea aniquilarles gobernando el mundo con las reliquias de Genghis Khan. Que semejante barbaridad de premisa no resulte ofensiva, a pesar de que a todo esto se añada el yellowface de su antagonista, viene dado por dos motivos: en primer lugar, este catálogo de estereotipos no se puede y apenas pretende tomarse en serio, es una ridiculez cursi e histriónica. En segundo, por mucho que se empeñe la cinta, todos los personajes blancos son despreciables, estúpidos e inútiles comparados con el genio de su antagonista, que se roba la cinta. Un discreto y culposo disfrute en el que terminas eligiendo el bando contrario al que pretende la película, pero disfrute al fin y al cabo.
Prefiero tomarme un cóctel de barbitúricos y mezclarlo con tres cubatas antes que volver a ver una nolanada o tarantinada de esas que están tan de moda. Así, sin pedantería ni nada.
Reporte Independiente del CPCarrot vol. V "Aquí estaré a salvo del cloroformo de Sanji".
Estoy viendo Mr Nobody con Jared Leto, la verdad genial, te deja pensando en un sin fin de cosa sobre lo que pasa en la película.
Cuando uno extraña un lugar, lo que realmente extraña es la época que corresponde a ese lugar; no se extrañan los sitios, sino los tiempos". Marcel Proust
jal90 escribió:Anécdota que a nadie le importa: vi Annie Hall hace años con dos o tres cervezas encima, medio caído por la melopea y me pareció una verborrea mareante que pretendía hacer gracia juntando la mayor cantidad de observaciones pretendidamente ingeniosas por minuto, como si fuera un stand up del montón.
Por que lo es, como toda la carrera de este petardo de hombre.
Hace poco me vi: Lua Vermella y....
Franosuke escribió:Prefiero tomarme un cóctel de barbitúricos y mezclarlo con tres cubatas antes que volver a ver una nolanada o tarantinada de esas que están tan de moda. Así, sin pedantería ni nada.
Que tal en 1994? Traeme un ok, ya que vas a ir a comprar expresiones de señor mayor. La de: "Esto...esto gusta mucho a los niños, no?" y "Estetica de videoclip" están de oferta.
Capitan Pillo escribió:Que tal en 1994? Traeme un ok, ya que vas a ir a comprar expresiones de señor mayor. La de: "Esto...esto gusta mucho a los niños, no?" y "Estetica de videoclip" están de oferta.
Creí habértelo dejado ya claro en privado: NO pienso acostarme contigo, no insistas.
I won't apologize for no gustarme el cine de un ególatra insufrible. Un cine de gran virtuosismo, por supuesto, y entiendo perfectamente que la gente se lo pase de la hostia viendo sus películas, pero a mi no me transmite ni me dice nada. Porque, en parte, se la suda contarme nada. Once upon me tienta bastante, eso sí.
Reporte Independiente del CPCarrot vol. V "Aquí estaré a salvo del cloroformo de Sanji".
Capitan Pillo escribió:Que tal en 1994? Traeme un ok, ya que vas a ir a comprar expresiones de señor mayor. La de: "Esto...esto gusta mucho a los niños, no?" y "Estetica de videoclip" están de oferta.
Creí habértelo dejado ya claro en privado: NO pienso acostarme contigo, no insistas.
Yo me vi ayer Misión Imposible (La del 96) por tercera o cuarta vez ya, y me sigue pareciendo un peliculón. Las escenas de acción son buenas, el guión inteligente, y la escena de la infiltración en la sede de la CIA me sigue pareciendo de las mejores escenas de una película de acción. Sin duda, la mejor película de espías que he visto.
Después de ver la Momia 1 y la 2, me estuve cuestionando en como jodieron la franquicia con la tres y con el reboot. Para mi la 2 es mucho mejor que todas, que les costaba esperar el regreso de Rachel Weisz a la 3, además había momentos innecesarios.
Cuando uno extraña un lugar, lo que realmente extraña es la época que corresponde a ese lugar; no se extrañan los sitios, sino los tiempos". Marcel Proust
Franosuke escribió:Prefiero tomarme un cóctel de barbitúricos y mezclarlo con tres cubatas antes que volver a ver una nolanada o tarantinada de esas que están tan de moda. Así, sin pedantería ni nada.
No metas a Nolan y a Tarantino en el mismo saco, no tienen nada que ver, Tarantino por lo menos tiene sentido del humor.
Tarantino es un enfermo, un friki supremo del cine, que es capaz de transportar todo ese conocimiento a sus películas dando lugar a unos batiburrillos de influencias y referencias muy interesantes, además como director tiene un manejo del ritmo brutal, sus clímax, precedidos por una larga y tensa espera suelen ser maravillosos.
Nolan es muy bueno haciendo a los tontos sentirse inteligentes, y además de los pocos directores capaces de hacer blockbusters con temáticas un pelín más underground de lo habitual.
Wano es un gran país y los espadachines muy espadachines y muchos espadachines.
porque esta misma semana me vi Promare. Una animación loquísima, llena de energía, un espectáculo visual y ya con esto bastaría para elevar esta película a lo más alto, pero el caso es que yo no me llevo tan bien como me gustaría con el rollo estético que lleva Imaishi. Me flipa tan pronto como me satura y me resulta sumamente cansino, y sus escenas de acción pronto terminan haciéndome rogar por más momentos intimistas porque me dejan la cabeza como un bombo y se sienten ultrarepetitivas al cabo de un tiempo. El caso es que su historia es súper esquemática e incluso puedo perdonar que la mayor parte de los personajes sean anécdotas porque Galo y Lio sostienen perfectamente la película entre ellos dos y la dinámica cambiante de su relación, pero me tiene dividido. Es una de estas obras de las que rajaría hasta que no hubiera mañana pero luego concluiría que en realidad me gusta y no poco, porque a pesar de todo, los méritos de esta cinta son una cuestión de intervalo más que de blanco o negro, y mientras se mantiene en el intervalo adecuado la disfruto muchísimo.
